En esta conversación con RANDOM, Bauzá reflexiona sobre el atractivo de la incertidumbre, el humor negro como herramienta para abordar temas complejos, la potencia del teatro para interpelar a la sociedad, el valor de los equipos creativos y el diálogo permanente entre la dirección escénica y la música, disciplina que también forma parte de su identidad artística. Lejos de las definiciones cerradas, el director reivindica el escenario como un espacio de encuentro donde cada espectador completa la experiencia desde su propia sensibilidad. Al fin y al cabo, quizás el teatro siga siendo uno de los pocos lugares donde todavía es posible detenerse a cuestionar aquello que parecía indiscutible.

Actualmente tenés en cartel dos obras muy distintas en tono, pero que parecen compartir cierta inquietud por aquello que se oculta detrás de la normalidad. ¿Encontrás un hilo común entre El alma de la noche y Mental?

Bueno, precisamente el hilo en común entre las dos obras es eso, es donde está el límite de la normalidad. En las dos obras se atacan esos temas desde distintos ángulos, una de manera muy cruda como Mental, directamente metiendo la situación en un neuropsiquiátrico y con gente diagnosticada con patologías psiquiátricas, y luego, por otro lado, en El alma de la noche, un poquito más solapada en la comedia, pero sí, desde un chico que tiene un retraso mental y una cierta discapacidad, aparentemente puede tener más cordura que el resto de los personajes que lo rodean, que están bajo una aparente normalidad.

En El alma de la noche trabajás desde el humor negro y en Mental desde el thriller psicológico. ¿Qué te atrae de esos géneros que se mueven en los bordes entre la risa, el miedo y la incomodidad?

Sí, precisamente un poco eso es lo que me atrae (o nos atrae) a hacer teatro, que es poner un poco de duda sobre las certezas que hay y empezar a generar preguntas, y cuando conocemos las respuestas, que esas preguntas cambien, que sean nuevas, y que estemos constantemente en ese loop de preguntarnos cosas, de que los personajes transiten por esos caminos de preguntas y de incertidumbre. Es lo más atractivo, lo más lindo del teatro.

Ambas obras ponen en crisis las certezas de los personajes: una desde los vínculos domésticos y la otra desde una institución psiquiátrica. ¿Te interesa particularmente explorar esos espacios donde la realidad deja de ser confiable?

No, me atraen todos los géneros. Creo que más que analizarlo desde un género, que ahora que lo decís, sí, probablemente revisitando un poco las obras que dirigí a lo largo de los años, el humor negro es una de las cosas que está ahí como bandera. Probablemente sí sea una de las que más me atraiga o me divierta. Es la forma de contar ciertas situaciones que pueden ser muy profundas y demasiado inentendibles para la comprensión humana, hacer humor de eso.

Entonces el humor negro me atrae un poco por ese lado y sí, lo que tiene que ver con el humor me manejo con un poquitito más de comodidad ahí. Pero más que nada uno busca material que te genere cosas, que te genere preguntas, que no sepas cómo abordarlo. Eso es un desafío desde lo artístico, de cómo pensar algo. Hay algo en una lectura que te atrae más allá del género y luego ahí nos metemos, nos metemos de lleno, sea cual sea el género. El desafío a la hora de elegir una obra va más por otro lado.

Uno quiere contar una historia y que la gente la pase bien. La gente hace su esfuerzo, sale de su casa, viaja, paga una entrada. Eso es muy valorado por nosotros.

«…Queremos darle al espectador una buena experiencia en líneas generales, un espectáculo de calidad por donde se lo mire…»

Como director, ¿cómo construís una atmósfera que mantenga al espectador en estado de alerta sin perder el vínculo emocional con los personajes?

Bueno, creo que van de la mano, es como una especie de combo de dos por uno. Si logramos que el espectador conecte emocionalmente con los personajes, eso va a dejar que se deje guiar por ese camino de la historia que estamos contando. Entonces, al permitirse conectar, hacer ese camino es mucho más llevadero para ambas partes.

Ahí es donde entra tener al espectador, como decís, en estado de alerta, o lo llamaría más como prestarse a jugar este juego que le proponemos, de transitar esta ficción como si fuera lo más real posible. Luego la atmósfera se va creando, no sólo trabajando y pensando en eso previamente, sino que se va construyendo en el camino de acuerdo a cómo van los ensayos y cómo se desarrollan los personajes, la idea que yo puedo tener como director con las propuestas de los actores y cómo esa comunión deviene en una nueva forma de ese personaje.

Y ese personaje, cómo lo vamos metiendo dentro de la escena, trabajando también con los creativos que se encargan de escenografía, vestuario, iluminación, música. Todo eso apoya y hace que el espectador se entregue más fácilmente a este juego que le proponemos.

En Mentalaparece una crítica al sistema y a las estructuras de poder, mientras que El alma de la noche parece observar las pequeñas violencias de la vida cotidiana. ¿Creés que el teatro sigue siendo una herramienta eficaz para interpelar a la sociedad?

Sin duda. El teatro, no sé si es eficaz, pero sí que es una herramienta poderosísima para interpelar a la sociedad y es también una de sus grandes tareas. Además de entretener, hay espectáculos que trascienden ese mero entretenimiento e interpelan a la sociedad.

Es poderosísima porque te pone delante de tus narices un montón de verdades y, bueno, desde ahí interpela. No sé si es eficaz porque no sé si logra siempre su cometido, pero ahí está. Depende de las sociedades y de las personas que los vean. Nosotros desde el teatro sí tratamos de hacer eso, de poder interpelar y que la sociedad se haga preguntas al respecto.

«…poner un poco de duda sobre las certezas que hay y empezar a generar preguntas, y cuando conocemos las respuestas, que esas preguntas cambien, que sean nuevas, y que estemos constantemente en ese loop de preguntarnos cosas…»

Repetís colaboradores en ambas producciones, especialmente en áreas como arte, vestuario e iluminación. ¿Qué valor tiene para vos consolidar equipos creativos que te acompañen en distintos proyectos?

Sí, es muy importante para mí formar un buen equipo de trabajo en general, en todas las disciplinas, pero especialmente en esta parte creativa que compone los distintos elementos de la puesta en escena. Hace mucho más fácil el trabajo de uno.

Seleccionar y elegir las personas idóneas me parece que es la tarea más difícil, pero con estos compañeros de ruta de hace muchos años, con quienes hemos trabajado en muchísimas obras, este año coincidimos en tres producciones: El alma de la noche, Mental y también Tú y yo somos tres.

Trabajamos con todo el diseño de arte, escenografía y vestuario de Sabrina López Hovhannessian y el diseño de iluminación de Claudio del Bianco, que además de ser personas fantásticas con las que se puede trabajar muy cómodo, son creativos increíbles que, como te decía antes, nos hacen la tarea mucho más fácil y nos permiten contar la historia de una manera más poética, más linda. Me parece muy importante esta formación de un buen equipo de trabajo.

Además de dirigir, en Mental componés la música original. ¿Cómo dialogan en tu proceso creativo la dirección escénica y la construcción sonora de una obra?

Lamentablemente los músicos tenemos un poquito una cabeza que todo va relacionado al sonido y a las cuestiones musicales, entonces estamos siempre pensando. En este caso dialogan muy bien y muy genuinamente porque es un ejercicio que tengo hecho: pensar la obra también con el apoyo de la música.

Después es otra tarea, otra complejidad, ponerse a trabajar en las composiciones, pero a medida que uno va trabajando las escenas se imagina los distintos aportes musicales, qué música corresponde o qué leitmotiv puede corresponder a cada personaje, con qué colores. Son cuestiones más musicales.

Entonces se dialoga muy fácil. Está constantemente fluyendo un diálogo entre el músico y el director porque mi cabeza va naturalmente hacia ahí. Después la composición es otro tema bastante más complejo y ahí empiezan las trabas, porque hay que ver si uno puede lograr expresar con música eso que tiene en la cabeza y que sea suficiente para lo que está pensando. Pero ese ya es otro tema.

«…Si logramos que el espectador conecte emocionalmente con los personajes, eso va a dejar que se deje guiar por ese camino de la historia que estamos contando. Entonces, al permitirse conectar, hacer ese camino es mucho más llevadero para ambas partes…»

Después de enfrentarse a estas dos experiencias tan diferentes, ¿qué te gustaría que el público se lleve al salir de la sala: preguntas, emociones, incomodidad, reflexión o algo más?

