En esta conversación con RANDOM, Bauzá reflexiona sobre el atractivo de la incertidumbre, el humor negro como herramienta para abordar temas complejos, la potencia del teatro para interpelar a la sociedad, el valor de los equipos creativos y el diálogo permanente entre la dirección escénica y la música, disciplina que también forma parte de su identidad artística. Lejos de las definiciones cerradas, el director reivindica el escenario como un espacio de encuentro donde cada espectador completa la experiencia desde su propia sensibilidad. Al fin y al cabo, quizás el teatro siga siendo uno de los pocos lugares donde todavía es posible detenerse a cuestionar aquello que parecía indiscutible.

Actualmente tenés en cartel dos obras muy distintas en tono, pero que parecen compartir cierta inquietud por aquello que se oculta detrás de la normalidad. ¿Encontrás un hilo común entre El alma de la noche y Mental?

Bueno, precisamente el hilo en común entre las dos obras es eso, es donde está el límite de la normalidad. En las dos obras se atacan esos temas desde distintos ángulos, una de manera muy cruda como Mental, directamente metiendo la situación en un neuropsiquiátrico y con gente diagnosticada con patologías psiquiátricas, y luego, por otro lado, en El alma de la noche, un poquito más solapada en la comedia, pero sí, desde un chico que tiene un retraso mental y una cierta discapacidad, aparentemente puede tener más cordura que el resto de los personajes que lo rodean, que están bajo una aparente normalidad.

En El alma de la noche trabajás desde el humor negro y en Mental desde el thriller psicológico. ¿Qué te atrae de esos géneros que se mueven en los bordes entre la risa, el miedo y la incomodidad?

Sí, precisamente un poco eso es lo que me atrae (o nos atrae) a hacer teatro, que es poner un poco de duda sobre las certezas que hay y empezar a generar preguntas, y cuando conocemos las respuestas, que esas preguntas cambien, que sean nuevas, y que estemos constantemente en ese loop de preguntarnos cosas, de que los personajes transiten por esos caminos de preguntas y de incertidumbre. Es lo más atractivo, lo más lindo del teatro.

Ambas obras ponen en crisis las certezas de los personajes: una desde los vínculos domésticos y la otra desde una institución psiquiátrica. ¿Te interesa particularmente explorar esos espacios donde la realidad deja de ser confiable?

No, me atraen todos los géneros. Creo que más que analizarlo desde un género, que ahora que lo decís, sí, probablemente revisitando un poco las obras que dirigí a lo largo de los años, el humor negro es una de las cosas que está ahí como bandera. Probablemente sí sea una de las que más me atraiga o me divierta. Es la forma de contar ciertas situaciones que pueden ser muy profundas y demasiado inentendibles para la comprensión humana, hacer humor de eso.

Entonces el humor negro me atrae un poco por ese lado y sí, lo que tiene que ver con el humor me manejo con un poquitito más de comodidad ahí. Pero más que nada uno busca material que te genere cosas, que te genere preguntas, que no sepas cómo abordarlo. Eso es un desafío desde lo artístico, de cómo pensar algo. Hay algo en una lectura que te atrae más allá del género y luego ahí nos metemos, nos metemos de lleno, sea cual sea el género. El desafío a la hora de elegir una obra va más por otro lado.

Uno quiere contar una historia y que la gente la pase bien. La gente hace su esfuerzo, sale de su casa, viaja, paga una entrada. Eso es muy valorado por nosotros.

«…Queremos darle al espectador una buena experiencia en líneas generales, un espectáculo de calidad por donde se lo mire…»

Como director, ¿cómo construís una atmósfera que mantenga al espectador en estado de alerta sin perder el vínculo emocional con los personajes?

Bueno, creo que van de la mano, es como una especie de combo de dos por uno. Si logramos que el espectador conecte emocionalmente con los personajes, eso va a dejar que se deje guiar por ese camino de la historia que estamos contando. Entonces, al permitirse conectar, hacer ese camino es mucho más llevadero para ambas partes.

Ahí es donde entra tener al espectador, como decís, en estado de alerta, o lo llamaría más como prestarse a jugar este juego que le proponemos, de transitar esta ficción como si fuera lo más real posible. Luego la atmósfera se va creando, no sólo trabajando y pensando en eso previamente, sino que se va construyendo en el camino de acuerdo a cómo van los ensayos y cómo se desarrollan los personajes, la idea que yo puedo tener como director con las propuestas de los actores y cómo esa comunión deviene en una nueva forma de ese personaje.

Y ese personaje, cómo lo vamos metiendo dentro de la escena, trabajando también con los creativos que se encargan de escenografía, vestuario, iluminación, música. Todo eso apoya y hace que el espectador se entregue más fácilmente a este juego que le proponemos.

En Mentalaparece una crítica al sistema y a las estructuras de poder, mientras que El alma de la noche parece observar las pequeñas violencias de la vida cotidiana. ¿Creés que el teatro sigue siendo una herramienta eficaz para interpelar a la sociedad?

Sin duda. El teatro, no sé si es eficaz, pero sí que es una herramienta poderosísima para interpelar a la sociedad y es también una de sus grandes tareas. Además de entretener, hay espectáculos que trascienden ese mero entretenimiento e interpelan a la sociedad.

Es poderosísima porque te pone delante de tus narices un montón de verdades y, bueno, desde ahí interpela. No sé si es eficaz porque no sé si logra siempre su cometido, pero ahí está. Depende de las sociedades y de las personas que los vean. Nosotros desde el teatro sí tratamos de hacer eso, de poder interpelar y que la sociedad se haga preguntas al respecto.

«…poner un poco de duda sobre las certezas que hay y empezar a generar preguntas, y cuando conocemos las respuestas, que esas preguntas cambien, que sean nuevas, y que estemos constantemente en ese loop de preguntarnos cosas…»

Repetís colaboradores en ambas producciones, especialmente en áreas como arte, vestuario e iluminación. ¿Qué valor tiene para vos consolidar equipos creativos que te acompañen en distintos proyectos?

Sí, es muy importante para mí formar un buen equipo de trabajo en general, en todas las disciplinas, pero especialmente en esta parte creativa que compone los distintos elementos de la puesta en escena. Hace mucho más fácil el trabajo de uno.

Seleccionar y elegir las personas idóneas me parece que es la tarea más difícil, pero con estos compañeros de ruta de hace muchos años, con quienes hemos trabajado en muchísimas obras, este año coincidimos en tres producciones: El alma de la noche, Mental y también Tú y yo somos tres.

Trabajamos con todo el diseño de arte, escenografía y vestuario de Sabrina López Hovhannessian y el diseño de iluminación de Claudio del Bianco, que además de ser personas fantásticas con las que se puede trabajar muy cómodo, son creativos increíbles que, como te decía antes, nos hacen la tarea mucho más fácil y nos permiten contar la historia de una manera más poética, más linda. Me parece muy importante esta formación de un buen equipo de trabajo.

Además de dirigir, en Mental componés la música original. ¿Cómo dialogan en tu proceso creativo la dirección escénica y la construcción sonora de una obra?

Lamentablemente los músicos tenemos un poquito una cabeza que todo va relacionado al sonido y a las cuestiones musicales, entonces estamos siempre pensando. En este caso dialogan muy bien y muy genuinamente porque es un ejercicio que tengo hecho: pensar la obra también con el apoyo de la música.

Después es otra tarea, otra complejidad, ponerse a trabajar en las composiciones, pero a medida que uno va trabajando las escenas se imagina los distintos aportes musicales, qué música corresponde o qué leitmotiv puede corresponder a cada personaje, con qué colores. Son cuestiones más musicales.

Entonces se dialoga muy fácil. Está constantemente fluyendo un diálogo entre el músico y el director porque mi cabeza va naturalmente hacia ahí. Después la composición es otro tema bastante más complejo y ahí empiezan las trabas, porque hay que ver si uno puede lograr expresar con música eso que tiene en la cabeza y que sea suficiente para lo que está pensando. Pero ese ya es otro tema.

«…Si logramos que el espectador conecte emocionalmente con los personajes, eso va a dejar que se deje guiar por ese camino de la historia que estamos contando. Entonces, al permitirse conectar, hacer ese camino es mucho más llevadero para ambas partes…»

Después de enfrentarse a estas dos experiencias tan diferentes, ¿qué te gustaría que el público se lleve al salir de la sala: preguntas, emociones, incomodidad, reflexión o algo más?

No, no lo tengo tan claro, honestamente. No pienso por ahí en esos términos. Uno quiere contar una historia y que la gente la pase bien. La gente hace su esfuerzo, sale de su casa, viaja, paga una entrada. Eso es muy valorado por nosotros.

Queremos darle una buena experiencia en líneas generales, un espectáculo de calidad por donde se lo mire, desde el momento de ingresar a la sala hasta el momento en que se va. Que sea una buena experiencia.

Después nosotros contamos la historia y cada persona es muy distinta. Si a algunos les genera cuestiones emocionales, a otros incomodidades, o empiezan a hacerse preguntas, todo lo que les suceda es válido. Incluso es válido que alguien diga que no le gustó o que no era para él. No es lo que uno quiere, porque justamente uno quiere agradecer ese esfuerzo que hizo el espectador para venir, pero puede pasar.

Lo que sí trato de no resignar es que sea un espectáculo, para lo que yo entiendo, de calidad. Ese sería el objetivo principal: ofrecer una experiencia de calidad y contar la historia que queremos contar.

Pese a que Mental y El alma de la noche transitan caminos estéticos diferentes, la charla deja entrever una misma búsqueda artística. Para Sebastián Bauzá, el teatro no parece ser un espacio destinado a impartir lecciones ni a ofrecer conclusiones definitivas. Su interés está puesto en abrir puertas, generar interrogantes y construir experiencias capaces de involucrar al espectador desde la emoción, la reflexión o incluso la incomodidad.

En tiempos donde abundan las respuestas inmediatas, sus obras apuestan por algo menos frecuente: la duda. Ya sea desde la oscuridad del humor negro o desde la tensión de un thriller psicológico, Bauzá invita al público a mirar de nuevo aquello que creía conocer. El resto del recorrido, como ocurre siempre en el mejor teatro, queda en manos de quien se sienta frente al escenario.

El alma de la noche se presenta los sábados a las 20:30 horas en el Teatro Ñaca (Julián Álvarez 924, CABA), mientras que Mental puede verse los viernes a las 20:30 horas en el Teatro Área 623 (Pasco 623, CABA). Las entradas para ambas propuestas están disponibles a través de Alternativa Teatral.

El próximo 8 de julio, Valeria Gastaldi volverá a subirse al escenario de La Tangente para presentar su nuevo show solista. Será una noche íntima, construida alrededor de las canciones que marcaron su camino fuera de Bandana, aunque inevitablemente también habrá lugar para revisitar parte de ese repertorio que quedó grabado en la memoria colectiva de toda una generación. El recital llega en medio de un presente particularmente intenso, apenas unos días antes comenzará la gira nacional con la que Bandana celebra sus 25 años de historia.

La entrevista con RANDOM se realizó a través de una llamada telefónica desde Miami, ciudad en la que vive desde hace cuatro años junto a su marido y sus tres hijos. Allí encontró un nuevo punto de partida para desarrollar su carrera como compositora mientras construía una vida familiar en el epicentro profesional de la música latina.

Del otro lado de la línea, entre ensayos, viajes y una agenda que combina la maternidad con la música, Gastaldi (44 años) habla con entusiasmo de un presente que la encuentra atravesando dos universos al mismo tiempo, el de la artista solista que busca el encuentro cercano con su público y el de la integrante de Bandana, banda que, un cuarto de siglo después de cambiar la historia del pop nacional, sigue convocando multitudes y sumando nuevas generaciones.

-El 8 de julio volvés a presentarte como solista en Buenos Aires. ¿Qué significa preparar un show en la Argentina viviendo en Miami?

-Cada vez que preparo un show en Argentina siento que estoy armando una valija para volver a casa. Después de tantos años, uno ya sabe qué canciones emocionan a la gente que lo acompaña desde hace tanto tiempo y eso genera muchísima ilusión. Desde que empezaron los festejos por los 25 años de Bandana los fans me preguntaban cuándo iba a hacer un recital propio. En diciembre cumplí ese deseo y me prometí volver cada seis meses, aunque tenga la agenda completamente llena.

-¿Con qué se va a encontrar el público que vaya a verte a La Tangente?

