El film, protagonizado por Teresita Sánchez, Hugo Ramírez, Enrique Arreola y el debut de Bastian Escobar, retoma una de las obsesiones más persistentes del cine de Eimbcke: los vínculos humanos en estado de fragilidad. Pero esta vez lo hace desde un punto de partida que carga una intensidad particular: la soledad no como paisaje emocional, sino como estructura de vida.

Olga, la protagonista, vive en un enorme conjunto residencial donde el tiempo parece repetirse sin sobresaltos. Su rutina está hecha de hábitos que funcionan como defensa, una forma de sostener un orden íntimo que evita cualquier tipo de fisura. Pero ese equilibrio se quiebra cuando, por necesidad económica, decide alquilar una habitación de su departamento. Lo que parece una decisión práctica abre una grieta mayor: su nuevo inquilino ingresa al espacio con un secreto, la presencia oculta de su hijo de nueve años.

A partir de ahí, Moscas se mueve en un terreno donde lo cotidiano deja de ser neutro. La convivencia forzada transforma el hogar en un espacio inestable, donde la cercanía deja de ser abstracta y se vuelve una experiencia inevitable. Olga no enfrenta un conflicto espectacular, sino algo más silencioso y persistente: la irrupción del otro como forma de desorden emocional.

Pero detrás de esa premisa hay una historia mucho más antigua. En diálogo con la prensa, Eimbcke contó que el origen del proyecto se remonta a hace más de dos décadas, cuando escribió un guion para una serie de televisión a pedido de Alejandro González Iñárritu. El proyecto llegó a una etapa de preproducción, pero nunca se concretó por falta de acuerdos con la televisora, y el material quedó archivado durante años. “Alejandro le gustó el guion, entramos en una preproducción, pero después ya no hubo acuerdos con la televisora y se quedó guardado”, recordó el director. Mucho tiempo después, ya en otro momento de su vida y su carrera, Eimbcke volvió a ese archivo casi por casualidad. “Lo leí y la premisa seguía siendo lo suficientemente fuerte. Le hablé a Alejandro y le dije si la podía usar. Me respondió: ‘Es tuya’”.

Eimbcke vuelve a insistir en otra lógica: la del tiempo lento, la observación paciente y la emoción que no se anuncia. Moscas no propone respuestas cerradas

Ese gesto de reencuentro con el material no solo reactivó el proyecto, sino que también, según el propio director, permitió que la historia encontrara su madurez. Eimbcke reconoce que el paso del tiempo fue determinante para poder abordar ciertos temas que atraviesan la película, especialmente el de la pérdida y la transformación emocional que implica el vínculo con otros.

En ese sentido, Moscas no solo habla de la soledad, sino también de cómo esa soledad se redefine cuando aparece la posibilidad del afecto, incluso cuando esa posibilidad incomoda o desestabiliza. Uno de los elementos centrales del film es su tratamiento visual: el blanco y negro. Lejos de ser una decisión meramente estética, Eimbcke lo concibe como una herramienta emocional. “El blanco y negro capta algo muy esencial en la infancia. Hay algo en la mirada y en la sonrisa de los niños que se vuelve muy especial”, explicó. Esa elección, además, refuerza la sensación de aislamiento del personaje principal, construyendo una especie de coraza visual alrededor de su mundo.

“Fortalecía esa idea de una coraza alrededor del personaje”, señaló el director, aludiendo a cómo la fotografía contribuye a delinear el universo emocional de Olga, donde lo externo parece filtrado, distanciado, casi suspendido. Pero quizás uno de los elementos más reveladores de la película sea el lugar del humor dentro de su estructura. Lejos de entenderlo como un alivio externo, Eimbcke lo incorpora como parte del mecanismo interno del relato. “Vanesa Garnica y yo teníamos un parámetro para saber si una escena funcionaba o no: el humor. Es una muestra de respeto hacia los personajes. Incluso en las situaciones más difíciles, el humor ayuda a atravesarlas”, comentó.