No, no lo tengo tan claro, honestamente. No pienso por ahí en esos términos. Uno quiere contar una historia y que la gente la pase bien. La gente hace su esfuerzo, sale de su casa, viaja, paga una entrada. Eso es muy valorado por nosotros.

Queremos darle una buena experiencia en líneas generales, un espectáculo de calidad por donde se lo mire, desde el momento de ingresar a la sala hasta el momento en que se va. Que sea una buena experiencia.

Después nosotros contamos la historia y cada persona es muy distinta. Si a algunos les genera cuestiones emocionales, a otros incomodidades, o empiezan a hacerse preguntas, todo lo que les suceda es válido. Incluso es válido que alguien diga que no le gustó o que no era para él. No es lo que uno quiere, porque justamente uno quiere agradecer ese esfuerzo que hizo el espectador para venir, pero puede pasar.

Lo que sí trato de no resignar es que sea un espectáculo, para lo que yo entiendo, de calidad. Ese sería el objetivo principal: ofrecer una experiencia de calidad y contar la historia que queremos contar.

Pese a que Mental y El alma de la noche transitan caminos estéticos diferentes, la charla deja entrever una misma búsqueda artística. Para Sebastián Bauzá, el teatro no parece ser un espacio destinado a impartir lecciones ni a ofrecer conclusiones definitivas. Su interés está puesto en abrir puertas, generar interrogantes y construir experiencias capaces de involucrar al espectador desde la emoción, la reflexión o incluso la incomodidad.

En tiempos donde abundan las respuestas inmediatas, sus obras apuestan por algo menos frecuente: la duda. Ya sea desde la oscuridad del humor negro o desde la tensión de un thriller psicológico, Bauzá invita al público a mirar de nuevo aquello que creía conocer. El resto del recorrido, como ocurre siempre en el mejor teatro, queda en manos de quien se sienta frente al escenario.

El alma de la noche se presenta los sábados a las 20:30 horas en el Teatro Ñaca (Julián Álvarez 924, CABA), mientras que Mental puede verse los viernes a las 20:30 horas en el Teatro Área 623 (Pasco 623, CABA). Las entradas para ambas propuestas están disponibles a través de Alternativa Teatral.

El film, protagonizado por Teresita Sánchez, Hugo Ramírez, Enrique Arreola y el debut de Bastian Escobar, retoma una de las obsesiones más persistentes del cine de Eimbcke: los vínculos humanos en estado de fragilidad. Pero esta vez lo hace desde un punto de partida que carga una intensidad particular: la soledad no como paisaje emocional, sino como estructura de vida.

Olga, la protagonista, vive en un enorme conjunto residencial donde el tiempo parece repetirse sin sobresaltos. Su rutina está hecha de hábitos que funcionan como defensa, una forma de sostener un orden íntimo que evita cualquier tipo de fisura. Pero ese equilibrio se quiebra cuando, por necesidad económica, decide alquilar una habitación de su departamento. Lo que parece una decisión práctica abre una grieta mayor: su nuevo inquilino ingresa al espacio con un secreto, la presencia oculta de su hijo de nueve años.

A partir de ahí, Moscas se mueve en un terreno donde lo cotidiano deja de ser neutro. La convivencia forzada transforma el hogar en un espacio inestable, donde la cercanía deja de ser abstracta y se vuelve una experiencia inevitable. Olga no enfrenta un conflicto espectacular, sino algo más silencioso y persistente: la irrupción del otro como forma de desorden emocional.

Pero detrás de esa premisa hay una historia mucho más antigua. En diálogo con la prensa, Eimbcke contó que el origen del proyecto se remonta a hace más de dos décadas, cuando escribió un guion para una serie de televisión a pedido de Alejandro González Iñárritu. El proyecto llegó a una etapa de preproducción, pero nunca se concretó por falta de acuerdos con la televisora, y el material quedó archivado durante años. “Alejandro le gustó el guion, entramos en una preproducción, pero después ya no hubo acuerdos con la televisora y se quedó guardado”, recordó el director. Mucho tiempo después, ya en otro momento de su vida y su carrera, Eimbcke volvió a ese archivo casi por casualidad. “Lo leí y la premisa seguía siendo lo suficientemente fuerte. Le hablé a Alejandro y le dije si la podía usar. Me respondió: ‘Es tuya’”.

Eimbcke vuelve a insistir en otra lógica: la del tiempo lento, la observación paciente y la emoción que no se anuncia. Moscas no propone respuestas cerradas

Ese gesto de reencuentro con el material no solo reactivó el proyecto, sino que también, según el propio director, permitió que la historia encontrara su madurez. Eimbcke reconoce que el paso del tiempo fue determinante para poder abordar ciertos temas que atraviesan la película, especialmente el de la pérdida y la transformación emocional que implica el vínculo con otros.

En ese sentido, Moscas no solo habla de la soledad, sino también de cómo esa soledad se redefine cuando aparece la posibilidad del afecto, incluso cuando esa posibilidad incomoda o desestabiliza. Uno de los elementos centrales del film es su tratamiento visual: el blanco y negro. Lejos de ser una decisión meramente estética, Eimbcke lo concibe como una herramienta emocional. “El blanco y negro capta algo muy esencial en la infancia. Hay algo en la mirada y en la sonrisa de los niños que se vuelve muy especial”, explicó. Esa elección, además, refuerza la sensación de aislamiento del personaje principal, construyendo una especie de coraza visual alrededor de su mundo.

“Fortalecía esa idea de una coraza alrededor del personaje”, señaló el director, aludiendo a cómo la fotografía contribuye a delinear el universo emocional de Olga, donde lo externo parece filtrado, distanciado, casi suspendido. Pero quizás uno de los elementos más reveladores de la película sea el lugar del humor dentro de su estructura. Lejos de entenderlo como un alivio externo, Eimbcke lo incorpora como parte del mecanismo interno del relato. “Vanesa Garnica y yo teníamos un parámetro para saber si una escena funcionaba o no: el humor. Es una muestra de respeto hacia los personajes. Incluso en las situaciones más difíciles, el humor ayuda a atravesarlas”, comentó.

En esa tensión entre lo doloroso y lo leve, Moscas encuentra uno de sus tonos más particulares. No se trata de una película que subraya el drama, sino de una que confía en los matices, en las pequeñas fisuras donde lo humano aparece sin aviso.

El recorrido internacional del film refuerza esa lectura. Tras su paso por la Competencia Oficial de la Berlinale en su 76° edición, su presentación en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara como función inaugural y su presencia en el programa Écrans Juniors del Festival de Cannes, Moscas llega a la cartelera con el respaldo de un circuito que reconoce en ella una sensibilidad particular dentro del cine contemporáneo.

En tiempos donde muchas historias parecen buscar el impacto inmediato, Eimbcke vuelve a insistir en otra lógica: la del tiempo lento, la observación paciente y la emoción que no se anuncia. Moscas no propone respuestas cerradas, sino una pregunta sostenida: qué ocurre cuando lo que más tememos —el vínculo, la cercanía, el otro— finalmente sucede. Y en esa pregunta, que nunca se resuelve del todo, la película encuentra su forma más perdurable.

El libro «Pájaro azul. Cartas desde el exilio» reúne correspondencia inédita escrita por Mercedes Sosa entre 1978 y 1981, durante los años en que la dictadura militar la obligó a vivir lejos de la Argentina. El hallazgo no consiste solamente en la recuperación de un valioso documento histórico. Lo que aparece en estas páginas es una voz distinta a la que el público conoció sobre los escenarios: íntima, vulnerable, afectuosa, irónica y profundamente humana.

La historia comenzó en 2016, cuando Hugo Otero, amigo de la cantante, llegó a la Fundación Mercedes Sosa con una carpeta azul repleta de cartas, sobres, postales y papeles de todo tipo. Entre aquellos documentos conservados durante décadas se encontraba la correspondencia que Mercedes le había enviado durante los años del exilio. Gracias al trabajo de Araceli Matus, nieta de la artista y presidenta de la Fundación Mercedes Sosa, junto a Agustina Pérez Rial y Graciela Goldchluk, ese material sale ahora a la luz convertido en libro.