-Es un espectáculo muy orgánico. No usamos pistas, todo se toca y se canta en vivo. Me gusta improvisar, cambiar arreglos y dejar que las canciones respiren distinto cada noche. Hay momentos acústicos, otros mucho más rockeros y también aparecen invitados. En esta oportunidad seguramente estén Lourdes y Lissa. Además de recorrer mis discos, siempre encuentro alguna forma diferente de reencontrarme con canciones de Bandana, pero llevándolas a otro lugar.

-Al comenzar de tan chica, viste a tu público crecer a la par. ¿Cómo vivís ese fenómeno?

-Es una de las cosas más emocionantes que me regaló la música. Siempre digo que tenemos el mejor público porque nuestra música dejó de ser una moda para convertirse en parte de la vida de mucha gente. Los que antes nos seguían, ahora tienen hijos, al igual que yo, que tengo tres. Los míos comienzan a saber quién era su mamá hace 25 años y los fans traen también a sus hijos para que vean lo que disfrutaban sus padres antes. El público creció, sintió y se enamoró con Bandana como nosotros hicimos lo mismo con ellos de testigos. Ver que esas canciones pasaron de una generación a otra y hoy siguen vigentes, es un privilegio enorme y un agradecimiento permanente hacia quienes siguen eligiéndonos.

«…me encantaría hacer algo con Milo J. Me parece un músico muy talentoso, muy auténtico y con una sensibilidad especial para escribir. Hay muchísimos artistas jóvenes que hacen cosas interesantes, pero él es uno de los que más me llaman la atención…»

-¿Qué diferencias encontrás entre subirte al escenario como solista y hacerlo con Bandana?

-Las dos experiencias son completamente distintas y las disfruto por igual. Mis recitales solistas son mucho más íntimos, cercanos y emocionales, aunque terminamos todos cantando y saltando como si fuera un show multitudinario. Con Bandana la energía es enorme desde el primer minuto porque tocamos en escenarios mucho más grandes. Poder moverme entre esos dos universos me hace sentir muy plena como artista.

-Programaste tu show en medio de la gira nacional de Bandana. Una apuesta fuerte.

-Está siendo un año muy intenso y lo quiero aprovechar al máximo. Con respecto a Bandana, arrancamos con una primera etapa de la gira durante julio y después seguimos con otra muy grande en septiembre. Estaremos en provincias como Santiago del Estero, Tucumán, Chaco, La Pampa, Córdoba, Mendoza, Santa Fe. Y en el medio metí mi recital, así que es una locura hermosa. A veces me pregunto por qué agrego trabajo sobre una agenda ya explotada, pero después subo al escenario y recuerdo por qué siempre vale la pena hacerlo. Además cuento con el apoyo de mi familia que me banca en estas semanas y todo fluye de otra forma.

-En una recordada conferencia de prensa, Gustavo Cerati reconoció que el dinero no era el único motivo por el cual volvía Soda Stereo. Si es así, entonces, ¿por qué volvió Bandana?

-Porque nos seguimos eligiendo de verdad. Nosotras amamos Bandana y nunca pensamos el regreso solamente desde un lugar económico. Siempre estuvimos en contacto entre nosotras y cuando se hizo en 2016 “Bandana: La vuelta”, nos decíamos que debíamos reunirnos únicamente cuando existiera algún motivo especial. El año pasado Disney nos volvió a convocar porque estrenó la versión live action de “Lilo y Stitch”, que nosotras habíamos cantado la canción de la versión original de 2002, y cuando nos dimos cuenta que se cumplían 25 años de nuestro debut, dijimos “hagámoslo”. Y lo cierto es que nos lanzamos sin saber cómo iba a responder la gente y terminó convirtiéndose en una experiencia maravillosa que estamos disfrutando muchísimo.

-Muchos fanáticos siguen preguntándose por Ivonne Guzmán. ¿Cómo es hoy tu vínculo con ella y si existe alguna posibilidad de reencuentro?

-Con Ivonne sigo teniendo contacto y le guardo muchísimo cariño por todo lo que vivimos juntas, pero creo que ya no hay posibilidades de que vuelva al grupo. Desde “Bandana: La vuelta”, ella eligió no formar parte del proyecto. Nosotras respetamos esa decisión y seguimos adelante como cuarteto. Bandana se reconstruyó de esa manera y hoy vivimos un presente muy feliz, celebrando estos 25 años con una etapa que sentimos completamente nuestra. Pero la historia con Ivonne no la va a cambiar nada.

«…Cada vez que preparo un show en Argentina siento que estoy armando una valija para volver a casa. Después de tantos años, uno ya sabe qué canciones emocionan a la gente que lo acompaña desde hace tanto tiempo…»

-Hace cuatro años decidiste instalarte en Miami. ¿Qué motivó ese cambio de vida?

-Fue una decisión familiar y profesional al mismo tiempo. Mi marido, Facundo Pereyra Iraola, produce espectáculos en México y desde Miami todo era mucho más práctico para su trabajo. En mi caso empecé a dedicarme cada vez más a escribir canciones para otros artistas y sentí que desde Miami podía abrir nuevas oportunidades en Estados Unidos y México. Ya había vivido antes en esta ciudad, así que también era un lugar donde podíamos empezar de nuevo con cierta tranquilidad.

-¿Cómo lográs combinar una carrera artística tan activa con la maternidad y la vida familiar?

-Es un equilibrio intenso, pero me hace muy feliz. Tengo tres hijos, una familia y un trabajo que demanda muchísimo tiempo, aunque nunca sentí que una cosa le quitara espacio a la otra. Ser madre es el desafío más grande porque es una responsabilidad diaria y para toda la vida, pero también es el rol que más me enriqueció como persona. Mis hijos ya entienden perfectamente a qué me dedico y acompañan este ritmo de vida.

-Además de cantar, construiste una carrera como compositora.

-Es una parte fundamental de mi presente. Cuando no estoy de gira aprovecho cada espacio libre para escribir canciones. Me apasiona tanto componer para mí como hacerlo para otros porque el compromiso y la emoción son exactamente iguales. Nunca siento que una canción tenga menos valor por no interpretarla yo. Al contrario, disfruto muchísimo imaginar otras voces y otras historias.

«…Nos tocó vivir aquella época y fue maravillosa. Lo importante es que, sin redes sociales ni plataformas globales, las canciones sobrevivieron al paso del tiempo…»

-«Voy a amarte», el éxito de Carlos Rivera, lleva tu firma.

-Fue una experiencia transformadora. Esa canción originalmente la escribí para Los Nocheros, pero finalmente el productor con el que trabajo decidió entregársela a Carlos Rivera para la novela “Los ricos no piden permiso”. Terminó convirtiéndose en un enorme éxito y, de alguna manera, me abrió la puerta grande al mundo de la composición profesional. Siempre voy a estar profundamente agradecida por esa oportunidad.

-La industria cambió por completo con las redes sociales y las plataformas digitales. ¿Cómo vivís esa transformación?

-Somos de otra generación y eso se nota. Nos adaptamos a las redes, trabajamos con un gran equipo y entendemos cómo funciona, pero nuestra formación fue distinta. Venimos de una época donde el disco era un acontecimiento, donde elegíamos cuál era el single con el cual salir al mercado, donde las canciones crecían con el tiempo y donde el vivo era el centro de todo. No critico las nuevas herramientas, simplemente siento que nuestra identidad artística nació en otro contexto.

-¿Alguna vez pensaste qué hubiese pasado si Bandana surgía en la era de Instagram y TikTok?

-Seguramente hoy tendríamos millones de seguidores porque Bandana fue un fenómeno enorme también fuera de Argentina. Es una charla que aparece muchas veces entre nosotras. Tendríamos 15 o 20 millones de seguidores cada una, y la presión que eso conlleva de no defraudarlos y estar atentas a todo ese universo. De todos modos, no siento nostalgia o no me hago la cabeza pensando “qué hubiese sido si…”. Nos tocó vivir aquella época y fue maravillosa. Lo importante es que, sin redes sociales ni plataformas globales, las canciones sobrevivieron al paso del tiempo y hoy seguimos llenando teatros veinticinco años después.

-Entre los nuevos artistas, ¿hay alguien con quien te gustaría compartir una canción?

-Sí, me encantaría hacer algo con Milo J. Me parece un músico muy talentoso, muy auténtico y con una sensibilidad especial para escribir. Hay muchísimos artistas jóvenes que hacen cosas interesantes, pero él es uno de los que más me llaman la atención. Creo que sería muy lindo encontrar un punto de encuentro entre su universo musical y el mío.

-Comenzaste tu formación en la comedia musical. En este momento donde hay muchos artistas ajenos al género protagonizando en la cartela porteña, ¿te imaginás siendo parte? 

-Nunca cierro ninguna puerta. Yo me formé haciendo comedia musical, así que es un lenguaje que conozco y disfruto mucho. Si apareciera un proyecto interesante, que realmente me entusiasme, lo evaluaría con muchísimo gusto. Hoy estoy enfocada en la música, pero siempre me gusta desafiarme y explorar nuevos caminos cuando aparece la oportunidad adecuada.

Actriz, bailarina, coreógrafa y directora, Feldman lleva años desarrollando una búsqueda escénica propia donde el cuerpo ocupa el centro de la narración. En Amanuenses –los miércoles a las 20.30hs en el Galpón de Guevara- esa exploración alcanza una de sus expresiones más logradas: durante una hora no se pronuncia una sola palabra y, sin embargo, todo parece decirse. En esta charla con RANDOM, analiza el origen de la obra, el teatro físico, la importancia del error en los procesos creativos y el valor de la presencia humana en tiempos atravesados por la inteligencia artificial.

Amanuenses toma una figura medieval, pero termina hablando de algo muy contemporáneo. ¿Cómo fue el estreno de esta nueva temporada y en qué momento descubriste que los amanuenses podían convertirse en una metáfora del trabajo actual?

En este proceso el título de la obra vino después de haber perfilado el material que íbamos a desarrollar. Empezamos trabajando sobre los gestos cotidianos. Después particularizamos y nos centramos sobre el gesto en el mundo del trabajo, es decir un trabajo pensado más como se lo entendía antes: con cuerpo y objetos en mayor cercanía. Eso nos llevó de manera directa a privilegiar las manos por sobre el resto del cuerpo. A su vez, acotamos el mundo del trabajo a uno solo de sus tópicos, uno de los más emblemáticos: la oficina. Cuando esas coordenadas estaban establecidas, comencé a indagar sobre literatura que sirviera de referencia para nuestro trabajo, y ahí apareció “Bartlelby”, la novela de Herman Melville, cuyo personaje epónimo es, precisamente, un amanuense.

En cuanto al  reestreno, se trata de volver con una obra que hacés con amigos y que disfrutás tanto hacer, que tuvo tan buena recepción del público en su primera temporada, es muy motivante. Hacer obras es un gran trabajo en equipo y un esfuerzo enorme de todos y cada uno de sus integrantes, pero la felicidad que nos da ofrecer eso a los espectadores cada semana y que siga apareciendo público nuevo para lo que hacemos, es algo que me cuesta encontrar en otra actividad. Por eso, poder estar haciendo funciones es una alegría. Esta vez tuvimos la suerte de que al estreno en el Galpón de Guevara se sumó, a los pocos días, una función en Vicente López que fue muy especial.

La obra transforma acciones cotidianas como sellar, firmar o acomodar papeles en una coreografía. ¿Cómo fue el proceso de convertir esos gestos burocráticos en lenguaje escénico?

Nos tomamos un año para poder profundizar en el material de la obra. Y lo bueno fue que cada vez nos entusiasmaba más, y más lejos queríamos llegar en esa búsqueda. Probamos y erramos infinidad de veces. La idea inicial era sencilla: probar gestos y acciones fácilmente reconocibles, en una clave más “realista”, y, a través de diferentes procedimientos -sencillos también- ir encontrando el componente que permitiera transformar esas acciones en coreografía. También, propiciar el surgimiento de la excepción, la extrañeza que revela los componentes más grotescos de esas acciones. Esos movimientos y gestos, liberados de su lógica práctica, se volvieron material pasible de ser organizado por una nueva lógica: la de la coreografía. Lo mismo a nivel sonoro, pensábamos en cómo organizar ruidos de una oficina para pasar del mero ruido al sonido organizado. O, mejor dicho, pasar a pensar el ruido concebido y organizado como materia musical. Es casi redundante decir que la colaboración con el músico de la obra fue fundamental.

No hay una sola palabra durante toda la función y, sin embargo, la historia se entiende maravillosamente. ¿Qué posibilidades narrativas encontrás en el cuerpo que no aparecen en el lenguaje hablado?