En esa tensión entre lo doloroso y lo leve, Moscas encuentra uno de sus tonos más particulares. No se trata de una película que subraya el drama, sino de una que confía en los matices, en las pequeñas fisuras donde lo humano aparece sin aviso.

El recorrido internacional del film refuerza esa lectura. Tras su paso por la Competencia Oficial de la Berlinale en su 76° edición, su presentación en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara como función inaugural y su presencia en el programa Écrans Juniors del Festival de Cannes, Moscas llega a la cartelera con el respaldo de un circuito que reconoce en ella una sensibilidad particular dentro del cine contemporáneo.

En tiempos donde muchas historias parecen buscar el impacto inmediato, Eimbcke vuelve a insistir en otra lógica: la del tiempo lento, la observación paciente y la emoción que no se anuncia. Moscas no propone respuestas cerradas, sino una pregunta sostenida: qué ocurre cuando lo que más tememos —el vínculo, la cercanía, el otro— finalmente sucede. Y en esa pregunta, que nunca se resuelve del todo, la película encuentra su forma más perdurable.

Uno de los regresos destacados será el de The Hunting Party, que estrenará su segunda temporada el próximo 23 de julio. La serie creada por J.J. Bailey profundiza una premisa que combina thriller criminal y conspiración gubernamental: un grupo de investigadores persigue a algunos de los asesinos más peligrosos de Estados Unidos luego de una fuga masiva desde una prisión secreta.

La figura central vuelve a ser Rebecca «Bex» Henderson, interpretada por Melissa Roxburgh, quien deberá enfrentarse a nuevas revelaciones mientras la trama amplía el misterio alrededor de «El Pozo», la inquietante cárcel clandestina que funciona como núcleo de la historia. El atractivo de la serie no reside únicamente en la captura de criminales, sino en la forma en que utiliza cada caso para expandir una red de secretos que amenaza con alterar todo lo que los protagonistas creen saber.

En otro registro completamente diferente, el 27 de julio regresará St. Denis Medical, la sitcom ambientada en un hospital público de Oregón que encontró una identidad propia dentro del formato mockumentary. Creada por Eric Ledgin y Justin Spitzer, la serie se suma a una tradición de comedias que observan el funcionamiento de instituciones desde una mirada tan absurda como humana.

También estarán disponibles títulos fundamentales como Batman Inicia, Batman: El Caballero de la Noche, The Prestige, El Origen, Interestelar y Tenet

Lejos de las representaciones heroicas tradicionales del personal médico, St. Denis Medical encuentra humor en las limitaciones presupuestarias, en los errores cotidianos y en los vínculos entre trabajadores que intentan sostener el sistema sanitario mientras todo parece desmoronarse a su alrededor. La renovación anticipada para una tercera temporada confirma la buena recepción de una producción que logró conectar con el público gracias a personajes reconocibles y situaciones tan incómodas como divertidas. El cierre de mes estará marcado por el desenlace de la primera temporada de CIA, cuyo episodio final llegará el 29 de julio. El spin-off del universo FBI propone un choque permanente entre dos formas opuestas de entender el trabajo de inteligencia.

Por un lado aparece Colin Glass, interpretado por Tom Ellis, un agente dispuesto a quebrar cualquier regla si eso lo acerca al objetivo. Del otro está Bill Goodman, encarnado por Nick Gehlfuss, representante de una mirada mucho más rígida y protocolar. Esa tensión entre pragmatismo y legalidad atraviesa toda la temporada y desemboca en un episodio final donde la identidad de un infiltrado amenaza con cambiar el destino de la operación. El proyecto lleva además el sello de Dick Wolf, uno de los productores más influyentes de la televisión estadounidense, responsable de construir algunas de las franquicias policiales más exitosas de las últimas décadas.

La presencia de Oppenheimer tiene además un peso particular. La película, convertida en fenómeno global durante 2023, obtuvo siete premios Oscar, incluidos Mejor Película y Mejor Director, consolidando definitivamente a Nolan como una de las voces más importantes del cine moderno.