Lo primero que sorprende es la cercanía. La Mercedes que escribe no es la figura monumental que interpretó «Alfonsina y el mar», «Canción con todos», «Como la cigarra» o «Todo cambia». Tampoco es la artista que fue reconocida mundialmente como la voz de América Latina. Es una mujer que escribe antes de dormir, en habitaciones de hotel, aeropuertos y aviones. Una mujer que extraña, que se preocupa por sus afectos, que comenta lecturas, que habla de música, que hace bromas y que intenta sostener vínculos a través de la distancia.

Las cartas adquieren una dimensión todavía más poderosa cuando se las sitúa en el contexto en que fueron escritas. Mercedes Sosa había sido una de las fundadoras del Movimiento del Nuevo Cancionero y una figura central de la Nueva Canción Latinoamericana. Tras el golpe de Estado de 1976 intentó permanecer en el país pese a las amenazas y prohibiciones. Pero en 1978 la persecución alcanzó uno de sus momentos más violentos cuando fue detenida durante un recital en La Plata junto a parte del público presente. Poco después partiría al exilio, primero en París y luego en Madrid.

No desde un escenario ni a través de una canción, sino en la intimidad de una carta escrita a mano, cuando el exilio convertía cada palabra en una manera de volver a casa.

Ese desarraigo atraviesa silenciosamente las páginas de Pájaro azul. No siempre aparece en forma de denuncia explícita. Muchas veces se manifiesta en detalles mínimos: la necesidad de escribirle a un amigo, la evocación de un recuerdo, la descripción de una ciudad extranjera o la melancolía que se cuela entre líneas. Las cartas permiten observar cómo la historia política impacta en la vida cotidiana, en los afectos y en la construcción de la propia identidad.

El título del libro parece condensar buena parte de ese universo. El pájaro azul evoca el viaje, la libertad y la esperanza, pero también la fragilidad. Como esas cartas escritas en cualquier papel disponible —desde programas intervenidos hasta bolsas para mareos de avión—, la escritura aparece como una forma de refugio frente a la incertidumbre.

A medida que avanza la lectura, emerge una autobiografía involuntaria. Mercedes no escribe pensando en la posteridad ni en un eventual lector futuro. Escribe para comunicarse, para acompañar y para no sentirse sola. Y es precisamente esa ausencia de artificio la que convierte a estas páginas en un documento excepcional.

Es una mujer que escribe antes de dormir, en habitaciones de hotel, aeropuertos y aviones. Una mujer que extraña

Las palabras de Gabriela Cabezón Cámara incluidas en el volumen capturan con precisión esa experiencia. Si la voz pública de Mercedes forma parte de la biografía emocional de millones de personas, estas cartas revelan a la mujer detrás del símbolo: alguien que ama, que se enoja, que duda, que se cansa y que encuentra en la escritura una forma de permanecer cerca de quienes quiere.

El libro también dialoga con otros proyectos que continúan expandiendo este hallazgo. Agustina Pérez Rial se encuentra realizando La otra voz, un documental basado en esta correspondencia cuyo estreno está previsto para 2027, mientras que una muestra construida a partir de las cartas y fotografías de Mercedes se inaugurará en octubre en el Palacio Libertad.

Pero antes de esas nuevas lecturas y reinterpretaciones, Pájaro azul ofrece algo más sencillo y acaso más valioso: la posibilidad de escuchar nuevamente a Mercedes Sosa. No desde un escenario ni a través de una canción, sino en la intimidad de una carta escrita a mano, cuando el exilio convertía cada palabra en una manera de volver a casa.

Actualmente protagoniza junto a Rodolfo Ranni la obra Negociemos -que se encuentra de gira por todo el país- que es una historia que habla de segundas oportunidades, de amores que reaparecen cuando parecía que todo estaba escrito y de la posibilidad de volver a empezar. Un tema que conecta profundamente con su presente, atravesado por la actuación, la docencia y el trabajo con adultos mayores que encuentran en el arte una nueva forma de descubrirse.

En esta charla con RANDOM, Albinoni habla sobre el amor, el paso de los años, la importancia de seguir aprendiendo, la relación con el público del interior y las enseñanzas que le dejó una vida entera dedicada al escenario.

Felicitaciones por esta gira junto a Rodolfo Ranni y por toda tu carrera. ¿Qué fue lo que te enamoró de este personaje y qué te hizo decir que sí al proyecto?

Muchas gracias. Yo ya había trabajado con Rodolfo hace unos cuantos años. Hicimos Los Locos Grimaldi con un éxito absoluto en televisión, en teatro y en gira, casi durante tres años. Así que ya había tenido el placer de trabajar con él, pero como su hija. Y hacía rato que teníamos ganas de volver a trabajar juntos, pero por compromisos de él por un lado y míos por el otro no se daba. En cuanto me dijeron y se me hizo el hueco, imaginate, me encantó. Estamos encantados los dos de trabajar juntos.

Es un placer para mí trabajar con el Tano. Es una obra tan linda, Negociemos, que es una historia de amor, de resiliencia. Y es una historia que pareciera solamente para la gente de la tercera edad. Y no lo es, porque deja una enseñanza incluso para la gente joven. Viene a vernos mucha gente joven, Franco.

Es una historia que vuelve a poner el foco en el amor en un mundo donde vivimos tan desorientes. ¿Creés que ahí está una de las claves de la conexión con el público?

Exacto. La gente se emociona, se ríe, llora, se divierte y se ve plasmada a través de nosotros, hasta con sus propias historias. Ahora es una época en la que la vorágine del mundo, la rapidez y la velocidad hacen que pasen de largo muchas oportunidades.

A veces le digo a los chicos que por ahí el amor pasó al lado y no lo vieron. Por querer hacer otras cosas, por seguir adelante, por lograr objetivos, que no está mal, pero el amor es una parte muy importante. Y te digo más. Nos ha pasado salir de la función y encontrarnos con gente emocionada, con lágrimas en los ojos, diciéndonos: “Acaban de contar mi historia”. Hay personas que estuvieron juntas a los catorce años y que a los sesenta volvieron a encontrarse.

La historia es hermosa. Y también es cierto que es una época un poco fría para relacionarse. Fijate que ya empezaron a aparecer reuniones en bares y distintos lugares para conocerse, para mirarse a los ojos, tocarse las manos, charlar. Las redes sociales son necesarias porque son el futuro, pero para las cosas del corazón son muy frías.

Tu personaje de Amalia atraviesa un proceso de reconstrucción personal. ¿Qué encontraste de vos misma en ese personaje?

Siempre los personajes tienen algún punto de contacto con uno. En el caso de Amalia creo que tiene mucho que ver con la resiliencia. Con reinventarse, abrir la cabeza, conectarse con los sentimientos, con lo espiritual, con la naturaleza. Eso se parece mucho a mí. Tiene esa polenta.

Yo soy un poco más enchufada, no paro un segundo, pero ella está en eso de reconocerse, de disfrutar de la vida, de hacer cosas a pesar de la edad. Un poco lo que demuestra esta obra es que sí se puede. Que no existe la cancelación ni la discriminación y que te podés enamorar a cualquier edad.

…Todavía no siento que hice lo suficiente para devolverle a la gente todo el cariño que me brindó, sigo creciendo. Sigo preguntándome si esto les gustará o no les gustará, y ese sigue siendo el desafío…»

Durante años se instaló la idea de que jubilarse era sentarse a esperar que pasara la vida. Hoy pareciera que esa mirada, menos mal, está cambiando.

Tal cual. Hace más de cuatro o cinco años que doy talleres de teatro para adultos mayores y justamente la idea es esa. Tengo alumnos de 85, 86 años. Va gente desde los cincuenta en adelante. Antes te decían: “Bueno, te jubilaste, sentate al solcito a ver pasar la vida”. ¿Sentarse? ¿Ver pasar la vida? No, ahora voy a hacer todo aquello que no pude hacer antes. Voy a estudiar teatro, voy a bailar, voy a cantar, voy a cumplir sueños. Porque muchas veces uno tuvo que trabajar, mantener una familia, criar hijos, sostener una casa y dejó sus sueños para después. Y dentro de esos sueños también está el amor.

Imagino que en esos talleres también descubrís talentos ocultos.

Es hermoso. Tengo muchos talentos y los voy descubriendo y me voy asombrando. Ni ellos mismos sabían que podían hacerlo. Tengo dos cursos. Uno inicial y otro más avanzado, que ya lleva varios años. Este año me pidieron hacer comedia musical. No sabían dónde se metían porque es muy complicado. Yo salí de la comedia musical y sé lo difícil que es cantar, bailar y actuar al mismo tiempo.