No es que piense que el cuerpo narra más que las palabras. Sí creo que los cuerpos tienen un componente narrativo muy fuerte. Todos escuchamos mil veces aquello de que “decís una cosa y con el cuerpo expresás otra”. Es una frase muy común y también muy cierta. Y lo pienso como algo bueno, que demuestra la complejidad de las personas y de sus actos comunicativos. Estamos llenos de contradicciones y el cuerpo es un gran territorio para explorarlas. Cuando actuamos y decimos un texto lo hacemos desde nuestro cuerpo. Siempre el cuerpo está presente y tiene voz.

En el caso de amanuenses tuvimos como referencias a grandes maestros del cine mudo y del primer sonoro y por eso se decidió que la obra careciera por completo de texto.

«…Creo que el teatro es una gran arma contra todo el avance de la IA. El teatro es puro presente. Es un ritual, un acto de fe y de comunidad. Mientras exista el teatro supongo que estaremos a salvo, o eso espero…»

En Amanuenses los personajes parecen funcionar como una máquina perfecta hasta que algo empieza a fallar. ¿Qué te interesa explorar sobre el error, el automatismo y la creatividad humana?

La imagen de la máquina humana que empieza a fallar es muy atinada ya que una de nuestras referencias a la hora de pensar el lenguaje de la obra fue “Tiempos modernos”, de Chaplin.

El error, los accidentes son posibilitadores de nuevas cosas, de nuevos recorridos, de diferentes conexiones, de nuevos pensamientos. Me parece que muchas cosas que surgen en una obra provienen del devenir de algún supuesto error, de alguna idea que chocó de frente con la prueba concreta a la que la sometimos en el proceso de ensayos y que reveló algo más rico que nuestras ideas iniciales.

La obra es muy divertida, pero también deja preguntas sobre la productividad, la rutina y la deshumanización en una época donde otra vez aparece la reforma laboral. ¿Qué reflexiones te gustaría que acompañen al espectador cuando sale de la sala?

Lo lindo de lo que hacemos es que las reflexiones de los espectadores se nos escapan. Las obras se completan con esa mirada y esa reflexión.

Lo interesante es poder crear un mundo y un lenguaje que salpique sentido para todos lados. Y, si bien una trabaja para que algunos de esos sentidos traccionen más que otros, es algo que no se puede controlar y creo que esto es algo bueno.

El público de la obra es muy variado, sobre todo en edades, y tenemos la sensación de que eso también promueve una gran diversidad de lecturas de la obra.

Gran parte de tu trabajo se mueve entre la danza, el teatro físico y el humor. ¿Cómo fuiste construyendo esa identidad artística tan particular dentro de la escena independiente?

Creo que cada proceso de creación es único. Porque no solo son las imágenes, las ideas o hipótesis con las que se arranca a trabajar las que construyen la identidad de cada proyecto, sino más bien la totalidad de sus componentes. Las artes escénicas son un ámbito tan de comunidad que cada persona y cada área que interviene en la creación y producción va dando forma a lo una hace. Hay un poco de voluntad sesuda y mucho feliz accidente en mi recorrido.

En tiempos de inteligencia artificial, automatización y trabajo cada vez más digital, Amanuenses parece reivindicar la materialidad y la presencia de los cuerpos. ¿Sentís que estamos perdiendo algo en ese proceso?

Creo que el teatro es una gran arma contra todo el avance de la IA. El teatro es puro presente. Es un ritual, un acto de fe y de comunidad. Mientras exista el teatro supongo que estaremos a salvo, o eso espero.

Más allá de esta segunda temporada, ¿qué proyectos, búsquedas o desafíos artísticos te entusiasman para el corto plazo?

En las artes escénicas independientes, estamos muy acostumbradas a trabajar en más de un proyecto y a realizar infinidad de roles. Por suerte, a la par de dirigir Amanuenses, actúo en otras obras, hago coreografías para otras más, filmo con mi familia y actúo en películas, colaboro con amigas y amigos. Espero que los proyectos en los que estoy sigan creciendo y que aparezcan otros nuevos.

A lo largo de la charla, Feldman vuelve una y otra vez sobre una misma idea: la creación como espacio de encuentro, de comunidad y de descubrimiento. En tiempos donde buena parte de la experiencia humana parece desplazarse hacia lo digital, Amanuenses reivindica el valor de los cuerpos, de los objetos y de la presencia compartida. Quizás por eso la obra genera tanta identificación: porque detrás de sus personajes atrapados en una rutina mecánica nace una pregunta profundamente contemporánea sobre aquello que todavía nos hace humanos.

Ahora le toca enfrentar uno de los desafíos más intensos de su carrera con Bebé Reno, la versión teatral de la historia autobiográfica creada por Richard Gadd que impactó al mundo tras su adaptación en Netflix. Dirigido por Luis “Indio” Romero, Casero sostiene solo en escena durante una hora y media un relato atravesado por la obsesión, la vulnerabilidad y el trauma.

La obra, que se presenta todos los martes en el Paseo La Plaza de Buenos Aires, propone una experiencia teatral cruda, íntima e incómoda por momentos. En diálogo con RANDOM, el actor habló sobre el intenso proceso de ensayos, la presión de interpretar una historia ya conocida por el público, las diferencias entre el teatro y la serie, el vínculo con la exposición y el momento artístico y personal que atraviesa.

¿Cómo fue entrar emocionalmente en un universo tan vulnerable y oscuro?

Nos llevó bastante tiempo de ensayos al principio porque había que entender un poco la psicología del personaje también. De alguna manera es una historia actual. Entonces, ¿cómo te metés a mirar el mundo con los ojos del protagonista? Fueron muchos ensayos hablando sobre lo que le pasaba al pibe y encontrar puntos en común, no de situaciones reales que uno pudo haber vivido, pero sí de dónde agarrarse para poder entenderlo y mirarlo desde su perspectiva.

La obra también es muy clara porque te muestra su locura, su psicología y todo lo que él vive para que suceda esto que le está pasando.

¿Sentiste presión por interpretar una historia que ya tiene una referencia tan fuerte en Netflix?

De alguna manera sí, pero también tenés el justificativo de que la obra es anterior a la serie. Hay algo que te ampara, porque en realidad la adaptación es la serie. Además el teatro toca otras aristas de las personas, hace hincapié en cosas distintas. Tiene otra dificultad, pero a la vez es una obra muy clara en lo que cuenta. De alguna manera se complementan.

¿Cómo fue el trabajo con el director Luis “Indio” Romero?

Fueron muchas horas de ensayo, muchas horas de aprender la letra. Una vez que la letra estaba sabida era empezar a poder actuarla. Requiere mucha precisión, algo cercano a un trabajo de relojería.

El Indio Romero es un animal. Entiende por todos lados lo que sucede, entiende dónde tiene que tocar para que pasen las cosas. Sin un director como él hubiese sido muy difícil también, porque tenés que ponerte vos en un clima y el límite es muy fino. No deja de ser una narración, pero a la vez tiene que tener ritmo, puntuación y un lenguaje teatral del que no podés escapar. Pero a la vez es naturalista porque es actual, es una persona que está viviendo algo y nos está contando. Fue un laburo intenso, pero muy lindo también.

«…Hoy tenés la posibilidad, no necesitas que alguien te apruebe en un canal para que vos muestres tu contenido si querés vas, lo hacés, lo producís vos y lo ponés…»

La obra también dialoga con la exposición y el vínculo del público con los artistas. ¿Cómo vivís eso?

Por un lado, entiendo que a veces para uno es algo normal o está acostumbrado a que la gente te cruce y quiera hablarte. O quiera sacarse una foto y tener ese contacto con vos. Lo entiendo porque para uno es normal pero para quien te cruza puede ser algo extraordinario. Entonces creo que hay que tener un poco de esa consideración. Por más que a uno por ahí le pueda pasar que no tiene ganas, trabajás para ellos también. Trabajás para las personas y me parece que desde mi óptica no puedo juzgar a nadie. Me parece que hay que tener consideración y entenderlo.

Obviamente después está en que las personas por ahí pueden ser más avasallantes o menos respetuosas o lo que fuere, pero por otro lado también es entenderlo desde un lugar que bueno despertás algo en las personas por tu laburo o porque salgas en la pantalla. O lo que fuere y hay que entenderlo.

Hay que quitarle un poco de drama y un poco de histeria y todo eso. Por ahí el momento que podía parecer más intenso o más jodido por ahí sale mucho más rápido si fuiste expeditivo y si fuiste considerado, le quita un poco de drama. Y después con respecto a lo que puede ser el acoso, eso es otra cosa. Por suerte yo no he vivido nada de eso, ni nada grave ni nada que me preocupara.

¿Qué diferencias encontraste entre el lenguaje teatral y la serie?

Creo que en el teatro se hace mucho hincapié en la psicología del personaje y en cómo llega a esta situación. Tal vez en la serie hay más tiempo y más recursos para contar cosas alrededor.

La obra lo que tiene una profundidad en la cual ahonda para entender cómo es Richard Gadd (autor y protagonista), cómo es él, cómo es su relación con su entorno o por eso de alguna manera permite o habilita a que esto suceda. La obra está apuntada originalmente para un festival de teatro de vanguardia en Edimburgo, entonces de alguna manera tiene como una profundidad y una cosa más rebuscada. Entonces el teatro siempre tiene una vuelta de rosca que hace que te atrapes de otro lado.

La serie es alucinante y la obra de teatro lo que tiene es que tiene una cosa intensa, cruda también. Es intensa, es espesa, tiene humor, tiene sarcasmo, tiene humor negro. Entonces va por otro lado, pero hay risas también.

La gente se ríe, se ríe de momento, se ríe por ahí en algunos momentos un poco con una risa más nerviosa. Pero sí, lo que tiene de diferente es que el teatro al tener menor cantidad de recursos narrativos más que el protagonista contando lo que le sucede y proyecciones y grabaciones. Entonces hace que sea una hora y media que te mantiene al borde de la butaca.

«…Creo que en el teatro se hace mucho hincapié en la psicología del personaje y en cómo llega a esta situación. Tal vez en la serie hay más tiempo y más recursos para contar cosas alrededor…»

¿Qué sentiste con la reacción del público en el estreno?

Fueron muchas semanas, muchos días y muchas horas de ensayo. Cuando de golpe vez que está sucediendo, la estoy pariendo, acá lo tuve, ya está, hay algo de cierto desahogo.  Después, ver que la gente se para por ahí para aplaudir y que algo le tocó y le tocó adentro algo y decís “ok, bueno, está pasando”.

Es muy gratificante porque es un laburo que cuando lo empezás a hacer, incluso cuando estás terminando los ensayos decís “¿cómo mierda voy a encarar esto?” porque es complejo, es difícil, es un rato largo arriba de un escenario solo. Pero la verdad que la repercusión fue muy buena, la gente la recibió muy bien. Ver que pueden estar viendo la obra de teatro sin pensar en si es una serie o no, que se sientan y escuchan y están atentos y prestan atención. Y les gusta que les pasa algo. Es muy gratificante.

¿Sentís que puede ser una obra bisagra en tu carrera?

Sí, es muy importante porque es una obra en la que estoy solo durante una hora y media arriba de un escenario. Hacerse cargo de eso es distinto a otras cosas que hice. Para mí es importante y de alguna forma es como una tilde que ponés en un listado de cosas que uno supone que tiene que haber realizado.

¿Qué buscás hoy cuando elegís un proyecto?

Primero me tiene que suceder algo cuando leo el guion, tengo que sentir que puedo darle algo. Tengo que sentir que puedo subirme a ese proyecto y sumarle yo desde mi lado, desde lo mío.

Si no puedo, si no me pasan cosas cuando leo el guion, si no me imagino haciéndolo. Y  eso me cuesta un poco más porque de alguna manera requiere de una entrega total. Entonces necesito poder visualizarlo mientras lo estoy leyendo, me tiene que suceder algo. Tiene que divertirme, tiene que generar alguna emoción. Una vez que eso sucede lo empiezo a pensar desde un lugar, desde un negocio y desde cuánto tiempo le voy a dar yo de mi vida y cuánto me puedo entregar. Pero principalmente lo que me tiene que pasar es que tengo que sentir ganas de hacerlo y tengo que tener ganas de poner de mí para el proyecto. Requiere de eso sí o sí y eso es lo principal para mí.

Hiciste muchísima tele pero ¿Qué tiene el teatro que todavía te sigue atrapando?

Es real todo lo que sucede. Está sucediendo ahí y no hay manera de editar, No hay forma de escaparte, Tenés que estar ahí en el momento, haciendo eso que la gente va y paga una entrada. No es que lo vieron porque prendieron la tele y estaba justo uno ahí sino que tiene que ir específicamente.