Quizás la incorporación más seductora para los amantes del cine llegue el 7 de julio con la Colección Christopher Nolan, una selección de ocho películas que permite recorrer la evolución artística de uno de los realizadores más influyentes del siglo XXI. La propuesta funciona casi como una retrospectiva condensada de su filmografía. Desde el rompecabezas narrativo de Memento hasta la monumentalidad histórica de Oppenheimer, la colección ofrece un recorrido por las obsesiones que definieron su carrera: el tiempo, la memoria, la percepción de la realidad y la compleja relación entre conocimiento y poder.

También estarán disponibles títulos fundamentales como Batman Inicia, Batman: El Caballero de la Noche, The Prestige, El Origen, Interestelar y Tenet, obras que muestran cómo Nolan logró algo poco frecuente en el cine contemporáneo: combinar ambición autoral, experimentación narrativa y éxito masivo de audiencia.

Con estrenos que abarcan desde la investigación criminal hasta la sátira hospitalaria y una selección cinematográfica de primer nivel, Universal+ construye una programación de julio que apuesta tanto por las novedades como por la revisita de obras esenciales. Un mes donde conviven asesinos seriales, médicos desbordados, agentes secretos y algunas de las películas más influyentes de las últimas décadas.

La canción funciona como una explosión contenida. Escrita junto a Justin Tranter, Eren Cannata, Daniel Crean, Jason Gill, Amanda «Kiddo» Ibanez y Skyler Stonestreet, combina una producción de impronta pop-rock con una interpretación mucho más vulnerable de lo habitual en Perry. No busca la euforia inmediata sino construir una tensión que termina liberándose en un estribillo donde el fuego deja de ser una amenaza para convertirse en símbolo de transformación.

Esa idea encuentra su mejor traducción en el videoclip. La historia comienza en un hospital, donde la cantante descubre que de su cuerpo emerge una cola de escorpión imposible de controlar. A partir de allí, la narrativa se vuelve cada vez más surrealista: incendios, destrucción, persecuciones y un recorrido que culmina con una escena de bautismo. Lejos de proponer una lectura literal, el video utiliza esas imágenes para representar la convivencia con una parte de uno mismo que durante demasiado tiempo permaneció reprimida.

La elección del escorpión tampoco parece casual. Diversos medios estadounidenses interpretan esa figura como una referencia tanto a la intensidad emocional asociada al signo zodiacal de Perry como a la necesidad de aceptar su costado más incómodo en lugar de seguir ocultándolo. El desenlace, con una imagen de renacimiento, termina reforzando la idea de que el verdadero cambio no llega después de negar la oscuridad, sino de atravesarla.

La propia cantante explicó recientemente que la canción nació después de un período especialmente difícil de su vida. Contó que durante años nunca se permitió sentir enojo y que escribir «Watch It Burn» significó aceptar esa emoción sin caer en el lugar de víctima. Más que alimentar el resentimiento, el objetivo era atravesarlo para seguir adelante.

El entusiasmo de los seguidores también tiene su historia. Desde que el título apareció escondido como un guiño dentro del universo visual de «Bandaids», la canción se convirtió en uno de los lanzamientos más esperados por los fanáticos de Perry, que durante meses especularon sobre cuándo llegaría este segundo capítulo.

En las primeras horas tras el estreno, la recepción fue mayormente positiva. Entre los seguidores y en comunidades dedicadas al pop, muchos destacaron que el sencillo recupera parte de la energía de las grandes producciones que marcaron la carrera de Perry, mientras otros celebraron que la artista haya optado por una narrativa más oscura y menos complaciente que en trabajos recientes.

Con «Watch It Burn», Katy Perry no propone quemarlo todo por impulso. Lo que arde son las máscaras, la necesidad de agradar permanentemente y los silencios acumulados. El incendio, en definitiva, no destruye su identidad: la revela.