Pero si vieras cómo trabajan. Estoy preparando cinco extractos de comedias musicales y me sorprenden todos los días. Ellos me llenan el alma, Franco. Espero los miércoles con ansiedad. Empiezo a la una de la tarde y termino cerca de las ocho de la noche. Y aunque termino cansada, salgo revitalizada. Son maravillosos. Son mis ángeles. Tengo una alumna, Delia, que empezó viniendo con bastón. Un día le dije: “Decile a tu rodilla que no te duela más”. Bueno, ya no usa bastón, y baila y tiene 86 años.

Más de medio siglo sobre los escenarios

Con 56 años de trayectoria, Luisa Albinoni forma parte de una generación de artistas que atravesó prácticamente todas las transformaciones del espectáculo argentino. Teatro, televisión, comedia, musicales, giras nacionales y una intensa actividad docente forman parte de una carrera construida a partir de la constancia y el contacto directo con el público.

A lo largo de los años compartió proyectos con figuras fundamentales de la escena nacional como Alberto Olmedo, Jorge Porcel, Gerardo Sofovich, Pepe Soriano y muchos otros referentes del espectáculo argentino. Actualmente combina las funciones de Negociemos, sus talleres teatrales para adultos mayores y distintos proyectos audiovisuales.

«…La parte más linda es cuando termina la función: las fotos, los abrazos, los besos. La gente que te cuenta que te veía con sus padres o con sus abuelos. Ese es el verdadero premio. Y además nos reciben como si fuéramos parte de la familia…»

Hay una frase muy linda que dijiste recién: el cuerpo envejece, pero hay cosas que no.

Claro. Si bien envejecemos hagamos lo que hagamos y nos cuidemos con todo tipo de tratamientos de belleza, ¿sabés qué no envejece? Las ilusiones, el espíritu, el corazón, las ganas. Eso es inmutable. Y con eso hay que seguir adelante.

Ahora la expectativa de vida es más amplia. Hay que tratar de llegar a muchos años, pero llegar bien y haciendo cosas.

¿El amor se vive distinto con el paso de los años?

Sí y no, porque el amor es uno solo. Lo que pasa es que cuando uno es más grande tiene un poquito más de miedo de asomarse a esa ventana. Ya aprendió y ya sufrió, también ya se equivocó y tuvo desilusiones. Entonces va con más cautela. Pero también recupera otras cosas. El romanticismo, el noviazgo, el disfrute de los pequeños momentos. No va tan rápido como cuando era joven, pero el amor sigue siendo el mismo.

¿Cómo vivís las giras por el interior del país?

Eso es lo que nos encanta a todos los actores. Recorrer provincias, ciudades, pueblos y recibir ese cariño. Incluso hemos estado en lugares donde prácticamente no llega eñ teatro. Y el amor que recibís ahí es impresionante. La parte más linda es cuando termina la función: las fotos, los abrazos, los besos. La gente que te cuenta que te veía con sus padres o con sus abuelos. Ese es el verdadero premio. Y además nos reciben como si fuéramos parte de la familia. Nos traen empanadas, salames, comida, nos invitan a sus casas. Es maravilloso.

Después de una carrera tan extensa, ¿qué te sigue desafiando como actriz?

Uno a veces puede elegir y otras veces no, pero esta obra me encantó porque tiene un mensaje muy importante. El mensaje de que sí se puede. De que no hay que dejar pasar las oportunidades. Y después hay algo que siempre digo: yo siento que todavía estoy aprendiendo. Todavía no me siento una gran actriz.

Todavía no siento que hice lo suficiente para devolverle a la gente todo el cariño que me brindó, sigo creciendo. Sigo preguntándome si esto les gustará o no les gustará, y ese sigue siendo el desafío.

La obra se llama Negociemos. Si tuvieras que negociar algo con la vida, ¿qué no negociarías jamás?

Si mañana apareciera alguien que me hiciera sentir maripositas en la panza, creo que lo que no negociaría sería convivir. Tuve ocho parejas maravillosas a lo largo de mi vida y todas me dejaron enseñanzas, pero hoy soy muy independiente. Me gusta mi libertad y me gusta seguir haciendo mis cosas. Y además uno se pone un poco exquisito con los años. No te gusta que te cambien algo de lugar. Te volvés un poquito caprichoso. Y creo que la convivencia a veces rompe parte de ese romanticismo. Eso no lo negociaría.

Acá voy a parafrasear a Luis Novaresio: ¿Quién es hoy Luisa Albinoni?

Soy una persona común de la calle. Con ganas de seguir adelante. Con ganas de crecer y con ganas de aprender. Alguien con ganas de disfrutar. Se trata de disfrutar a mi hija, a mi familia y a la vida. Lo único que pido es salud para poder seguir hasta el último día de mi vida arriba de un escenario.

Después de más de cinco décadas de carrera, Luisa Albinoni sigue hablando de su profesión con la misma pasión de quien todavía siente que tiene cosas por descubrir. Entre funciones, giras, clases y nuevos proyectos, mantiene intacta una convicción que atraviesa toda la entrevista: la vida no se detiene cuando pasan los años, sino cuando se abandonan los deseos.

Por eso Negociemos parece encontrar en ella una intérprete ideal, la obra habla de segundas oportunidades, de volver a abrir el corazón y de animarse a vivir aquello que alguna vez quedó pendiente. Y si algo demuestra Luisa, dentro y fuera del escenario, es que las ilusiones, el espíritu y las ganas no caducan jamás.

«‘She’ fue una de las primeras canciones que aprendí a cantar en mi vida; una pieza que no solo moldeó mi voz, sino que despertó en mí esa pasión por contar historias a través de la música», explicó el artista al anunciar el lanzamiento. La grabación llega en un momento particularmente especial para el cantante argentino. Con más de dos décadas y media de carrera, Rauch atraviesa una etapa de consolidación artística que combina reconocimiento popular, prestigio internacional y nuevos desafíos creativos.

La historia de Gerónimo Rauch es una de las más singulares de la música y el teatro argentino. Su carrera comenzó a principios de los años 2000 como integrante de Mambrú, uno de los grupos surgidos de la televisión que marcó a toda una generación. Sin embargo, tras la disolución de la banda decidió emprender un camino completamente distinto, orientado hacia el teatro musical.

Su apuesta terminó llevándolo a escenarios impensados. Con el tiempo se convirtió en el primer latinoamericano en interpretar a Jean Valjean en Los Miserables y también en protagonizar El Fantasma de la Ópera en el prestigioso West End de Londres. Más aún, es el único artista que ha encarnado ambos personajes tanto en inglés como en español.

Ese recorrido internacional le permitió construir una carrera que hoy conecta Argentina, España y el Reino Unido, consolidándose como una de las figuras más importantes del teatro musical de habla hispana.

Mientras «She» comienza su recorrido en las plataformas, Rauch ya tiene la mirada puesta en otro desafío monumental. El artista fue confirmado como parte del elenco principal del Grand Finale de la gira mundial Les Misérables: The Arena Spectacular, la producción que celebra los 40 años del legendario musical.

El argentino volverá a ponerse en la piel de Jean Valjean en algunas de las funciones más importantes del tour, incluyendo presentaciones en escenarios emblemáticos como el Royal Albert Hall de Londres, el Radio City Music Hall de Nueva York, el 3Arena de Dublín y el Utilita Arena de Birmingham.

Se trata de un regreso especialmente significativo para un intérprete cuya carrera quedó íntimamente ligada a ese personaje y a una obra que lo proyectó definitivamente al circuito internacional. Lejos de limitarse al teatro musical, Rauch también ha desarrollado una sólida carrera discográfica. Su álbum Porque yo te amo obtuvo el Premio Gardel al Mejor Álbum Melódico, mientras que recientemente presentó Chapter One, un proyecto grabado en Sevilla junto al reconocido compositor estadounidense Frank Wildhorn, autor de obras como Jekyll & Hyde y creador de canciones popularizadas por artistas como Whitney Houston.

El disco representa, según sus propias palabras, «el comienzo de la segunda mitad de mi vida» y reúne canciones especialmente seleccionadas entre más de 300 composiciones que Wildhorn puso a su disposición para el proyecto.