Hoy en día que ya no se sabe muy bien que es verdad y que no, de todo lo que tenés en internet, podés encontrar videos hechos con IA o videos editados. En el teatro todo está pasando ahí. Es como una especie de aquí y ahora donde no solamente uno lo está haciendo sino el público está viviéndolo también de esa manera.

«…Ahora llega también el momento en el que por ahí me doy cuenta y digo: Necesitar no necesito nada…»

¿Sentís que estás en un momento de mayor libertad artística?

He tenido la suerte de que me han llamado siempre de cosas muy distintas y también que me he animado. Me he atrevido a hacerlas entonces de alguna manera tenés como si fuese más colores de una paleta como para pintar. Entonces de alguna forma se fue dando y yo fui también jugando ese juego y permitió que eso sucediera.

Siento que tengo más herramientas por ahí ahora para poder hacer diferentes cosas. Como que de alguna manera puedo aceptar más trabajos y diferentes porque puedo hacerlo. Eso también es lo que me mantiene despierto y divertido si no, me da miedo que en algún momento me aburra y sería trágico aburrirme de hacer lo que me gusta.

¿Cuáles son tus cables a tierra después de interpretar un personaje tan intenso?

Nada muy especial, ahora estoy volviendo a entrenar de a poco, quiero volver a boxeo de a poco.

El “Párense de manos” fue tremendo y contra Jaime Lorente nada menos…

Sí, fue un buen desafío (se ríe), estoy para más igual. La verdad que me estoy ocupando de hacer cosas en mi casa que tenía que hacer, que la tenía un poco abandonada. Me veo con amigos, trato de volver un poco a la vida social pero nada muy especial.

Y vos nunca necesitaste de muchas cosas para ser feliz, no?  

Más o menos, he tenido mis boludeces. Ahora llega también el momento en el que por ahí me doy cuenta y digo: “necesitar no necesito nada”. Entonces tratar de quitarle energía a esas cosas que te llevan tiempo y te cuestan vida de alguna manera para conseguir cosas que por ahí no necesitas. O por ahí son recontra secundarias. Trato de poner la energía en donde tengo que ponerla más que en cosas que por ahí desearía. En realidad: lo necesito o no lo necesito, me estoy tratando de regir un poco por eso y no perder tiempo y energía en cosas que son para mostrarle a otros más que para mí.

«principalmente lo que me tiene que pasar es que tengo que sentir ganas de hacerlo y tengo que tener ganas de poner de mí para el proyecto…»

Tenés proyectos personales como “Viaje de perros” con tu mascota que son muy graciosos…

Sí, la verdad que es hermoso vivir con animales. Tengo a Rulo y a “la gorda” que es una gata grande. Ahora que hace frío vienen y duermen los dos arriba mío. Se trata de  disfrutar esas cosas, cosas simples que uno tiene cerca y no tiene que perderlas. La verdad que disfruto mucho de la compañía de los animales

Si tuvieras que elegir un trabajo bisagra anterior en tu carrera, ¿cuál sería?

El alumno Capussoto en Cha cha cha que de alguna manera eso fue fundacional. Al día de hoy sigue la gente hablándome del alumno Capussoto. Si tengo que elegir uno, ese podría ser. ¿Por qué? Por una cuestión de ubicación cronológica y también porque sigue teniendo todavía repercusión y la gente me sigue hablando y siguen diciéndome, mirá cómo creció el alumno Capussoto y tiene algo de eso creo que sería justo elegirlo.

¿Te quedan series pendientes para estrenar? ¿Cómo seguís el año?

No quedan por estrenar, ahora estoy ocupándome de “Bebé Reno” y de seguir puliéndola para que tenga todo su recorrido. Vamos a empezar después con giras, hay un montón de plazas que están interesadas en tener la obra y eso está bueno. Tengo toda la cabeza ahí.

A medida que van surgiendo otras cosas también viendo cómo las voy a ir  acomodando.  Hay un montón de cosas para hacer, seguramente volveré a stremear desde casa (para Vorterix), el año pasado lo hice, este año lo voy a volver a hacer. Le voy a poner un poquito más de tiempo y de dedicación.

Hoy si no ponés contenido tuyo y es porque por ahí un poco no querés. O porque por ahí te interesa más el negocio y que te paguen por hacerlo que compartir y mostrarlo. Hoy tenés la posibilidad, no necesitas que alguien te apruebe en un canal para que vos muestres tu contenido si querés vas, lo hacés, lo producís vos y lo ponés. Si tenés las posibilidades y si no, bueno, tenés que estar esperando que venga otro y ponga la plata. Pero si vos podés hacerlo, vas y lo hacés y lo ponés. En mi caso, “Viaje de Perros” lo voy a poner en mi canal de YouTube y con eso estoy muy contento.

Mientras “Bebé Reno” comienza su recorrido en la cartelera porteña y proyecta futuras giras, Nazareno Casero atraviesa un presente artístico atravesado por el riesgo, la introspección y la búsqueda constante. Entre el vértigo del escenario y la calma de las cosas simples, el actor parece haber encontrado una forma muy propia de sostenerse: seguir haciendo personajes que lo desafíen sin perder de vista quién es fuera de escena.

Actualmente protagoniza Mal repartidas, la obra que se presenta los jueves en el Paseo La Plaza (junto a Selene Raimundo) y que pone el foco en los vínculos familiares, las heridas que no terminan de cerrar y todo aquello que una herencia no puede resolver. Entre el humor, la emoción y los silencios incómodos, Sabrina encuentra también un espejo para hablar de su presente, de la maternidad, del oficio, de las redes sociales, de la necesidad de conectar de verdad con el otro y de una industria que cambió para siempre.

En esta charla íntima y extensa con RANDOM, la actriz habla sin filtros sobre los deseos, las contradicciones, la exposición, la actuación y ese personaje que hoy siente más importante que cualquier otro: el de ser mamá.

Lindo tema plantea la obra que protagonizás: llegar a firmar una herencia y que explote todo. ¿Qué te sedujo de esta historia en este momento de tu vida?

Primero que era escrita y dirigida por Hernán Krasutzky, que yo ya había trabajado con él. Ya somos como hermanos, todo el mundo nos ve y nos parecemos como hermanos porque nos peleamos todo el tiempo. Yo lo adoro, es un genio. Ha escrito una obra en un día, es una cabeza que vuela. Y a la vez él siempre me dio la posibilidad de poder agregar mis cosas.

A mí también me gusta mucho la dirección, entonces él me da ese espacio. A veces me voy al carajo y me dice “pará, pará, que el director soy yo”, pero me da ese lugar y eso es lo más.

Compartís escenario con una compañera que también está debutando en las tablas. Decís que sos medio directora, ¿cómo estás viviendo también jugar con un texto tan lindo y con una compañera que está debutando?

Sele es un amor, eso está buenísimo también, creo que no lo hubiese agarrado tan bien si no fuese así, y la verdad es que, como digo, está buenísimo ver las ganas que tiene, el hambre de gloria. Ese hambre que a veces uno con el pasar del tiempo, algunas cosas las va perdiendo y se va acostumbrando a la rutina. Gracias a Dios hay laburo, no mucho, pero hay.

Entonces ese hambre de gloria de los primeros trabajos que te aparecían… no quiero decir que no te pase, porque la verdad es que me llaman ahora para hacer, por ejemplo “En el barro” y se me para el corazón. Cada vez que me llama mi representante siempre le digo “me vas a matar un día”. A veces me llama para decirme cómo ando y yo le digo “no me llames, no me llames”, porque se me para el corazón cada vez que me llaman (se ríe).

Ver esas ganas… y aparte todos pasamos por esa primera vez. Y está bueno que haya química. Nos ensamblamos re bien. Te puede pasar estar con un compañero que no sea así y por suerte nos ensamblamos re bien, así que es genial.

Pensaba que cuando la televisión hacía mucha ficción vos no parabas. Terminabas una tira y ya estabas en otra. Y en el último tiempo hiciste muchísimo teatro…

Y ahora como no hay ficción… Imaginate que antes éramos un montón y no había mucho trabajo. Imaginate ahora que todos somos actores, todos hacemos de todo. Entonces ahora son más de lo normal haciendo poco. Muchos colegas que hacían poca comedia ahora se están tirando al teatro. Tengo muchas compañeras que nunca habían hecho teatro y venían haciendo tele sin parar y ahora están haciendo teatro porque no hay laburo.

Yo hace bastante que vengo haciendo teatro porque una cosa lleva a la otra. Y vuelvo a repetir: tampoco es porque tenía propuestas laborales en TV. Entonces nada, tengo que trabajar. Y por suerte, gracias a Dios, siempre aparecía una propuesta atrás de otra. Hoy en día es un privilegio trabajar en lo que te gusta.

Y con el teatro giraste muchísimo. Conociste gran parte del país arriba de una combi, en camarines y escenarios de pueblos variados…

Sí, es como el evento de la noche. Vos ves que la gente se viste, los restaurantes también te lo agradecen porque se llenan esa noche. Y es hermoso. Gracias a las giras conocí casi todo el país y conocí mi Argentina, que es hermosa. Para mí es uno de los países más hermosos que existen. La gente, la calidad de la gente, sus fiestas…

A veces llegás y el pueblo parece abandonado porque todos están en la fiesta y yo me voy a recorrer y hay un silencio que te traspasa. Nosotros venimos aceleradísimos y ellos tienen otros tiempos. Hablan con una tranquilidad… y decís “guau, perdimos todo eso”. Está buenísima la gira hasta que te desborda la vida. Yo llegaba a Buenos Aires y decía “¿dónde vamos ahora?, ¿hace frío o calor?”. Dejaba todo arriba de la mesa porque capaz me iba de nuevo.

Y como siempre digo: qué importante que la gente vaya al teatro. Porque para el productor hoy requiere muchísimo esfuerzo. Si la gente no va, las obras no llegan y es la única manera también de que el interior pueda ver teatro sin tener que venir a Buenos Aires.

En esta obra hay mucho de reencuentro. Con otros, pero también con uno mismo. ¿Qué te pasa a vos con los reencuentros?

La verdad es que yo trato de buscarle humor a todo. La obra tiene momentos que te penetran mucho, pero yo trato de hacer todo desde el humor. Igual hoy justamente hablábamos con el director de quizás profundizar un poquito más y no llevar todo tanto a la comedia, porque a mí me encanta el humor.

Mi personaje tiene una moral bastante conservadora, es medio pacata, tiene prejuicios, y a la vez muchas cosas las hace desde el miedo. Fue la sostén de todo y critica mucho a su hermana, que fue la que se fue, la que hizo la vida loca. Pero en realidad la critica porque es lo que a ella le hubiese gustado hacer. Parece hasta envidia. Porque ella se quedó, pero no sé si quería quedarse, creo que no le quedó otra. Y eso pasa mucho: están las personas que hacen las cosas porque deben y las que hacen lo que quieren. Y yo no sé qué está bien.

También aparece el tema de las redes, de mostrar felicidad, éxito, perfección…

Ahí hay de todo. Están los que muestran la verdad cruel y tienen un montón de seguidores porque a la gente también le encanta ver sufrir al otro. Y después están los que muestran la vida maravillosa y después te enterás que tienen una vida de mierda. Pero también es lo que uno quiere ver. No solo lo que uno quiere mostrar.

Hoy ves tantas cosas en el teléfono que nos perdemos un poco del vínculo real. Del abrazo, de mirar a los ojos. Yo soy medio pro de eso y me siento un poco avasallada por las redes.

Está buenísimo porque acercó mucho a la gente, pero también hoy tenés a una persona a la vuelta de tu casa y le mandás un mensaje en vez de invitarla a tomar un café. A mí me gusta que vengan a mi casa, tomar un café con leche, mirar a la persona a los ojos y ver si de verdad está bien.

«…A veces llegás y el pueblo parece abandonado porque todos están en la fiesta y yo me voy a recorrer y hay un silencio que te traspasa. Nosotros venimos aceleradísimos y ellos tienen otros tiempos…»

Todos coinciden en algo cuando hablan de vos: que sos natural, espontánea y muy luminosa. Incluso cuando hay tormenta, pareciera que elegís ir por el lado optimista.

Bueno, muchas gracias. Igual el personaje de luz no existe, el personaje de muerte tampoco existe, pero todos tenemos un personaje ante la vida. A mí siempre me importó mucho que el otro esté bien. Siempre me dirigí más al otro que a mí. Y eso también me trajo muchos inconvenientes.

Me costaba mucho decir que no. Era muy de “vengan a casa, tomemos café”. Y hubo un momento que dije “no puedo más”. Me cuesta encontrar los grises, soy medio blanco o negro. Pero siempre traté de pensar que una sonrisa o un “cómo estás” puede cambiarle el día a alguien. Entonces trato de dar buena energía porque creo mucho en eso.