La ficción, compuesta por seis episodios, sigue a Lorna y Juliet, dos mujeres que comparten una amistad de años pese a provenir de mundos muy distintos. Lorna es una empresaria que construyó su éxito por mérito propio; Juliet, en cambio, nació rodeada de privilegios. Sus hijas, Grace y Allegra, también son inseparables y crecen dentro de Richford Lake, una exclusiva comunidad donde nada parece estar fuera de lugar. Sin embargo, un escándalo en el prestigioso colegio al que asisten las adolescentes pondrá a prueba amistades, lealtades y secretos que durante años permanecieron ocultos.

Detrás de la serie se encuentra Nicôle Lecky, creadora de Mood, la producción que le valió un premio BAFTA y la consolidó como una de las voces más originales de la ficción británica contemporánea. Para desarrollar esta nueva historia, Lecky se inspiró en las exclusivas urbanizaciones que rodean Londres y en las dinámicas sociales que se esconden detrás de esos espacios aparentemente idílicos. En una entrevista con Radio Times contó que la idea nació después de observar una de estas comunidades y preguntarse quiénes eran realmente las personas que vivían allí. Aquella curiosidad terminó convirtiéndose en una historia sobre privilegio, poder, maternidad y la presión que enfrentan los adolescentes en la era digital.

Uno de los grandes atractivos de Inocencia Salvaje es su elenco. Carmen Ejogo, reconocida por sus trabajos en True Detective y The Penguin, interpreta a Lorna. La actriz aseguró que se sintió atraída por la propuesta porque Lecky aporta «una perspectiva británica fresca y menos explorada» en sus historias. A su lado aparece Eve Best, recordada por millones de espectadores por su papel de la princesa Rhaenys Targaryen en House of the Dragon. La actriz reveló que, tras el éxito de la serie fantástica, buscaba un personaje completamente diferente. «El guion brillantemente oscuro de Nicôle me mantiene siempre alerta, y eso me encanta», señaló durante el anuncio oficial del elenco.

«Quería que fuera una serie sofisticada y visualmente atractiva», explicó la autora durante la promoción. Según Lecky, el proyecto buscó combinar el suspenso con una estética elegante, algo que no siempre es habitual en las producciones dramáticas británicas.

La propia Lecky también destacó el trabajo de ambas intérpretes. «Trabajar con Carmen y Eve es un sueño. Han dado vida a esta historia de una manera muy especial», afirmó cuando comenzó el rodaje de la serie. Aunque el punto de partida es un escándalo protagonizado por adolescentes, la serie evita quedarse en el simple misterio. La creadora utiliza ese conflicto para explorar las relaciones entre madres e hijas, las diferencias de clase, las presiones sociales y la forma en que la tecnología atraviesa la vida cotidiana de las nuevas generaciones. El resultado es un thriller psicológico que dialoga con fenómenos recientes como Big Little Lies, Anatomy of a Scandal o The Perfect Couple, pero desde una mirada profundamente británica.

Con apenas seis episodios, Inocencia Salvaje propone una inmersión en un universo donde la riqueza no alcanza para proteger a nadie de los conflictos humanos. Porque detrás de las fachadas impecables, las amistades perfectas y las familias admiradas por todos, siempre puede existir una verdad mucho más incómoda de lo que parece.

Saldaña regresa en el papel de Joe McNamara, la agente de la CIA que lidera operaciones encubiertas de alto riesgo, mientras que Kidman vuelve a interpretar a Kaitlyn Meade. Ambas actrices también forman parte del equipo de producción ejecutiva de la serie, consolidando un proyecto que desde su estreno se destacó por colocar a mujeres al frente de un género tradicionalmente dominado por figuras masculinas.