Como parte de esta etapa de celebración, Rauch prepara además una serie de conciertos especiales bajo el nombre «26 años en escena», un recorrido musical por los momentos más importantes de su carrera. Las primeras fechas confirmadas serán el 28 de septiembre en el Teatro Calderón de Madrid y el 10 de diciembre en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, con futuras presentaciones previstas también en Londres y Barcelona.

Entre el éxito viral de «She», el regreso a los grandes escenarios internacionales y la revisión de una trayectoria que ya supera el cuarto de siglo, Gerónimo Rauch parece vivir uno de esos momentos poco frecuentes en la carrera de un artista: el punto exacto donde la experiencia acumulada se encuentra con una renovada conexión con el público.

Y si algo demostró la inesperada historia de «She» es que, incluso después de 26 años sobre los escenarios, todavía hay canciones capaces de abrir nuevos capítulos.

Como dije, mejor si lo hacés acompañado por esa persona que te moviliza. Esa a la que le ponés fueguitos en las publicaciones o, si no usa redes, aquella a la que te gustaría susurrarle algunas cosas al oído. No necesariamente alguien que te provoque mariposas en el estómago, aunque tampoco estaría mal. Basta con que sea alguien con quien fluya una buena charla y, quizás, algo más.

Este rosé que probé tiene dos caminos. Si querés evitar toda esa preparación previa, entonces al menos ponete el mejor delantal y meté las manos en esa receta que te sale bien. Lo ideal, claro, sería combinar ambas cosas: mantener el buen nivel de look y además cocinar algo que acompañe la velada.

Durante años se sostuvo que el rosado argentino era un vino reservado para la temporada estival, una especie de aperitivo. Si bien juega muy bien en ese campeonato, limitarlo solamente al verano constituye un error. Este vino es para todo el año. Pero atenti, pebete: hay que dedicarle tiempo. Desde un dorado a la parrilla con verduras asadas hasta tortillas, muslos al verdeo, tapeos varios o algún plato de inspiración oriental.

Todos sabemos que se trata de un vino joven, como Colapinto, pero no va tan rápido ni tan apurado. Entonces, “take it easy”, amigo o amiga mía. Dejalo desplegarse. Dejalo ocupar su lugar. Que sea la frutilla del postre de una noche bien armada.

El vino se llama Tinkunaco y quizás por eso me llevó a pensar menos en la copa y más en la persona que tendría enfrente, porque Tinkunaco significa «encuentro». Estoy hablando del rosé que produce la bodega La Macarena, en un entorno de postal de la bella Chilecito riojana. Su perfume —a lo George Clooney o a lo Margot Robbie, para que te des una idea— deja una estela seductora desde el descorche. Como esas personas que anuncian su llegada varios metros antes de aparecer. Con cierta elegancia. Con cierta fineza. Por eso hay que estar preparado, en las cosas de las pasiones importa tanto quien seduce como quien se deja seducir.

Lo que más me atrapó de este vino es que es 100% Syrah porque claramente es una de mis cepas preferidas. Proviene del Valle de Anguinan, ubicado a 900 msnm y al contar con noches frescas y días muy cálidos, logran que el Syrah madure rápidamente con una expresión varietal marcada. “La conducción en espaldero alto y posibilidad de cultivar 4500 plantas por hectárea, en combinación con suelos sueltos y fértiles, hacen que tenga un gran equilibrio entre sanidad y expresión vegetativa”, dicen desde la bodega. En cuanto a la elaboración, explican que “se despalilla la uva, con máxima suavidad y se realiza un prensado muy delicado. La fermentación se realiza sobre mosto limpio, en frío, durante 10 días. Una vez terminada el vino se separa de las lías y se conserva en frío para que la expresión floral sea absoluta”.

El vino se llama Tinkunaco y quizás por eso me llevó a pensar menos en la copa y más en la persona que tendría enfrente, porque Tinkunaco significa «encuentro».

A eso iba con la previa. No podés caer despatarrado a degustar este rosé. Todos sabemos que se trata de un vino joven, como Colapinto, pero no va tan rápido ni tan apurado. Entonces, “take it easy”, amigo o amiga mía. Dejalo desplegarse. Dejalo ocupar su lugar. Que sea la frutilla del postre de una noche bien armada.

Cuando terminé la botella descubrí algo que terminó de cerrar el círculo. Vamos a la historia: el Tinkunaco es la celebración popular y religiosa más importante de la provincia de La Rioja. Se realiza desde hace más de cuatro siglos entre fines de diciembre y comienzos de enero. En ella confluyen raíces andinas e hispánicas que se fueron resignificando con el paso del tiempo. La ceremonia recuerda un histórico pacto de paz entre los conquistadores españoles y los pueblos diaguitas que habitaban la región.

Como esas personas que anuncian su llegada varios metros antes de aparecer. Con cierta elegancia. Con cierta fineza. Por eso hay que estar preparado, en las cosas de las pasiones importa tanto quien seduce como quien se deja seducir.

La palabra Tinkunaco, proveniente del quichua, significa precisamente eso: encuentro. Quizás por eso el nombre le calza tan bien a este rosé. Parece pensado para reunir personas alrededor de una mesa. Claro que puede compartirse con amigos, con familia o incluso en soledad. No todo encuentro supone una historia de amor, pero algo tiene ese nombre que invita a acercar distancias, a juntar piezas del rompecabezas y del rompecorazones, a decir aquello que viene demorándose demasiado.

Todo a la luz de una coqueta botella que será testigo de un “encuentro” que con paciencia y cierto desparpajo, bien valdrá la pena.

Vino recomendado: Tinkunaco Rosé de Bodega La Macarena

Costo aprox al cierre de la nota: $10300 (Caballo Dorado)

Con quién degustarlo: Con quién puedas pasar una noche única

El film acaba de concluir su rodaje tras doce semanas de filmación en distintas localidades de la provincia de Buenos Aires y ya se perfila como uno de los estrenos argentinos más importantes de 2027. Basada en hechos reales, la película reconstruye uno de los episodios más significativos y dolorosos de la historia argentina reciente: el surgimiento de las Madres de Plaza de Mayo y la infiltración realizada por Alfredo Astiz en el grupo de familiares que buscaba a sus seres queridos desaparecidos durante la última dictadura militar.

La historia transcurre en 1977 y sigue dos recorridos paralelos que avanzan hacia un inevitable punto de colisión. Por un lado, Alfredo Astiz, conocido como el «Rubio», recibe la misión de infiltrarse en la iglesia de la Santa Cruz para obtener información sobre quienes comenzaban a organizarse contra el terrorismo de Estado. Por otro, Azucena Villaflor transforma la búsqueda desesperada de su hijo en una acción colectiva que dará origen a una de las organizaciones de derechos humanos más influyentes del mundo.

A medida que Astiz gana la confianza de los integrantes del grupo, entre ellos la religiosa francesa Alice Domon, la película expone simultáneamente el nacimiento de una resistencia civil inédita y la maquinaria represiva diseñada para desarticularla. El resultado promete combinar elementos de thriller político, espionaje y drama histórico en una narración atravesada por tensiones humanas, decisiones morales y acontecimientos que marcaron para siempre la vida democrática argentina.

Con su combinación de reconstrucción histórica, espionaje político y drama humano, Villaflor se perfila como una de las producciones argentinas más ambiciosas de los próximos años

Con Villaflor, Santiago Mitre vuelve a abordar uno de los períodos más complejos de la historia argentina después del enorme reconocimiento internacional obtenido con Argentina, 1985. Aquella película, centrada en el Juicio a las Juntas, se convirtió en un fenómeno global, ganó el Globo de Oro a Mejor Película Internacional, obtuvo el Premio Goya y fue nominada al Oscar.

Si en aquella ocasión el foco estaba puesto en la reconstrucción democrática y el proceso judicial contra los responsables del terrorismo de Estado, Villaflor retrocede algunos años para situarse en uno de los momentos más oscuros de la dictadura, cuando familiares de desaparecidos comenzaron a organizarse públicamente pese al miedo, la persecución y la represión.