Después llego a mi casa y capaz me quiero quedar tres horas sentada mirando la nada para recuperar energía. Pero trato de ser feliz y si puedo hacer bien al otro, eso también me hace bien a mí.

También hablaste mucho de cómo el trabajo a veces puede opacar el deseo…

Sí. Cuando todo es un juego y un placer es distinto. Pero cuando se convierte en lo que te mantiene, en tu trabajo, ahí cambia. Yo siempre traté de no hacer cosas que no me gustaban. Cuando tenía varias propuestas elegía lo que me gustaba y no lo económico. Nunca pensé tanto en la plata. Pero claro, cuando ya no hay tantas propuestas y necesitás trabajar, la necesidad a veces opaca el deseo.

¿Y cuáles son hoy tus deseos?

Personalmente, ver crecer a mi hija sanamente y verla feliz siempre. Que haga lo que quiera, no importa qué, pero que sea feliz. Y laboralmente me gustaría volver a hacer ficción. Cuando veo un set o imágenes de grabaciones digo “qué lindo”. Extraño eso. Y también me gustaría mucho dirigir. Ya tuve una primera experiencia y me encantó.

Vos conectás rápido con la gente. ¿Eso sentís que también es clave para dirigir?

Sí, porque me gusta mucho el detrás de escena. Hoy todo es tan para afuera… y yo nunca me sentí tan parte de eso. No me gusta la gente lobista. No lo critico, pero yo no puedo. Me gusta conectar con los compañeros, entender qué les pasa, ayudarlos a llegar a un personaje. Eso me encanta.

Y también sos muy anti tecnología…

Completamente. Soy antitecnología. Tengo cosas que ni sé usar. Me compré un teléfono inteligente para no tener que pensar yo todo el tiempo. Y ahora no sé conectar los auriculares inalámbricos. Yo quiero volver al StarTAC.

«…Tengo muchas compañeras que nunca habían hecho teatro y venían haciendo tele sin parar y ahora están haciendo teatro porque no hay laburo…»

Hablando de “Mal repartidas”… si mirás tu vida en retrospectiva, ¿sentís que fuiste bien repartida por la vida?

Sí, completamente. Soy una agradecida. A veces pienso “quizás podría haber tenido más”, pero después veo alrededor y digo “¿de qué te quejás?”. Tengo un techo, comida, tengo a mi hija sana, a mi familia sana, a mi perro viejo pero sano. Entonces no puedo quejarme. A veces me dicen conformista, pero veo tanta necesidad que no puedo desear más.

¿Y la fe cuánto ocupa en tu vida?

Todo. La fe y la energía. Soy muy intuitiva. A veces presiento cuando alguien está mal y digo “guardá tu energía”. Y también me pasa que me alejo de cierta gente. Nunca fui de ir a comer con alguien porque “te conviene”. Yo prefiero ir a tomar un café con alguien que no tiene ni redes sociales.

¿En qué momento sentís que estás hoy como actriz y como persona?

Estoy en un momento muy mamá. Mi personaje favorito hoy es ser mamá. Entonces estoy tratando de acomodar horarios porque mi hija es prioridad. Y tampoco quiero que la críe una niñera.

Obviamente quiero seguir trabajando y que aparezca un proyecto que me devuelva esas ganas de decir “guau”. Que no sea solamente por necesidad sino por deseo. Pero hoy creo que el mejor personaje que me tocó interpretar es ser mamá.

En tiempos de exposición permanente, algoritmos y personajes construidos para las redes, ella insiste con otra lógica. La del encuentro real, la charla larga, el café compartido y las emociones sin demasiados filtros. Quizás por eso Mal repartidas encuentra en ella una intérprete tan cercana. Detrás de los silencios incómodos, de las discusiones familiares y de las cuentas pendientes que propone la obra, aparece también una actriz que todavía se permite dudar y emocionarse. La actriz que parece haber encontrado hoy su papel más importante: el de vivir todo con la misma honestidad con la que lo cuenta.

Licenciado en Psicología y especialista en vínculos, Schujman lleva años trabajando sobre bienestar emocional, relaciones familiares y procesos de transformación personal. Coordinador de la Red Asistencial PSI, conferencista y referente en medios de comunicación, es además autor de títulos como No huyo, solo vuelo. El arte de soltar a los hijos y Con el amor no alcanza, libros donde explora los desafíos emocionales de los vínculos contemporáneos.

Esa conexión íntima con las canciones es el punto de partida de Somos lo que cantamos, el espectáculo que comparte con Maxi Mc Coubrey y que propone un cruce entre psicología, memoria y música en vivo. En escena, las melodías funcionan como disparadores emocionales, pero también como una forma de pensar los vínculos, las épocas y aquello que cada generación canta —y calla— sobre sí misma.

Con sensibilidad, humor y una fuerte participación del público, la propuesta transforma el teatro en una experiencia colectiva donde las canciones dejan de ser solo banda sonora para convertirse en parte de nuestra identidad emocional.

En esta entrevista con RANDOM, Schujman habla sobre la música como refugio y compañía, sobre las huellas afectivas que dejan ciertas canciones y sobre cómo aquello que escuchamos también cuenta quiénes somos.

— “Somos lo que cantamos” parte de una idea muy potente: que nuestras elecciones musicales hablan de nosotros. ¿Qué descubriste sobre vos mismo al llevar esta premisa al escenario?

Redescubrí mi conexión profunda con la música. De mi parte, la idea del espectáculo surgió a partir del recuerdo de mi cumpleaños de siete años, caminando de la mano de mi padre y de mi madre en el viejo Italpark. Cantando la canción de Los Beatles, Say Yes, Say No. Cada vez que pienso en esa canción, vuelvo a vivir ese momento y esa fue, en lo que a mí respecta, la inspiración primordial para empezar a planear este espectáculo junto a Maxi.

«…Los Beatles marcaron una época hermosa, maravillosa. El trap marca otra. Las infancias hoy están atravesadas por contenidos que lejos de educar en la gestión de las emociones provocan una hipererotización compleja y peligrosa…»

— Venís trabajando hace años sobre vínculos y procesos de soltar. ¿Qué rol juega la música en esos momentos donde las palabras a veces no alcanzan?

Sentimos con canciones, sentimos en canciones. La música nos transporta, los momentos de alegría son más alegres si ponemos una canción arriba y a veces podemos salir de un momento de dolor y tristeza con una canción que nos levante el ánimo. La música sana y la música acompaña los momentos más lindos y más difíciles.

En el entierro de mi madre sonó Schubert, un impromptu que mi madre solía tocar en piano. Fue la despedida perfecta de uno de los momentos más difíciles de mi vida.

— En este espectáculo el “consultorio” se vuelve escena. ¿Qué cambia en tu forma de comunicar cuando el público deja de ser oyente y pasa a ser parte activa?

El público en el espectáculo es protagonista y forma parte esencial de la apuesta.

El consultorio se extiende del escenario a la platea. En una comunión hermosa que esperemos que sea memorable para nosotros y para los espectadores.

— Hay algo muy generacional en las canciones que nos marcan. ¿Creés que hoy las nuevas formas de escuchar música modifican también la manera en que sentimos o nos vinculamos?

Las canciones son el reflejo de cada época y sirven para hacer un diagnóstico de cada momento histórico. Somos lo que cantamos hace referencia a los distintos momentos de la vida y los diferentes momentos de la historia. Porque la música también nos sirve de punto de referencia en la impronta de nuestro devenir.

Los Beatles marcaron una época hermosa, maravillosa. El trap marca otra. Las infancias hoy están atravesadas por contenidos que lejos de educar en la gestión de las emociones provocan una hipererotización compleja y peligrosa.

— ¿Hubo alguna canción que, al analizarla desde lo clínico, te haya sorprendido por lo que revela emocionalmente?

Me sorprendió el análisis de I Will Always Love You que canta Whitney Houston y que aparece en un momento del espectáculo. Es una de las canciones menos amorosas que alguien puede imaginarse.

A lo largo de la charla, Alejandro Schujman vuelve siempre al mismo lugar: las canciones como marcas emocionales del tiempo vivido. Algunas acompañan momentos felices. Otras quedan inevitablemente unidas al dolor, a las despedidas, a quienes ya no están. Pero todas, de algún modo, siguen hablando de nosotros.

En Somos lo que cantamos, esa memoria afectiva se vuelve compartida. Lo personal encuentra eco en otros y el escenario se transforma en un espacio donde cada espectador completa la experiencia con su propia historia sonora. Quizás las canciones no solo acompañan la vida. Tal vez también la organizan, la explican y la dejan resonando mucho después de que termina la música.

En las últimas semanas volvió a ocupar el centro de la escena por un motivo profundamente personal: su casamiento con el músico Milton Cámara, luego de doce años de relación. Pero lejos del evento espectacular o del show mediático, la ceremonia tuvo el sello de una pareja que eligió celebrar desde la esencia: árboles, agua, canciones en vivo, amigos, su hija Lupe como protagonista emocional de la unión y hasta Chicha, la perra de la familia, formando parte del ritual.

Fotos del casamiento por Mariano Michkin

En paralelo, Rochi atraviesa también otro renacimiento: el regreso al teatro, una nueva gira nacional y la preparación de un disco que promete ser uno de los trabajos más personales de su carrera. En esta entrevista con RANDOM habla sobre el amor, la maternidad, la actuación, la salud mental, el pasado que la formó y el presente que, por primera vez en mucho tiempo, siente en paz.

Después de una década de relación y un regreso a ese México donde empezó todo, ¿qué sentiste que se confirmó en vos al dar este paso con Milton? Es el broche de oro de esta familia que formaron con Lupe y tanto se merecían?

El sentimiento es como si se me agrandara el corazón. Siento que hemos cumplido una década como decís y dos años más, son 12 en total, pero este año mi hija está cumpliendo 10 años y es como si se cerrara un círculo hermoso que tiene una energía de bendición muy especial. 

Tomando conciencia del camino recorrido, eligiéndonos una vez más, eligiéndonos con nuestras cosas buenas y nuestras cosas malas, porque hemos convivido muchos años, pero es como si se renovara algo de volver a mirar con esos primeros ojos de enamoramiento a la persona que uno elige y se la valora de una manera mucho más profunda.

Sí, es un broche de oro, siento que nos merecíamos esta celebración por nosotros y por toda la gente que nos acompañó a través de los años. Nuestros amigos, nuestras familias estaban todos muy emocionados, agradecidos, celebrando con nosotros y creo que a cada uno nos toca desde un lugar muy especial, así que fue muy único.

El casamiento fue muy íntimo y conectado con la naturaleza y la música. ¿Cuánto de esa celebración representa la mujer que sos hoy?

Sí, el casamiento fue muy íntimo y desde el minuto 1 que decidimos hacerlo con nuestra impronta, con nuestra esencia, con mi identidad también y la de Milton, que tiene que ver con la naturaleza, con los viajes, con la música, con encontrarnos todos en un lugar en donde esté como impreso nuestro sello en cada rincón.

Representa mi camino y la mujer que soy hoy, todo lo que proyecto también con mi familia, estar así rodeada de árboles, de naturaleza. Mi perra formó parte de la ceremonia que también para mí es parte de mi familia, es una integrante más, Chicha, así que era muy especial que ella esté cerca del agua también. Nosotros nos conocimos al lado del mar, entonces también queríamos que haya agua, que esté el sol reflejado en el agua en el momento de la ceremonia y así fue todo la verdad. Había una isla mexicana, porque nos conocimos en México, entonces había comida mexicana, había también un stand de estampas que también muy espectacular, porque todos los dibujos que podía se estampar tenían que ver con nuestra historia, con México, con frases que dicen nuestros amigos, con fotos nuestras hechas dibujo…

Todo fue como muy especial y obviamente también con la música, con las bandas en vivo, con el ritmo, con las palmas, con los invitados que se subían a cantar con nosotros, con las canciones que cantamos, todo fue muy nosotros.

«…Es una frase muy cliché pero no puedo pedir más, estoy muy bien, estoy muy contenta y muy feliz de mi presente. Pensar en un futuro sería imprimir un poco este presente a través de los años…»

En un momento tan importante eligieron compartir la música juntos. ¿Qué lugar ocupa hoy el arte en tu vínculo con Milton?

Mi vida, mi familia, mi hogar, todo está empapado de arte por donde se lo mire. Mi hija también es muy artista, hace baile, tela, gimnasia artística, es que va a un colegio artístico. Tiene orquesta, pintan mucho en el colegio, hacen proyectos desarrollando expresiones corporales en el escenario.