Según adelanta la sinopsis oficial, la tercera temporada encontrará a Joe atrapada entre sus responsabilidades profesionales y una vida familiar cada vez más amenazada. Redes clandestinas, agentes extranjeros y traiciones personales convergerán en una trama donde las fronteras entre aliados y enemigos comenzarán a desdibujarse. Bajo la supervisión de Kaitlyn y Byron Westfield (Michael Kelly), la protagonista deberá enfrentarse a una guerra silenciosa que se infiltra en cada aspecto de su existencia.

El teaser deja en claro que la escala de la serie sigue creciendo. Explosiones, operaciones militares, interrogatorios y escenarios internacionales vuelven a formar parte del ADN de Lioness, aunque esta vez el conflicto parece adquirir una dimensión más íntima. Diversos medios especializados coinciden en que la nueva temporada pondrá el foco en el costo emocional del trabajo de Joe y en el impacto que sus decisiones tienen sobre quienes la rodean.

Con el estreno programado para el 2 de agosto, Lioness se prepara para volver al centro de la conversación televisiva con una temporada que promete combinar la intensidad de sus operaciones encubiertas con una exploración más profunda de sus personajes.

Creada y escrita por Taylor Sheridan, uno de los nombres más influyentes de la televisión estadounidense actual gracias a fenómenos como Yellowstone, 1923 y Landman, la serie ha sabido construir una identidad propia dentro de su prolífica producción. Con una combinación de acción militar, espionaje geopolítico y conflictos familiares, Lioness se consolidó como una de las apuestas más sólidas de Paramount+ y una de las ficciones más comentadas del catálogo del servicio.

El elenco vuelve a reunir figuras de peso como Morgan Freeman, Michael Kelly, Laysla De Oliveira, Genesis Rodriguez, Dave Annable, Jill Wagner, LaMonica Garrett, James Jordan, Austin Hébert, Jonah Wharton, Thad Luckinbill, Hannah Love Lanier e Ian Bohen, una de las incorporaciones más recientes de la franquicia.

La expectativa de los fanáticos es alta, especialmente después de una segunda temporada que amplió el alcance de la historia y dejó abiertas múltiples líneas narrativas. Mientras algunos seguidores esperan un regreso al tono más concentrado de la primera entrega, otros celebran la ambición creciente de la propuesta. Lo cierto es que el avance deja una sensación inequívoca: la batalla está lejos de terminar.

Con el estreno programado para el 2 de agosto, Lioness se prepara para volver al centro de la conversación televisiva con una temporada que promete combinar la intensidad de sus operaciones encubiertas con una exploración más profunda de sus personajes. Para quienes quieran ponerse al día antes del regreso, las dos primeras temporadas ya se encuentran disponibles en Paramount+.

Lejos de ser un simple registro de concierto, la producción propone un recorrido por el universo de la banda a través de un formato que combina música en vivo, material de archivo inédito y una mirada retrospectiva sobre más de cuarenta años de historia. Narrada por el propio Jarvis Cocker, la película toma como punto de partida el concierto más grande de la carrera de Pulp, realizado como parte de la gira mundial de MORE, el primer álbum de estudio del grupo en 24 años.

Jennings, reconocido por películas como Sing, Sing 2, Son of Rambow y The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy, aporta una mirada singular al proyecto. Antes de consolidarse como director de cine, desarrolló una destacada carrera en el universo de los videoclips junto a artistas como Blur, Radiohead, Beck, R.E.M., Fatboy Slim y Vampire Weekend. Además, dirigió los espectáculos en vivo de Pulp durante sus giras mundiales de 2023 y 2025, una cercanía que se refleja en el tono íntimo y celebratorio de la película.

Más que una película para fanáticos, PULP: ¿Qué harías por una canción más? funciona como una reflexión sobre la permanencia de la música, el paso del tiempo y la capacidad de ciertas canciones para seguir encontrando nuevos significados décadas después de haber sido creadas.

Inspirado en clásicos del cine musical como Stop Making Sense y The Last Waltz, Jennings construye una experiencia cinematográfica de 90 minutos que alterna la energía del escenario con imágenes de archivo inéditas que recorren las distintas etapas de la banda. El resultado es tanto un documental musical como un retrato de una de las agrupaciones más influyentes de la cultura británica contemporánea.