La nueva producción encuentra a Mitre nuevamente trabajando junto al escritor y guionista Mariano Llinás, con quien comparte la escritura del proyecto. La elección de Verónica Llinás para interpretar a Azucena Villaflor representa uno de los aspectos más destacados de la producción. Reconocida por una extensa trayectoria en cine, televisión y teatro, la actriz asume el desafío de dar vida a una figura clave de la historia argentina cuya valentía se convirtió en símbolo de lucha y resistencia. Frente a ella estará Peter Lanzani, quien interpretará a Alfredo Astiz, uno de los represores más conocidos de la última dictadura. El actor vuelve a trabajar bajo la dirección de Mitre luego de haber integrado el elenco de Argentina, 1985.

La actriz francesa Camille Cottin encarna a Alice Domon, una de las religiosas secuestradas por el grupo de tareas que operó tras la infiltración de Astiz. El elenco se completa con Soledad Villamil, Valeria Lois, Susana Pampin, Vivian El Jaber, Alicia Guerra, Muriel Santa Ana, Paula Ransenberg, Juliana Muras, Mariela Acosta y Azul Lombardía, entre otras intérpretes que darán vida a las mujeres que acompañaron a Villaflor en los primeros pasos de las Madres de Plaza de Mayo.

Basada en hechos reales, la película reconstruye uno de los episodios más significativos y dolorosos de la historia argentina reciente: el surgimiento de las Madres de Plaza de Mayo y la infiltración realizada por Alfredo Astiz en el grupo de familiares

Azucena Villaflor fue una de las fundadoras de Madres de Plaza de Mayo y una de las primeras mujeres en impulsar una estrategia colectiva para exigir información sobre los desaparecidos durante la dictadura. Su decisión de reunirse con otras madres y familiares transformó el dolor individual en una demanda pública que logró trascender fronteras y convertirse en un símbolo internacional de defensa de los derechos humanos.

La película busca recuperar esa historia desde una perspectiva íntima y humana, mostrando cómo una mujer común terminó convirtiéndose en una figura extraordinaria en uno de los contextos más difíciles que atravesó el país.

Villaflor es una producción de La Unión de los Ríos, la compañía fundada por Santiago Mitre, junto a la productora francesa Maneki Films. El rodaje se desarrolló en Buenos Aires, Avellaneda, Berazategui, Lanús, Tres de Febrero, Vicente López, San Isidro, Lomas de Zamora y el Partido de la Costa. La dirección de fotografía está a cargo de Javier Juliá, mientras que el diseño de arte corresponde a Micaela Saiegh. La producción es liderada por Agustina Llambi Campbell, Santiago Mitre y Didar Domehri.

Con su combinación de reconstrucción histórica, espionaje político y drama humano, Villaflor se perfila como una de las producciones argentinas más ambiciosas de los próximos años y una nueva oportunidad para que el cine nacional vuelva a dialogar con el mundo a través de historias profundamente ligadas a su identidad y memoria colectiva.

Actriz, bailarina, coreógrafa y directora, Feldman lleva años desarrollando una búsqueda escénica propia donde el cuerpo ocupa el centro de la narración. En Amanuenses –los miércoles a las 20.30hs en el Galpón de Guevara- esa exploración alcanza una de sus expresiones más logradas: durante una hora no se pronuncia una sola palabra y, sin embargo, todo parece decirse. En esta charla con RANDOM, analiza el origen de la obra, el teatro físico, la importancia del error en los procesos creativos y el valor de la presencia humana en tiempos atravesados por la inteligencia artificial.

Amanuenses toma una figura medieval, pero termina hablando de algo muy contemporáneo. ¿Cómo fue el estreno de esta nueva temporada y en qué momento descubriste que los amanuenses podían convertirse en una metáfora del trabajo actual?

En este proceso el título de la obra vino después de haber perfilado el material que íbamos a desarrollar. Empezamos trabajando sobre los gestos cotidianos. Después particularizamos y nos centramos sobre el gesto en el mundo del trabajo, es decir un trabajo pensado más como se lo entendía antes: con cuerpo y objetos en mayor cercanía. Eso nos llevó de manera directa a privilegiar las manos por sobre el resto del cuerpo. A su vez, acotamos el mundo del trabajo a uno solo de sus tópicos, uno de los más emblemáticos: la oficina. Cuando esas coordenadas estaban establecidas, comencé a indagar sobre literatura que sirviera de referencia para nuestro trabajo, y ahí apareció “Bartlelby”, la novela de Herman Melville, cuyo personaje epónimo es, precisamente, un amanuense.

En cuanto al  reestreno, se trata de volver con una obra que hacés con amigos y que disfrutás tanto hacer, que tuvo tan buena recepción del público en su primera temporada, es muy motivante. Hacer obras es un gran trabajo en equipo y un esfuerzo enorme de todos y cada uno de sus integrantes, pero la felicidad que nos da ofrecer eso a los espectadores cada semana y que siga apareciendo público nuevo para lo que hacemos, es algo que me cuesta encontrar en otra actividad. Por eso, poder estar haciendo funciones es una alegría. Esta vez tuvimos la suerte de que al estreno en el Galpón de Guevara se sumó, a los pocos días, una función en Vicente López que fue muy especial.

La obra transforma acciones cotidianas como sellar, firmar o acomodar papeles en una coreografía. ¿Cómo fue el proceso de convertir esos gestos burocráticos en lenguaje escénico?

Nos tomamos un año para poder profundizar en el material de la obra. Y lo bueno fue que cada vez nos entusiasmaba más, y más lejos queríamos llegar en esa búsqueda. Probamos y erramos infinidad de veces. La idea inicial era sencilla: probar gestos y acciones fácilmente reconocibles, en una clave más “realista”, y, a través de diferentes procedimientos -sencillos también- ir encontrando el componente que permitiera transformar esas acciones en coreografía. También, propiciar el surgimiento de la excepción, la extrañeza que revela los componentes más grotescos de esas acciones. Esos movimientos y gestos, liberados de su lógica práctica, se volvieron material pasible de ser organizado por una nueva lógica: la de la coreografía. Lo mismo a nivel sonoro, pensábamos en cómo organizar ruidos de una oficina para pasar del mero ruido al sonido organizado. O, mejor dicho, pasar a pensar el ruido concebido y organizado como materia musical. Es casi redundante decir que la colaboración con el músico de la obra fue fundamental.

No hay una sola palabra durante toda la función y, sin embargo, la historia se entiende maravillosamente. ¿Qué posibilidades narrativas encontrás en el cuerpo que no aparecen en el lenguaje hablado?

No es que piense que el cuerpo narra más que las palabras. Sí creo que los cuerpos tienen un componente narrativo muy fuerte. Todos escuchamos mil veces aquello de que “decís una cosa y con el cuerpo expresás otra”. Es una frase muy común y también muy cierta. Y lo pienso como algo bueno, que demuestra la complejidad de las personas y de sus actos comunicativos. Estamos llenos de contradicciones y el cuerpo es un gran territorio para explorarlas. Cuando actuamos y decimos un texto lo hacemos desde nuestro cuerpo. Siempre el cuerpo está presente y tiene voz.

En el caso de amanuenses tuvimos como referencias a grandes maestros del cine mudo y del primer sonoro y por eso se decidió que la obra careciera por completo de texto.

«…Creo que el teatro es una gran arma contra todo el avance de la IA. El teatro es puro presente. Es un ritual, un acto de fe y de comunidad. Mientras exista el teatro supongo que estaremos a salvo, o eso espero…»

En Amanuenses los personajes parecen funcionar como una máquina perfecta hasta que algo empieza a fallar. ¿Qué te interesa explorar sobre el error, el automatismo y la creatividad humana?

La imagen de la máquina humana que empieza a fallar es muy atinada ya que una de nuestras referencias a la hora de pensar el lenguaje de la obra fue “Tiempos modernos”, de Chaplin.

El error, los accidentes son posibilitadores de nuevas cosas, de nuevos recorridos, de diferentes conexiones, de nuevos pensamientos. Me parece que muchas cosas que surgen en una obra provienen del devenir de algún supuesto error, de alguna idea que chocó de frente con la prueba concreta a la que la sometimos en el proceso de ensayos y que reveló algo más rico que nuestras ideas iniciales.

La obra es muy divertida, pero también deja preguntas sobre la productividad, la rutina y la deshumanización en una época donde otra vez aparece la reforma laboral. ¿Qué reflexiones te gustaría que acompañen al espectador cuando sale de la sala?

Lo lindo de lo que hacemos es que las reflexiones de los espectadores se nos escapan. Las obras se completan con esa mirada y esa reflexión.