El arte es uno de nuestros sellos más fuertes con Milton. Nos conocimos él con una guitarra en la mano y yo con mi voz, así que obviamente forma algo muy fuerte. También uno cuando se conoce a través del arte el lazo que te une es distinto, es como muy profundo, muy cálido de un idioma que va más allá de las palabras o más allá de la rutina o del día a día.

Hay algo mucho más hermoso, creativo y colorido que forma parte de nuestro día a día y eso hace que tampoco sea tan monótono porque todo el tiempo estamos teniendo proyectos, cosas nuevas, viajes por embarcar. En mi caso también con la actuación, ahora estoy de gira con “El divorcio del año” y él está ahí también acompañando desde lejos, siendo un gran padre para Lupe, estando desde cerca para ella. Es hermoso en ese sentido.

Tu hija tuvo un rol muy especial en la ceremonia. ¿Cómo viviste ese cruce entre tu historia de amor de pareja y tu historia como mamá?

Que interesante esta pregunta, siempre digo que Lupe es la manifestación de amor más grande e importante que tenemos con Milton. Como pareja verla caminando hacia el altar con los anillos como el cierre a nuestra unión de una manera simbólica, era todo como tiene que ser así.

Que sea ella la que los trajo hasta el altar para mí es muy mágico porque a través de los años aprendimos mucho de este camino de construir una pareja sana, que se comunique, que conviva, que genere cierta armonía, respeto hacia el otro, que lo potencie, que lo haga crecer y todo eso viene de la mano de querer ser mejor persona para un hijo.

Me pasa que veo a Lupe y digo bueno qué ejemplo quiero ser para mi hija, qué ejemplo le quiero dar de vínculo sano cuando tenga ella al día de mañana su pareja, entonces todo eso hace que esté completamente relacionado y entrelazado el amor de pareja con el amor de la familia. Y con mi amor como madre hacia ella. También le quiero dejar de recuerdo a ella en su infancia de cómo tratar a la persona que uno elige, de cómo recorrer un camino, de cómo construir un vínculo de amor y que la potencia a ella como persona. Todo tiene que ver.

«…Sí, es un broche de oro, siento que nos merecíamos esta celebración por nosotros y por toda la gente que nos acompañó a través de los años…»

El reencuentro con tus compañeros de Casi Ángeles generó mucha emoción. ¿Cómo dialoga hoy esa etapa tan intensa con tu presente?

Buena pregunta, hoy como tengo como un nivel de sensibilidad y de agradecimiento y de conciencia de lo que es mi vida y mi camino recorrido, cuando miro para atrás y los veo a ellos y veo esa etapa de mi vida en donde también por momentos fue difícil, porque estar en ese nivel de exposición siendo tan chica y todo trajo como también sus trabajos internos e introspectivos, no queda más que agradecer. Y que el motivo de este reencuentro haya sido que me casaba y que ellos hayan dicho ahí voy a estar para vos acompañándote en esta ceremonia íntima para mí hablan muy bien de ellos y de nuestro vínculo.

Valoro mucho que hayan venido y que a través de los años sigamos acompañándonos y sigamos celebrando los logros y los progresos. Esos momentos en donde uno se realiza y poder estar ahí para para celebrarlo es hermoso y eso es como dialogan bien. Hoy me siento en paz y miro para atrás y los veo a ellos y esa etapa y me siento en paz, porque forma parte de mi camino. No sería la misma hoy si todo ese camino no hubiese sido recorrido.

Este año volviste al teatro. ¿Qué te pasó con ese reencuentro con la actuación?

Volver a la actuación me encendió nuevamente, encendió un amor por el escenario, por el proceso de construir un personaje que me desafíe, por querer dar un mensaje y transmitir algo de lo que hoy en día está sucediendo que tiene que ver con la salud mental, las redes sociales en la familia, los vínculos. Todo eso atravesados de cómo el exceso o el abuso de la imagen en la intimidad.

Me puso en un lugar de acción muy espectacular.  Es decir, me encanta volver al teatro y  como sentir de vuelta a esa actriz que soy. Es asumir esa responsabilidad y ese compromiso para con mi profesión y mi vocación. Estoy muy contenta y mis planes en ese sentido, ahora estamos de gira, tenemos una gira larga y vamos a estar recorriendo muchos lugares de nuestro país.

Este fin de semana recorremos tres localidades de la provincia de La Pampa, después tenemos el sur,  muchos lugares de la provincia y también vamos a estar haciendo algunos países limítrofes. Me tiene muy contenta y es un gran proyecto que me va a acompañar hasta un par de meses más.

Una vez que termina esto entro de lleno a producir el disco nuevo que sale el año que viene, ya tengo canciones encaminadas y visualizo ahí un poco el concepto que quiero manejar. Va a ser un disco así súper introspectivo íntimo, con la voz al frente, con pop latino contemporáneo acompañado de instrumentos en vivo. Me tiene muy contenta e entusiasmada todo ese proceso.

«…Hay algo mucho más hermoso, creativo y colorido que forma parte de nuestro día a día y eso hace que tampoco sea tan monótono porque todo el tiempo estamos teniendo proyectos, cosas nuevas, viajes por embarcar…»

Si tuvieras que elegir, ¿qué tipo de historias o personajes te gustaría explorar en esta etapa?

Hace poco hice la serie de Yiya Murano para Flow y me gustó mucho esto del thriller psicológico, que haya suspenso. Me gustaría hacer alguna serie de suspenso y algún personaje que tenga una vuelta de rosca psicológica bastante especial. Me gusta esto de contar algo a través de los gestos y las miradas y no tanto a través del diálogo. Como una construcción que el espectador la perciba pero no termine de entender hacia dónde va. Me gustaría mucho hacer alguna serie así pronto.

Después de un momento tan significativo como este, ¿sentís que estás empezando una nueva etapa?

Siento que es una nueva etapa en mi vida e  intuyo que voy a estar más tranquila sin tanto alboroto mental y más anclada en mi raíz, en mi familia, en mi entorno. En agradecer el trabajo, la abundancia de amor y de salud. Al fin y al cabo eso es lo importante. No hay más que disfrutar el día a día con los seres queridos, cuidarlos y poder dejar un lindo mensaje a la gente que te rodea. Para mí eso es clave.

En mis próximos años me imagino como seguir actuando, seguir compartiendo mucho con mi familia, con Lupe mi hija muy compañeras sacando música, recorriendo el país, recorriendo otros países. Es una frase muy cliché pero no puedo pedir más, estoy muy bien, estoy muy contenta y muy feliz de mi presente. Pensar en un futuro sería imprimir un poco este presente a través de los años.

Quizás ahí esté la verdadera transformación de Rochi Igarzábal. Ya no en aquella chica que creció bajo las luces de un fenómeno televisivo masivo, sino en esta mujer que aprendió a habitar sus propios tiempos. Su casamiento no fue solamente una celebración romántica. Fue también una declaración estética y emocional sobre quién eligió ser. Una artista que encontró en la intimidad una forma de libertad y que, lejos de la nostalgia, parece haber hecho finalmente las paces con todas sus versiones.

Lo que para muchos fue una emergencia artística, para ella fue una prueba íntima. Bailar sin compararse, sostener la presión de una sala expectante y descubrir que estaba lista antes de saberlo. En esta conversación con estilo sereno y precisión emocional, Romina repasa con Random el vértigo de aquellas horas, su formación, la disciplina cotidiana y la certeza silenciosa de quien entiende que el talento también necesita temple.

¿Qué sentiste cuando te dijeron que debías reemplazar a Marianela Núñez en “El lago de los cisnes”?
Fue una mezcla muy intensa. Yo ya estaba feliz porque en esas funciones iba a hacer los dos cisnes grandes, un rol que soñaba desde hacía tiempo. Entonces ya venía viviendo algo importante. Cuando Julio Bocca me llamó y me dijo que “Marianela no iba a venir y si quería hacer sus funciones”, me quedé sin palabras. No dimensioné enseguida lo que significaba, pero le dije que sí. Para mí Marianela es irreemplazable, una figura única, pero entendí que debía asumir ese desafío con responsabilidad.

¿Cómo fue ese momento con Julio Bocca?
Completamente inesperado. Yo estaba libre esa función de domingo y antes de empezar me avisaron que Julio quería hablar conmigo en el intervalo. Pasaron el primer y segundo acto enteros hasta esa reunión, así que imaginate todo lo que pensé en ese tiempo. Desde que me reemplazarían a mí, hasta que me quedaba afuera del cuerpo de baile. Uno suele pensar siempre lo peor. Pero cuando me propuso bailar, se me cruzó toda la vida por la cabeza. Incluso creo que no llegué a agradecerle en ese instante. Lo hice al día siguiente, cuando pude procesarlo.

¿Te sentías preparada para asumir un rol de semejante magnitud?
Sí, y esa fue la clave. Como ya tenía programada una función propia, venía ensayando mucho. Esa semana además habíamos trabajado bastante con el bailarín invitado en el escenario, probando distancias, tiempos y cuestiones técnicas como el declive, que cambia muchísimo. Entonces no fue lanzarme al vacío. Sentía que había trabajo previo y que llegaba con una base sólida. También me ayudó saber que la decisión no fue improvisada, sino pensada entre todos.

…Tuve otra adolescencia, atravesada por la danza. No me arrepiento de nada de lo que decidí. Lo que hago me da mucha felicidad…»

¿Pensabas en estar reemplazando a Marianela o en hacer tu propia versión?
Entendí que no podía pensarlo como una comparación. Si me obsesionaba con hacer lo que hace Marianela, me iba a volver loca y encima iba a ser imposible. Entonces me enfoqué en otra cosa, dar mi mejor versión posible de Odette y Odile. Con mis virtudes, con mis límites y con la experiencia que todavía me falta. Me pareció más honesto y más artístico ser yo misma que intentar imitar algo imposible de imitar.

¿Cómo trabajaste esa dualidad entre Odette y Odile?
Es, sin duda, el gran desafío de la obra. Hacer dos energías completamente distintas. Yo me siento naturalmente más cercana a Odette: vulnerable, frágil, sensible. Tiene una humanidad que me resulta muy propia. Odile, en cambio, sale a engañar, manipular, seducir con seguridad total. Es una fuerza más filosa, más estratégica. La idea es que esa diferencia se vea en el cuerpo, en la mirada, en la calidad del movimiento. Y eso exige mucho.

Hiciste dos funciones. ¿Qué cambió entre la primera y la segunda función?
La primera tenía la energía de lo desconocido. Todo era nuevo y lo iba descubriendo mientras ocurría. En la segunda apareció otro miedo, pensar que la anterior había salido bien y ahora debía igualarla o superarla. Eso también pesa. Entonces cambié el enfoque y me dije: “No es la segunda, es la última vez que podés hacer este rol por ahora”. “Disfrutala más que la primera”. Ese pensamiento me liberó mucho y me permitió vivirla mejor.

La expectativa del público era ver a Marianela. ¿Cómo manejaste ese afuera?
Preferí no entrar en eso. Sabía que había una enorme expectativa por verla a ella, así que elegí concentrarme en lo que yo podía mostrar. No leí comentarios en redes, ni antes ni después, ni siquiera en publicaciones donde se anunciaba su ausencia. Necesitaba preservar la cabeza. Después de la primera función sí me llegaron muchos mensajes lindos por Instagram y me ayudaron mucho para encarar la segunda con más confianza y tranquilidad.

«…Con mis virtudes, con mis límites y con la experiencia que todavía me falta. Me pareció más honesto y más artístico ser yo misma que intentar imitar algo imposible de imitar…»

¿Cómo empezó tu vínculo con la danza?
A los cuatro años, por una compañera de jardín que iba a empezar clases. Yo era hija única, muy tímida, y mis papás pensaron que me haría bien. Al principio no quería ir, me daba vergüenza entrar a un lugar nuevo. Fui igual para acompañar a mi amiga y me encantó. Desde entonces esperaba toda la semana la próxima clase.

¿Qué fue lo que te enamoró del ballet?
Recuerdo mucho una película de Barbie, “Las doce princesas bailarinas”. La veía todo el tiempo y quería ser una de ellas. Me fascinaba la idea de bailar en puntas. Cuando llegó mi primer par fue una fiesta personal. Me las compraron mis padres, las probé en clase y después seguía caminando con ellas por el living de mi casa. Creo que ahí entendí que no era un juego pasajero. Había algo profundo que me llamaba.