La narración está a cargo de Jarvis Cocker, fundador de Pulp en 1978 y una de las figuras más carismáticas de la música inglesa de las últimas décadas. Además de su trayectoria artística, Cocker desarrolló una extensa carrera como escritor y comunicador, conduciendo programas para BBC Radio y publicando libros como Mother, Brother, Lover y Good Pop, Bad Pop, donde reflexiona sobre la cultura popular, la creatividad y la memoria.

La película reúne veinte canciones entre clásicos y piezas menos conocidas del repertorio de Pulp, ofreciendo una panorámica de una obra que marcó a varias generaciones. Temas como Common People, Disco 2000 o Babies ayudaron a definir el sonido de los años noventa y consolidaron a la banda como una voz capaz de retratar las aspiraciones, contradicciones y tensiones de la sociedad británica.

Detrás de la producción también aparece otro nombre destacado de la industria audiovisual internacional: Octavia Peissel. La productora franco-estadounidense ha trabajado estrechamente junto a Wes Anderson en títulos como El Gran Hotel Budapest, Isla de Perros, The French Dispatch y Asteroid City, además de impulsar proyectos de cine independiente, animación y documental a través de su compañía Opal Films.

Más que una película para fanáticos, PULP: ¿Qué harías por una canción más? funciona como una reflexión sobre la permanencia de la música, el paso del tiempo y la capacidad de ciertas canciones para seguir encontrando nuevos significados décadas después de haber sido creadas.

Con el lanzamiento de MORE y este nuevo largometraje, Pulp vuelve a ocupar un lugar central en la conversación cultural. La banda que alguna vez retrató a los inadaptados y observó con humor las complejidades de la vida moderna demuestra que todavía tiene mucho para decir, y muchas canciones más para compartir.

El film acaba de concluir su rodaje tras doce semanas de filmación en distintas localidades de la provincia de Buenos Aires y ya se perfila como uno de los estrenos argentinos más importantes de 2027. Basada en hechos reales, la película reconstruye uno de los episodios más significativos y dolorosos de la historia argentina reciente: el surgimiento de las Madres de Plaza de Mayo y la infiltración realizada por Alfredo Astiz en el grupo de familiares que buscaba a sus seres queridos desaparecidos durante la última dictadura militar.

La historia transcurre en 1977 y sigue dos recorridos paralelos que avanzan hacia un inevitable punto de colisión. Por un lado, Alfredo Astiz, conocido como el «Rubio», recibe la misión de infiltrarse en la iglesia de la Santa Cruz para obtener información sobre quienes comenzaban a organizarse contra el terrorismo de Estado. Por otro, Azucena Villaflor transforma la búsqueda desesperada de su hijo en una acción colectiva que dará origen a una de las organizaciones de derechos humanos más influyentes del mundo.

A medida que Astiz gana la confianza de los integrantes del grupo, entre ellos la religiosa francesa Alice Domon, la película expone simultáneamente el nacimiento de una resistencia civil inédita y la maquinaria represiva diseñada para desarticularla. El resultado promete combinar elementos de thriller político, espionaje y drama histórico en una narración atravesada por tensiones humanas, decisiones morales y acontecimientos que marcaron para siempre la vida democrática argentina.

Con su combinación de reconstrucción histórica, espionaje político y drama humano, Villaflor se perfila como una de las producciones argentinas más ambiciosas de los próximos años

Con Villaflor, Santiago Mitre vuelve a abordar uno de los períodos más complejos de la historia argentina después del enorme reconocimiento internacional obtenido con Argentina, 1985. Aquella película, centrada en el Juicio a las Juntas, se convirtió en un fenómeno global, ganó el Globo de Oro a Mejor Película Internacional, obtuvo el Premio Goya y fue nominada al Oscar.