Lo interesante es poder crear un mundo y un lenguaje que salpique sentido para todos lados. Y, si bien una trabaja para que algunos de esos sentidos traccionen más que otros, es algo que no se puede controlar y creo que esto es algo bueno.

El público de la obra es muy variado, sobre todo en edades, y tenemos la sensación de que eso también promueve una gran diversidad de lecturas de la obra.

Gran parte de tu trabajo se mueve entre la danza, el teatro físico y el humor. ¿Cómo fuiste construyendo esa identidad artística tan particular dentro de la escena independiente?

Creo que cada proceso de creación es único. Porque no solo son las imágenes, las ideas o hipótesis con las que se arranca a trabajar las que construyen la identidad de cada proyecto, sino más bien la totalidad de sus componentes. Las artes escénicas son un ámbito tan de comunidad que cada persona y cada área que interviene en la creación y producción va dando forma a lo una hace. Hay un poco de voluntad sesuda y mucho feliz accidente en mi recorrido.

En tiempos de inteligencia artificial, automatización y trabajo cada vez más digital, Amanuenses parece reivindicar la materialidad y la presencia de los cuerpos. ¿Sentís que estamos perdiendo algo en ese proceso?

Creo que el teatro es una gran arma contra todo el avance de la IA. El teatro es puro presente. Es un ritual, un acto de fe y de comunidad. Mientras exista el teatro supongo que estaremos a salvo, o eso espero.

Más allá de esta segunda temporada, ¿qué proyectos, búsquedas o desafíos artísticos te entusiasman para el corto plazo?

En las artes escénicas independientes, estamos muy acostumbradas a trabajar en más de un proyecto y a realizar infinidad de roles. Por suerte, a la par de dirigir Amanuenses, actúo en otras obras, hago coreografías para otras más, filmo con mi familia y actúo en películas, colaboro con amigas y amigos. Espero que los proyectos en los que estoy sigan creciendo y que aparezcan otros nuevos.

A lo largo de la charla, Feldman vuelve una y otra vez sobre una misma idea: la creación como espacio de encuentro, de comunidad y de descubrimiento. En tiempos donde buena parte de la experiencia humana parece desplazarse hacia lo digital, Amanuenses reivindica el valor de los cuerpos, de los objetos y de la presencia compartida. Quizás por eso la obra genera tanta identificación: porque detrás de sus personajes atrapados en una rutina mecánica nace una pregunta profundamente contemporánea sobre aquello que todavía nos hace humanos.

Hoy, a sus casi sesenta años, se convirtió en una de las voces más activas en la divulgación de la sinestesia en Argentina. Su trabajo de concientización fue uno de los motores que impulsaron la creación del Día de la Sinestesia en la Ciudad de Buenos Aires, una iniciativa que busca visibilizar una condición neurológica que aún permanece subdiagnosticada.

Detrás de las definiciones científicas y los reconocimientos institucionales hay una historia profundamente humana. La de un hombre que pasó décadas intentando comprender aquello que le ocurría y que todavía hoy se sigue sorprendiendo frente a una realidad que percibe de una manera distinta.

Durante muchos años no sabías que lo que percibías tenía un nombre. Mirando hacia atrás, ¿hay alguna escena de tu infancia que hoy entiendas de una manera completamente distinta?

Sí. Cuando era chico me daba cuenta de que los colores siempre estaban presentes, pero pensaba que todo el mundo veía lo mismo. Hay muchos ejemplos, pero hay uno que siempre recuerdo. Cuando circulaban las bicicletas yo veía colores y pensaba que tal vez era una cuestión de la fricción o del contraste con el sol. Pero hubo una escena muy fuerte para mí. Un amigo mío, Luciano, se cayó cuando estaban arreglando el asfalto. En ese momento tuve uno de esos brotes de colores, sabores y texturas que me acompañaron toda la vida.

Recuerdo que me acercaba y después me quedaba reflexionando. Me preguntaba si realmente estaba viendo lo que veía. Con el tiempo, cuando ya tuve el diagnóstico y entendí que era sinestesia, comprendí que aquello era lo que hoy se conoce como espejo sensorial no táctil.

También me pasaba cuando tocaba un instrumento o cuando cantaba. Cantaba en el baño, con el vapor, observando esos colores muy suaves que aparecían casi imperceptibles. Al final, todos esos pequeños sucesos fueron los que terminaron mostrándome que aquello que veía no era un delirio ni una ilusión. Era sinestesia.

El descubrimiento de una percepción diferente

La mayoría de las personas damos por sentado que todos perciben la realidad de forma parecida. ¿Hubo algún momento puntual en el que descubriste que tu experiencia del mundo era diferente a la de los demás?

Sí, desde muy chico. En aquel momento no se hablaba de empatía como se habla ahora, pero había algo que me atraía hacia ciertas personas, ciertos objetos o determinados momentos. Era como un imán. Recuerdo observar a los vecinos, mirar detenidamente los ojos de las personas y notar cosas que parecían pasar inadvertidas para los demás. Veía el brillo cuando alguien se emocionaba.

Uno de los momentos más marcantes fue cuando mi papá comenzó a sentirse mal. Fumaba mucho y tenía una tos persistente. Yo veía cómo exhalaba y percibía una especie de vapor que para mí tenía una presencia muy concreta. Después vino la neumonía y todo aquello se volvió más intenso. Siempre fueron los momentos de fragilidad los que me permitieron percibir cosas que me impactaban profundamente. Cada vez volvía a hacerme las mismas preguntas y cada vez aparecía el mismo asombro.

“…Cuando un amigo se cayó, entendí años después que eso era sinestesia…”

Has contado que los estímulos pueden desbordarte. En una sociedad cada vez más ruidosa y acelerada, ¿qué cosas te ayudan a encontrar equilibrio y refugio?

La música, el arte y una buena lectura. También los paisajes. Me gusta encontrar serenidad en lugares donde hay luz, rocío, aromas suaves. El olor del jazmín, por ejemplo, me lleva directamente a la felicidad.

Una caminata bajo los árboles, los colores de las hojas, la lluvia golpeando una ventana. Todo eso me calma. Hay algo que siempre digo: me hago muy amigo de la soledad. En esos momentos me reencuentro conmigo mismo. Respiro distinto. Me aíslo un poco del ruido.

Un abrazo, la consolación, la lectura y la respiración. Y después hay un camino más profundo, que lo hablo muy poco, que tiene que ver con la Fe, a veces es como entregarme y decir: «Héctor es lo que hay, lo que vivo». Escribo, dibujo mucho, esa soledad conmigo me da paz, un día lluvioso con aromas de torta, llevándome a recuerdos de mamá, de mis hermanos cuando eran jóvenes. Todo eso lo plasmo en una visión, como siempre digo, tener un visor, un monitor, un televisor activo. Eso es lo que me calma, y mi nena Fiorella también, cuando era chiquitita, las fotos, esos recuerdos me mantienen feliz, que la felicidad es un instante ¿no?

“La sinestesia es como caminar hacia la belleza y descubrir el abismo detrás”

Si pudieras compartirle a otra persona, aunque fuera durante un minuto, tu forma de percibir la realidad, ¿qué experiencia elegirías mostrarle?

Le propondría caminar conmigo por una playa inmensa o por la orilla de un río. Al principio todo sería maravilloso. El sol, el viento, el sonido del agua, la arena bajo los pies. La sensación de bienestar sería total. Pero después llegaría el momento de regresar. Te darías vuelta y descubrirías que detrás tuyo hay una profundidad enorme. Lo que antes parecía un pequeño charco ahora tiene un metro de agua. Entonces aparece la desesperación.

Ahí empiezan mis desequilibrios, mis miedos, mi sensación de estar atrapado. Es una experiencia muy difícil de explicar. Para mí la sinestesia es exactamente eso. Es hermosa. Es profundamente fascinante. Pero también puede ser frustrante y todavía hoy sigue sorprendiéndome y asustándome muchísimo.

La sinestesia suele asociarse a dones o capacidades extraordinarias, pero pocas veces se habla de las dificultades. ¿Cuál es el aspecto menos visible o más difícil de convivir con esta condición?

La reacción de la sociedad. Vivimos en un contexto donde todavía existe la discriminación y donde muchas veces lo diferente es etiquetado rápidamente. Los sinestésicos tenemos dos cosas muy presentes: la duda y la sospecha. Siempre dudamos y siempre sospechamos de aquello que percibimos. Nos preguntamos constantemente si lo que vemos es real o si estamos interpretándolo mal.