¿Cómo siguió tu formación hasta llegar al Colón?
Estuve cinco años en la escuela de Liliana Belfiore y después otros cinco con Maximiliano Guerra, donde tomé clases con distintos maestros. A los trece entré al Instituto Superior de Arte del Colón, ya en tercer año de la carrera. El secundario lo hice a distancia para poder sostener ambas cosas. Fue una etapa de mucha organización, esfuerzo y foco. Todo estaba orientado a bailar, incluso cuando todavía parecía lejano.

¿Tus referentes artísticos de la infancia?
Me gustaba muchísimo Svetlana Zakharova. Después, naturalmente, apareció Marianela Núñez como referencia enorme. También admiré a muchas argentinas como Ludmila Pagliero, y Paloma Herrera. Me atraían no sólo por cómo bailaban, sino por las historias que construyeron. Eran faros. Ver que una artista argentina podía conquistar grandes escenarios también funcionaba como horizonte posible.

«…A veces se habla sólo del cuerpo en esta profesión, pero la cabeza pesa muchísimo. La presión, la autoexigencia, las expectativas…»

¿Cómo es tener a Julio Bocca de director?
Impacta. La primera vez que lo vimos fue fuerte. Julio Bocca en persona, con toda la historia que representa, genera un respeto inmediato. Es exigente, muy detallista y busca siempre lo mejor. Tiene una vara altísima porque él mismo tuvo un nivel extraordinario. Cuando está mirando, una quiere dar más. Pensar que hoy bailo para alguien a quien vi en videos durante años, todavía me resulta algo increíble.

¿Existe la competencia feroz que muestran algunas películas y series de ballet?
-Yo no la viví de ese modo. En el Instituto sí existe cierta competencia lógica porque hay notas, exámenes y cada uno quiere destacarse. Eso genera tensiones. Pero dentro del Ballet del Colón siempre me sentí muy acompañada. Desde que entré en “Giselle”, cuando no sabía ni cómo ubicarme en una fila, hasta ahora. Y cuando estudié por primera vez un rol principal, compañeras con experiencia me ayudaron muchísimo.

¿Cómo es tu disciplina cotidiana fuera del escenario?
Muy enfocada, pero sin fanatismos. Entreno antes de los ensayos para tener energía después, no al revés. Este año sumé pilates tres veces por semana y gimnasio con un compañero otros dos días, siempre pensado para el ballet. Con la comida busco equilibrio. En casa siempre se comió sano y nunca fui de prohibirme todo. Si hay pizza, como. Si quiero chocolate, también. Prefiero balance antes que obsesión.

¿En el nivel de élite en el que te manejás, qué lugar ocupa la salud mental?
El más importante. Empecé terapia con una psicóloga el año pasado y me ayudó mucho, especialmente para atravesar todo lo que implicó “El lago de los cisnes”. A veces se habla sólo del cuerpo en esta profesión, pero la cabeza pesa muchísimo. La presión, la autoexigencia, las expectativas. Tener un espacio para ordenar eso me hizo bien y me dio herramientas para vivir momentos fuertes con más serenidad.

¿Te perdiste cosas de la adolescencia por elegir esta carrera?
Muchas. Hacer el secundario a distancia cambia la experiencia típica. No tuve viaje de egresados ni una rutina escolar convencional. Pero sinceramente no lo viví como una pérdida. Mi mundo estaba en el Instituto, con mis compañeros, cursando todo el día, creciendo juntos entre materias, exámenes y clases. Tuve otra adolescencia, atravesada por la danza. No me arrepiento de nada de lo que decidí. Lo que hago me da mucha felicidad.

¿Qué sueños tenés ahora?
Prefiero no planear demasiado y dejarme sorprender. Hasta ahora mi carrera fue una sorpresa detrás de otra. Claro que tengo deseos. Me encantaría hacer roles que amo, como “Romeo y Julieta”, “La Bayadera” o volver a “El lago de los cisnes” con otra madurez. También conocer escenarios grandes como el Royal, la Ópera de París o La Scala. De chica quería irme al mundo ya. Hoy siento algo distinto. Me gusta estar acá, quiero seguir creciendo acá. Me veo muchos años más en el Teatro Colón.

Con una combinación de reflexión, emoción y humor -entendido no como evasión sino como una forma de reposicionarse frente al dolor- la propuesta invita a escuchar(se) desde otro lugar. A preguntarse qué dicen de nosotros esas canciones que nos acompañan desde siempre. En esta entrevista con RANDOM, Mc Coubrey profundiza en ese vínculo entre música y subjetividad, y en el poder que tiene lo compartido cuando lo íntimo encuentra resonancia en otros.

Maxi es psicólogo clínico especializado en trauma complejo y abuso emocional. Sostiene que la integración entre la ciencia, el vínculo terapéutico, el humor y el arte constituye una vía legítima hacia la salud mental. Es autor, divulgador y docente, y acompaña procesos de comprensión e integración de experiencias complejas. Entre sus publicaciones se destacan El amor después del desamor y Traumalandia.

Tu trabajo está muy ligado al trauma y a las experiencias complejas. ¿Cómo aparece la música como herramienta de acceso o elaboración en ese universo?

La música está ligada a lo humano como una forma de lenguaje anterior, precursora a los signos lingüísticos. Es decir, forma parte de nuestra cultura, de nuestra organización social desde que somos especie. El ritmo, la melodía, la entonación… Está ligada a la memoria entonces, y a una memoria generacional, transgeneracional, intergeneracional. La música tiene que ver con la identidad, la música tiene que ver con los momentos evolutivos de la persona, por lo cual es una vía de acceso directa a esos momentos.

Podríamos decir, una de las formas de acceso a lo inconsciente por la cantidad de elementos que moviliza. Es decir, específicamente en el trauma o en el abuso emocional, la música podría pensarse como forma de comunicar algo o como forma de evitar algo. Es altamente específico e individual, pero que aparece siempre en la terapia como metáfora, como condensación de determinado momento, como ejemplo, como ejercicio.

Por lo menos en mi trabajo, a pesar de que no soy musicoterapeuta, la considero uno de los elementos que puede funcionar de anclaje. En relación al trauma también, ¿no? Tanto para bien como para mal. Puede ser una situación traumática que regrese por medio de la música, lógicamente. Y eso es muy interesante para trabajarlo, o inclusive para evitarlo. Y ver hasta dónde no hay que acercarse o por qué no hay que acercarse. ¿De qué manera se puede desensibilizar eso? Por por cómo lo veamos, desde donde lo veamos, la música, al estar ligada a la memoria, a la identidad y al lenguaje, está presente. Siempre en la psicoterapia, que de alguna manera, o de muchas maneras, trabaja con eso.

“La música es una de las formas de acceso a lo inconsciente por la cantidad de elementos que moviliza.”

El espectáculo propone una experiencia sensible pero también con humor. ¿Qué lugar ocupa el humor cuando se abordan temas emocionalmente profundos?

Tenemos la tendencia a creer que los temas serios hay que abordarlos desde el drama. Pero si tenemos un avistaje y un acercamiento respetuoso a la delicadeza de algunos temas, creo que mirarlos desde la comedia es más proactivo y empuja hacia la irreverencia, la posibilidad de jugar con lo que está estancado y darle una dirección hacia adelante.

De las bellas artes más comunes, el drama y la comedia, me parece que ambas son serias. Pero darle lugar al humor, insisto, a la irreverencia, a la adecuada dosis de ironía, reposiciona frente al dolor. Y además es un mecanismo natural, aún en situaciones muy complejas los humanos recurrimos al humor.

Para aliviar, es una forma de alivio, de relajar las tensiones y de reposicionarnos rápidamente. Es como una catarsis que el sistema nervioso propone, inevitablemente. Y no tiene que ver con algo fácil o sonso o burlón. Son categorías distintas. Eso sería el mal humor, como podría ser también el mal drama, si los pensamos al drama y a la comedia como antagónicos. Así que, así, un llamado a la proactividad que la irreverencia, dentro de la tragedia o dentro de lo inevitable, propone.

¿Qué te interesaba explorar personalmente al aceptar este cruce entre psicología y música en formato teatral?

Me interesaba explorar es salir de mi zona de confort. Y es, si bien yo he hecho, he cantado en otras oportunidades, he tenido bandas, he cantado en coros, esto de hacerlo desde mi rol de psicólogo, el maxi psicólogo, que va a hablar de temas de psicología, pero también va a cantar, permite expandir mi zona de confort y además también, volviéndole irreverencia.

No estamos acostumbrados a pensar en estancos, el deberíamos, si yo soy psicólogo debería ser solemne y serio, no puede ser que debería cantar o usar el humor. Y me parece que hacer un llamado a la plasticidad posible, de hacer las cosas bien, tenemos un director musical, tenemos una directora de escena, tenemos un guion, tuvimos ensayos, ese movimiento que va desde lo establecido a lo no tan convencional, me parece que desafía a la gente, me desafía a mí y además, me motiva a seguir indagando espacios, costados míos que, no sé si que no me animo a ver, pero sí que desconozco.

Así que, creo que tiene que ver con eso, con una nueva forma de comunicación de lo mismo desde otro lugar, saliendo de la comodidad del consultorio, de la comodidad del psicólogo que puede hacer esto que estoy haciendo ahora, hablar de teoría y, qué pasa cuando le pones el cuerpo, cuando cantás, cuando te movés, cuando haces chistes, cuando hay otra dimensión y me parece que eso puede ayudar a la gente a que se lo propongan ellos, una forma de contagio sano.

En escena, lo íntimo se vuelve compartido. ¿Qué te pasa al ver cómo el público se reconoce en canciones o relatos que podrían ser propios?

Lo que pasa con la música, es como te decía, pregunta cuatro, lo que pasa con la música es la identificación directo a la memoria. Yo creo que pasa que con la música o con la intimidad de ciertos temas, nos unimos y somos grupo. Se rompe esto de el que está hablando y el otro que está mirando. Se forma como un diálogo que incluye, que aúna. Me parece que tiene que ver con la identificación grupal, me parece que tiene que ver con el hacer algo juntos. Y cuando eso pasa y está bien intencionado y tiene algo de belleza, es un lugar seguro.

Así que lo que me pasa es que me siento parte de algo más grande que yo. Eso me pasa. Lo mismo me pasa con las experiencias corales o cuando estás viendo una orquesta. Es como que hay una especie de fusión sin perder la conciencia de lo que uno es. Y eso es lo que hace el arte, que me parece fantástico. Pasa también con la conversación terapéutica. Pero en el teatro, cuando tenés la posibilidad de ir mezclando todo, es mucho más interesante tal vez, más intenso tal vez. Eso me pasa.

“Cada canción puede ser refugio… o puede ser algo que todavía no estamos listos para mirar.”

Trabajás mucho con la idea de integrar experiencias. ¿La música puede ser una forma de “ordenar” lo que sentimos cuando todo parece caótico?

La música es una forma de integración. Sí, lo es. La música interviene en lo interoceptivo, lo exteroceptivo. Si uno se empieza a mover. La audición, la memoria emocional. Algunas cuestiones que tienen que ver con lo inconsciente. La música es un ejemplo de integración. Lo mismo pasa con una buena conversación. Lo mismo pasa con un buen texto. Crea silencio. Aúna.

Entonces, me parece que poder tener la intención al menos de que eso funcione y de que eso suceda en una obra de teatro es muchísimo. En terapia, yo no soy musicoterapeuta, pero los ejercicios narrativos que incluyen música o experiencias sensibles, sensoriales, de reconocimiento del tono, de las fluctuaciones del cuerpo, eso es integrar. Es pensar de la cabeza hacia el cuerpo y del cuerpo hacia la cabeza. Así que sí, la música es un elemento privilegiado. El sonido, el ritmo es un elemento privilegiado para eso.

Si tuvieras que pensar en una canción que represente un proceso de sanación, ¿cuál te viene primero a la cabeza? ¿Por dónde puede empezar alguien para usar a las canciones como herramientas de sanacion?

Cada música puede sanar a alguien o cada música puede enfermar a alguien. Depende del momento, de la intención, de lo que metaforice. No sé si hay una canción para sanar. Podría decirte una canción que me sirve a mí o que me sirvió a mí en los momentos en que he tenido que sanar algo y la música ha vuelto.

My Way es una canción que canto en el espectáculo, que es de Sinatra. Y en su momento me sirvió mucho para pensar el fin, la muerte de alguien querido. Y pensar cómo en ese sonido todavía está. Esta abuela tan querida, que le gustaba tanto esta canción. Me viene ahora esto a la mente. Creo que también la canción libre de Nino Bravo, que no la canto en la obra, pero una vez que me separé y pude lograr cantar esa canción después de mucho tiempo. O sea, es altamente individual. Es como la narrativa que uno inaugura, forja para el momento en el que está.