Si en aquella ocasión el foco estaba puesto en la reconstrucción democrática y el proceso judicial contra los responsables del terrorismo de Estado, Villaflor retrocede algunos años para situarse en uno de los momentos más oscuros de la dictadura, cuando familiares de desaparecidos comenzaron a organizarse públicamente pese al miedo, la persecución y la represión.

La nueva producción encuentra a Mitre nuevamente trabajando junto al escritor y guionista Mariano Llinás, con quien comparte la escritura del proyecto. La elección de Verónica Llinás para interpretar a Azucena Villaflor representa uno de los aspectos más destacados de la producción. Reconocida por una extensa trayectoria en cine, televisión y teatro, la actriz asume el desafío de dar vida a una figura clave de la historia argentina cuya valentía se convirtió en símbolo de lucha y resistencia. Frente a ella estará Peter Lanzani, quien interpretará a Alfredo Astiz, uno de los represores más conocidos de la última dictadura. El actor vuelve a trabajar bajo la dirección de Mitre luego de haber integrado el elenco de Argentina, 1985.

La actriz francesa Camille Cottin encarna a Alice Domon, una de las religiosas secuestradas por el grupo de tareas que operó tras la infiltración de Astiz. El elenco se completa con Soledad Villamil, Valeria Lois, Susana Pampin, Vivian El Jaber, Alicia Guerra, Muriel Santa Ana, Paula Ransenberg, Juliana Muras, Mariela Acosta y Azul Lombardía, entre otras intérpretes que darán vida a las mujeres que acompañaron a Villaflor en los primeros pasos de las Madres de Plaza de Mayo.

Basada en hechos reales, la película reconstruye uno de los episodios más significativos y dolorosos de la historia argentina reciente: el surgimiento de las Madres de Plaza de Mayo y la infiltración realizada por Alfredo Astiz en el grupo de familiares

Azucena Villaflor fue una de las fundadoras de Madres de Plaza de Mayo y una de las primeras mujeres en impulsar una estrategia colectiva para exigir información sobre los desaparecidos durante la dictadura. Su decisión de reunirse con otras madres y familiares transformó el dolor individual en una demanda pública que logró trascender fronteras y convertirse en un símbolo internacional de defensa de los derechos humanos.

La película busca recuperar esa historia desde una perspectiva íntima y humana, mostrando cómo una mujer común terminó convirtiéndose en una figura extraordinaria en uno de los contextos más difíciles que atravesó el país.

Villaflor es una producción de La Unión de los Ríos, la compañía fundada por Santiago Mitre, junto a la productora francesa Maneki Films. El rodaje se desarrolló en Buenos Aires, Avellaneda, Berazategui, Lanús, Tres de Febrero, Vicente López, San Isidro, Lomas de Zamora y el Partido de la Costa. La dirección de fotografía está a cargo de Javier Juliá, mientras que el diseño de arte corresponde a Micaela Saiegh. La producción es liderada por Agustina Llambi Campbell, Santiago Mitre y Didar Domehri.

Con su combinación de reconstrucción histórica, espionaje político y drama humano, Villaflor se perfila como una de las producciones argentinas más ambiciosas de los próximos años y una nueva oportunidad para que el cine nacional vuelva a dialogar con el mundo a través de historias profundamente ligadas a su identidad y memoria colectiva.

Jordan Peele venía de la comedia televisiva. Zach Cregger era miembro de un grupo de sketches absurdos. Los hermanos Philippou construyeron su fama haciendo videos delirantes en YouTube. Markiplier pasó años jugando videojuegos de terror frente a una cámara. Curry Barker surgió del ecosistema de creadores digitales donde la comedia, el absurdo y la observación social forman parte del lenguaje cotidiano.

Y sin embargo, todos terminaron encontrando algo profundamente fértil en el terror.

Quizás porque el terror y la comedia nunca estuvieron tan lejos uno del otro como solemos creer.