La ciencia ya demostró que estas experiencias existen y tienen una base neurológica. Sin embargo, la sorpresa de los demás sigue estando presente. Y lo curioso es que todavía me sorprendo yo también. Después de casi sesenta años sigo intentando comprender algunas cosas de lo que vivo.

«…Hay algo que siempre me preocupa: no me gusta que me traten como un monstruo. No lo soy. Soy más humano de lo que muchas personas imaginan…»

Una capacidad para comprender al otro

Tu historia está atravesada por la búsqueda de respuestas y por la necesidad de explicar algo que durante mucho tiempo fue incomprendido. ¿Qué aprendiste sobre vos mismo en ese proceso?

Aprendí que se puede comprender al otro desde una perspectiva mucho más profunda. Para mí la sinestesia no es un trastorno. Es una capacidad. Una habilidad distinta para conectar con las personas y con el entorno. Lo difícil es que somos muy pocos. Y cuando uno intenta trasladar ciertas reflexiones al mundo en el que vivimos, se encuentra con muchas barreras.

Yo veo un planeta profundamente desigual. Veo recursos que desaparecen, personas que se alejan unas de otras y una humanidad que muchas veces parece haber perdido el rumbo. Por eso insisto tanto en la necesidad de un cambio de paradigma. No desde una religión ni desde una ideología, sino desde una manera más humana de vincularnos.

La ley que reconoce el Día de la Sinestesia me dio esperanza. Tal vez ahora algunas cosas puedan empezar a cambiar.

Una comunicación más allá de las palabras

Decís que el futuro podría traer formas de comunicación más sensoriales que verbales. ¿Cómo imaginás ese mundo?

Creo que la comunicación humana todavía tiene mucho por evolucionar. La tecnología avanzó, la ciencia avanzó, pero seguimos utilizando formas muy limitadas para comprendernos. Si existen personas capaces de percibir información de maneras distintas, tal vez haya caminos que todavía no exploramos.

No hablo de algo paranormal. Hablo de nuevas formas de interpretación de los sentidos. Hay culturas que se comunican mediante sonidos, vibraciones o señales que para otros resultarían extrañas. Quizás el futuro tenga que ver con ampliar nuestras herramientas para conectar con el otro. Al final, si no es la vista será el oído. Si no es el oído será el tacto. Y si no es ninguno de ellos, será algo más profundo que todavía estamos aprendiendo a comprender.

Más allá de la sinestesia, cuando termina el día y se apagan las explicaciones, las entrevistas y la divulgación, ¿quién es Héctor Maduri?

Es una de las preguntas más difíciles. Hay algo que siempre me preocupa: no me gusta que me traten como un monstruo. No lo soy. Soy más humano de lo que muchas personas imaginan. Lo que pasa es que resulta muy difícil explicar cómo funciona mi mente. Percibo la música, el arte, los colores, las emociones y también las contradicciones de las personas.

¿Sabés qué es lo que más me afecta? La mentira. Una vez me preguntaron qué color tenía la mentira. Para mí es una mezcla extraña. Un color que nace cuando algo noble se distorsiona. Y quizás ahí esté parte de la respuesta. La verdad es que no sé exactamente qué soy. A veces me siento más humano que cualquiera. Y otras veces me siento muy lejano, como un observador que contempla el mundo desde cierta distancia.

No tenemos la verdad de nada. No somos superiores a nadie. Sólo tenemos una forma distinta de encontrarnos con los demás y con la realidad. Somos raros. Tal vez esa sea la mejor definición. No sé si más felices o más infelices. Pero definitivamente somos raros.

Sí, había bodegas clásicas que eran una garantía y costaban otros billetes, y todos la podíamos recitar de memoria como los 11 de la selección. En cualquier charla o recomendación nadie salía a decirte probaste ese sauvignon blanc? Viste lo que es ese Syrah? Hay un tempranillo que…

Por eso cuando la vitivinicultura argenta evolucionó y creció en bodegas y enólogos y mejoraron el malbec hasta la estratósfera, nos enamoramos a primera vista. No sólo porque era bueno, era rico (para no darle vuelta con las metáforas) y encima, era nuestro. O prácticamente nuestro porque nadie lo lograba mejor que nosotros en ninguna parte del globo. Y pasionales como somos lo defendemos a capa y espada y le juramos amor eterno. Casi como al cuadro del que sos hincha. Hasta que la parca se lleve la copa.

Entonces si alguien ya hace años que te dice “prestale atención al cabernet franc”,
“fíjate lo que es eso”, “sacate un poco la camiseta del malbec y probalo”, dale. Y pese a que uno es “enemigo” de las modas y el snobismo, y desconfía. Y  se deja estar. Se tarda demasiado en dejarse seducir y entender que en cuestión de cepas, uno puede formar varias parejas, menage a trois, botellas parelelas, etc, que el Malbec no se va a enojar.

Por fin, pruebo el Lamadrid Reserva Cabernet Franc a secas. Sin maridar ni pensar en otra cosa. Que en asuntos de atracción mejor que los sentidos no se dispersen. Hay claro, otros muy buenos cabernet fran en nuestro país, hace rato que las bodegas se están esmerando. No obstante, este tinto puede acomodarse en el podio sin cuestionamientos. Y ni hablar en el segmento de mi columna, este Lamadrid llegó para quedarse por muchos años entre mis preferidos.

…Se tarda demasiado en dejarse seducir y entender que en cuestión de cepas, uno puede formar varias parejas, menage a trois, botellas parelelas, etc, que el Malbec no se va a enojar…

Su origen es de Finca La Suiza, en Agrelo, Luján de Cuyo y la enóloga: aplausos de pie para Angelina Yanez. No hay con qué darle a la gente de experiencia, déjame con alguien como ella que lleva dos décadas en la industria. Formada en Mendoza y con experiencia en bodegas de Argentina y España, Yañez combina el conocimiento técnico con una mirada integral del viñedo. Su enfoque está centrado en la comprensión del terroir, especialmente en Agrelo y Luján de Cuyo, donde busca reflejar la identidad de cada finca en los distintos perfiles de vinos.

La bodega es muy perfeccionista en todo el proceso, ahí está la clave de este vinazo. “Estamos haciendo muchas microvinificaciones y diferenciaciones por cuadros de cada finca. Eso nos permite tener una trazabilidad muy importante. Además, como trabajamos en una bodega orgánica, los registros y auditorías son clave. Nuestras botellas están todas identificadas con un código, que marca la trazabilidad desde la cosecha hasta el producto fraccionado”, en palabras de Yañez.

¿Cómo lo defino a este Cabernet Franc? Como un elixir (parafraseando al gran Coco Basile) que tiene absolutamente de todo. Los que adoptan palabras de moda como “tope de gama” lo simplificarían de esa manera pero para hacerla más fácil -comparando a un buen Malbec- es como si te descubriste a Spinetta y después escuchás a Charly o viceversa. Es una delicia para degustar sin ningún tipo de urgencia. Tiene la potencia que le podemos reclamar a los mejores tintos y la fruta necesaria para que los aromas revoloteen y te recuerden de beberlo en cámara lenta para descubrirle más propiedades abriendo la boca lo justo y necesario.  

Párrafo aparte, yo nunca le doy bola al “outfit” de la botella ni al trabajo de la gente de diseño que suele hacer lindas etiquetas, es que voy derecho a lo que me interesa, lo que está adentro; pero esta viene vestida elegante. Primero desde el papel, cuando un vino viene envuelto te dispara algo de misterio, luego una especie de puerta, de hendija o de orificio de cerradura en la etiqueta, según quien lo mire para espiar el contenido, y hasta un escudo con relieve que podrías quedártelo como medalla. No sé queda en la imagen, muy por el contrario, homenajea un tinto que te puede cambiar el día. Y en esta época, eso no es poca cosa.

En resumen, estamos en presencia de un vinazo que incluso tiene potencial de guarda y puede acompañarte en uno de esos momentos de celebración donde -como canta el poeta Sabina- «las buenas compañias son las mejores»…

Vino recomendado: Lamadrid Single Vineyard Reserva Cabernet Franc

Costo aprox al cierre de la nota: $18000

Con quién degustarlo: Con alguien que valga realmente la pena