Yo creo que la gente tiene que sentir, si quiere empezar a integrar la música a su vida, y darle tiempo a ese sentimiento y transcurrir la canción. Hay gente en movimiento, hay gente sentada. Pero como forma de meditación, con un propósito, me parece excelente. “El otro lado del río”, pienso también, fue una canción que me sirvió mucho en un momento que estaba dudando de ciertas cosas de mi vida. Pensar esto, creo que he visto una luz al otro lado del río. Entonces, altamente individual. El aprovechamiento individual de la música, tal vez se puede explicar esto y utilizarlo como excusa para sentarnos a meditar y a pensarnos. Tanto de manera individual como grupal.

Pero es altamente individual. No podés decir qué canción puede escuchar alguien para hacerlo. Sí, canciones que lo motiven a mejorarse, a ser una mejor versión de ellos mismos o de ellas mismas. A mí me gustan las canciones que no dan órdenes, ni que son onomatopéyicas, sino que tienen algo de poesía. Si te llega, ahí hay algo de tu historia.

Tus libros tienen una fuerte impronta de comprensión y reparación. ¿La música puede funcionar como una especie de puente entre lo que entendemos racionalmente y lo que todavía duele?

Tanto el amor después del desamor, que si te pones a pensar es la canción de Fito Páez, el amor después del amor, como Traumalandia intervienen directamente en la obra. El amor después del desamor es el disfraz del amor, el desamor, el abuso, la intermitencia disfrazada de te voy a cuidar y me convierto en lo peor que te pasó en la vida.

Hay una parte entera en la que hablamos de desamor y Traumalandia es ese lugar al que somos llevados cuando algo de los recuerdos nos enferma y tenemos que volver a la tierra de ese lugar sombrío, confuso, disonante. Y también está Traumalandia en la obra. Hablamos de trauma, hablo de trauma. Hacemos un ping pong de Alejandro. Así que es una integración de estos dos libros que escribí, sintética, como si fueran pequeñas gotitas, esencia de eso, pero el espíritu está presente en ambos.

¿Qué creés que Alejandro aporta a este espectáculo que lo vuelve único?

Alejandro lo que aporta a la obra es la obra en sí. Creo que ambos somos auténticos en que lo que mostramos es lo que somos. Un poco de teoría, un poco de música, un poco de irreverencia, un poco de solemnidad. El ir más allá de nuestros propios límites, empujarnos a encontrar nuevas versiones de nosotros mismos.

Creo que en eso nos asemejamos. Por eso estamos construyendo una amistad con Ale. Me parece que tiene que ver con eso, con animarnos a eso y a hacerlo juntos. Alejandro aporta es manejo escénico. Alejandro tiene mucho timing en esto, mucho más que yo. Y también aporta, me parece que la claridad de alguien que ya pasó por muchas cosas y que tiene mucha tela cortada y que eso en escena se ve, sobre todo en la manera en la que articula lo que piensa con lo que dice. Coherencia aporta Alejandro. Me parece que a pesar de ser una comedia lo que va a ir a ver la gente es una obra coherente.

Por otro lado, ¿En qué estás trabajando a nivel personal, nuevos libros, conferencias?

Estoy trabajando en un workshop que voy a dar en junio en el Paseo de la Plaza. Inauguro una serie de workshops ahora presenciales, volver a lo presencial, al encuentro, al contacto, que se llama El apego se sana con apego. La necesidad de que lo que se alteró, vulneró o rompió en una relación con otro, se sane, se integre, se recupere en una nueva relación con otro.

Encontrarnos desde un lugar seguro, encontrarnos y validarnos, salir de la confusión, de la disonancia. No se necesita una multitud, pero sí un par de otros significativos que nos den ese espacio. Así que eso, construir, estoy construyendo esto de los workshops, seguramente tengo que presentar el traumalandia ahora en la feria del libro.

Después sigo dando clases, estoy formando colegas, tengo grupos de reflexión, la terapia individual. Me gusta mucho mi trabajo y la verdad que estoy muy acostumbrado a trabajar mucho y lo disfruto, hay veces tengo que aprender a parar, pero bueno, creo que en eso con él estamos en la misma línea, intentando trabajar y frenar también, porque ya, viste, yo estoy en los 50 y él está en los 60 y es una época que ya no nos rinde el cuerpo cuando estábamos en los 30, así que bueno, ahí estamos. Pero con mucha actividad, gracias a Dios y gracias a la gente que sigue confiando en mi trabajo.

A lo largo de la conversación, Mc Coubrey vuelve una y otra vez sobre una idea: la música no es un adorno emocional, es una forma de acceso. A lo que fuimos, a lo que somos, a lo que todavía no terminamos de entender. Pero también es algo más inestable, más vivo. Puede ser refugio o disparador, puente o límite. No hay fórmulas ni canciones universales. Hay historias. Hay momentos. Hay decisiones -conscientes o no- sobre qué escuchar y qué evitar.

En Somos lo que cantamos, esa experiencia deja de ser individual para volverse compartida. Y en ese pasaje, donde lo íntimo encuentra eco en otros, aparece algo que no se puede ensayar del todo: la identificación, el encuentro, lo grupal. Quizás ahí esté la clave. No en encontrar una canción que explique todo, sino en animarse a escuchar qué parte de la propia historia sigue sonando.

Somos los que cantamos estrena el lunes 18 de mayo, 20:30 hs | Paseo La Plaza

La historia de Fr4nz es la de un artista que lleva la música grabada en su código genético. Desde que a los siete años se sentó por primera vez tras una batería, impulsado por una familia donde los vientos y las cuerdas eran parte del paisaje cotidiano, su destino parecía sellado. Criado en una Córdoba donde el cuarteto es ley, supo transformar esa herencia en un “cuarteto pop” con sello propio, una mutación constante que hoy lo encuentra radicado en Buenos Aires trabajando junto a los productores de 3 Música.

Tras el lanzamiento de su ambicioso disco To the Moon, una experiencia funk que presentó a sala llena en el Gorriti Art Center, Fr4nz no se detiene. Ya sea ante 10.000 personas en Santa Rosa de Calamuchita o coordinando campamentos creativos en las sierras para potenciar a nuevos talentos, su filosofía es clara: en la era de los celulares y las redes sociales, la única barrera real es la falta de voluntad para intentarlo.

Es un placer tenerte aquí. Para empezar, contanos un poco sobre tus inicios, ¿Cómo arrancaste en el mundo de la música?

¡Cómo estás! Un placer estar acá. Bueno, arranqué muy pequeñito con la música. Empecé a tocar la batería a los 7 años porque mi familia hacía música en mi casa; entonces me empecé a sentir atraído por eso. Mi papá tocaba la trompeta, mi hermano más grande el saxo y la armónica, y el del medio la guitarra. Había música constante en mi hogar. Seguí practicando instrumentos hasta que tuve mi primera banda y ahí dije: «quiero seguir con esto».

Con una familia así, imagino que las influencias musicales eran muy variadas.

En mi casa se escuchaba de todo un poco. A mi papá le gusta mucho la salsa, pero también escuchábamos música nacional y rock. Mis hermanos escuchaban mucho pop, desde Bruno Mars hasta Queen.

¿Hubo algún momento clave en el que decidiste que querías vivir de la música?

El momento en que decidí que quería vivir de esto fue cuando formé mi banda. Fuimos teloneros de Las Pastillas del Abuelo cuando yo tenía 13 o 14 años. Además, recuerdo haber ido a un concierto en Córdoba cuando era muy chico —no recuerdo si era de Justin Bieber u otros artistas— y al ver a toda esa gente dije: «Wow, es por acá».

El camino del artista no siempre es fácil. ¿Cómo fue tu proceso de formación y cómo ves la escena en tu Córdoba natal?

Ese proceso lleva su tiempo porque vas probando y la música tiene muchos obstáculos. Por suerte me acompañaron mi familia y mis amigos. Creo que lo principal es formarse; yo estudié composición y producción en La Colmena, en Córdoba, y me recibí hace ya dos años. En cuanto a hacer música en Córdoba, depende mucho del género. Yo me dedico más al pop y allá suena mucho el cuarteto. Por eso tengo mis canciones de “cuarteto pop”, para no dejar de hacer algo que represente a mi ciudad y de donde vengo. Antes era más difícil, pero hoy el cuarteto rompió fronteras y Córdoba está en varios lugares del mundo.

Actualmente estás radicado en Buenos Aires, ¿Cómo ha sido ese cambio y cómo influye en tu identidad artística?

Sí, hace casi dos años que estoy viviendo en Buenos Aires armando mi disco con los productores de 3 Música. Siento que es un movimiento muy grande; como dicen algunos: «Dios está en todas partes, pero atiende en Buenos Aires». Hay muchísimos eventos y he aprendido un montón, aunque estoy en constante movimiento yendo y viniendo. Mi género principal es el pop, pero me identifico con diferentes estilos. El “cuarteto pop” que hago no pierde la esencia de Fr4nz; es como una mutación y creo que todos los artistas estamos en constante crecimiento y absorción. Yo compongo mis letras y luego, con los productores, les damos una “vuelta de rosca”. Escribo desde siempre; a veces es frustrante, pero otras veces tengo una inspiración mágica y saco una canción en una tarde. Siempre son historias basadas en hechos reales, cosas que me pasan día a día.

Has tenido la oportunidad de presentarte en escenarios muy importantes en poco tiempo, como el Festival de Villa María o Tecnópolis. ¿Qué recuerdos guardas de esas experiencias?

La música me dio la posibilidad de viajar y conocer gente que ama el arte. He estado en lugares súper grandes como el Festival de Peñas de Villa María en tres instancias, compartiendo con artistas como La Konga, María Becerra, Mau y Ricky, y Sebastián Yatra. También estuve en Tecnópolis. Empezar desde mi casa y llegar a esos lugares es lo más bonito.

Recientemente lanzaste tu disco To the Moon. ¿Cómo fue ese proceso de trabajo y qué buscabas transmitir con este material?

La verdad estoy recontento porque estuvimos trabajando dos años en ese disco hasta que finalmente salió a la luz. To the Moon consta de nueve canciones y, como dice el nombre del último tema, es un viaje hacia la Luna; es una historia donde todo está conectado, incluso con los videos en YouTube. Es un disco de puro pop y funk, con sonidos de los años 80 y sintetizadores de esa época. Antes solía sacar canciones por separado o hice un EP de cuarteto pop, pero este disco realmente muestra mi esencia, lo que soy y cómo me siento cómodo. La gente lo recibió con mucho amor, se bailó un montón y lo presentamos en el Gorriti Art Center en Buenos Aires con muchos invitados.

Después del lanzamiento, contame la experiencia de llevar estas nuevas canciones al vivo.

Estuvimos a full presentando el disco en festivales en Santa Rosa de Calamuchita y también en Córdoba, en la Plaza España, frente a muchísima gente. En Santa Rosa tocamos ante más de 10.000 personas y estuvo espectacular. A veces canto solo y otras con banda, pero lo importante es seguir adelante en este sueño y ver que la gente recibe el género con mucho cariño.

Me enteré de que organizaste un campamento musical en las sierras de Córdoba…

Sí, lo organicé yo con un amigo músico, Ezequiel de Luca. La idea era juntarnos a conectar y crear música de verdad, no solo por redes. Fuimos como 14 artistas, entre ellos Brisa, Lisbeth y Cande DZ. No fue algo lucrativo, sino para crecer juntos en el arte. Hicimos un círculo de amigos muy grande porque todos tenemos el mismo sueño. Ya han salido canciones de otros artistas que nacieron ahí y en mis redes (Fr4nz Music) pueden ver todo lo que trabajamos. Fue una experiencia sanadora donde encontrás respuestas en los demás que quizás en vos no encontrabas.

Después de este primer disco y la experiencia del campamento, ¿hacia dónde va tu camino artístico ahora?

Seguimos a full componiendo y produciendo con 3 Música. Sigo en la línea del pop y el funk, pero pronto van a salir unas canciones reversionadas; son covers de reggaetones viejos o temas de los años 80 hechos a mi onda, con el “sonido Fr4nz”, bien funk para bailarlas.

Para cerrar, ¿Qué mensaje le darías a los chicos que están empezando en la música hoy en día?

Siempre digo que no hay excusas porque hoy todo está al alcance de un celular. Yo arranqué en mi casa con una computadora y escribiendo con la guitarra. A veces es difícil y uno se frustra, pero hay que probar siempre y hacer lo que a uno le gusta. Sigo intentándolo día tras día y no hay nada más placentero que hacer lo que uno ama. ¡Gracias por la buena onda y espero volver pronto para seguir compartiendo música!