Jordan Peele y el arte de convertir una observación incómoda en una pesadilla

Lo fascinante de Get Out es que su premisa parece el punto de partida de un sketch humorístico. Un joven afroamericano visita a la familia blanca de su novia y descubre que todos son exageradamente amables, exageradamente progresistas y exageradamente interesados en demostrar lo poco racistas que son.

Es gracioso porque conocemos a esa gente.

Pero Peele entiende algo fundamental: muchas veces las mejores ideas de terror ya existen en forma de chiste. Solo hay que tomarlas en serio.

Por eso Get Out se pregunta qué ocurriría si esa fascinación aparentemente bienintencionada escondiera algo mucho más oscuro. Y la respuesta es una película donde la apropiación cultural termina convertida en apropiación física. El concepto es tan absurdo que parece humorístico. Y tan inteligente que termina siendo aterrador.

Lo mismo ocurre en Us. La idea de enfrentarse a una versión monstruosa de uno mismo podría parecer una metáfora bastante evidente. Pero Peele la convierte en una reflexión sobre clase social, privilegio y resentimiento colectivo. Debajo de la película de dobles hay una pregunta incómoda: ¿cuántas personas deben quedar enterradas para que otros puedan vivir cómodamente?

Y después llegó Nope, posiblemente la más ambiciosa de todas. Una película sobre extraterrestres que en realidad habla de la industria del espectáculo, del consumo compulsivo de imágenes y de la necesidad moderna de convertir cualquier tragedia en contenido. El monstruo de Nope no mata porque sí. Devora espectadores y productores por igual. Es una criatura nacida de nuestra incapacidad para dejar de mirar.

Zach Cregger y el terror de descubrir que el mundo ya estaba roto

Lo de Zach Cregger ya dejó de ser una curiosidad. Después de años siendo “el tipo de los sketches de Whitest Kids U’ Know”, terminó convirtiéndose en uno de los nombres más importantes del terror actual gracias a Barbarian y, sobre todo, Weapons, una película que no solo fue un fenómeno de crítica y taquilla sino que incluso terminó metiéndose en la conversación de los Oscar, algo que históricamente al terror le cuesta horrores conseguir. La película terminó llevándose la estatuilla a Mejor Actriz de Reparto para Amy Madigan, consolidando algo que hace apenas unos años habría parecido absurdo: un excomediante convertido en autor prestigioso de horror.

Y lo interesante es que Weapons sigue trabajando exactamente con las herramientas de un humorista.

Porque Cregger no construye terror a partir de monstruos. Construye terror a partir de información incómoda.

La premisa ya es perturbadora desde el arranque: varios niños desaparecen misteriosamente durante la misma noche en un pequeño pueblo. Pero lo brillante de la película no está en el misterio en sí. Está en cómo cada nueva revelación vuelve el panorama más extraño, más absurdo y más imposible de procesar. Como los mejores sketches, la historia parece avanzar mediante escaladas sucesivas donde cada giro resulta más delirante que el anterior y, sin embargo, todo sigue funcionando dentro de una lógica emocional perfecta.

Por eso Weapons se siente tan contemporánea. La película está atravesada por temas como el trauma colectivo, la manipulación, la paranoia comunitaria y esa sensación cada vez más actual de que nadie entiende realmente qué está pasando, pero todos intentan actuar como si sí.

Talk to Me o cómo filmar una generación entera

Lo que hicieron los hermanos Philippou con Talk to Me fue todavía más impresionante.

Muchos críticos describieron la película como una historia de posesiones. No lo es. Es una película sobre adolescentes contemporáneos.

La mano maldita funciona exactamente igual que una droga recreativa, una aplicación viral o un desafío de TikTok. Los personajes la utilizan por la misma razón que millones de personas publican videos arriesgados en redes sociales: porque quieren experimentar algo intenso y porque quieren ser vistos haciéndolo.

Lo brillante es que la película jamás juzga a sus personajes. Entiende que crecieron en una cultura donde la experiencia no parece completa hasta que alguien la registra.

Por eso Talk to Me se siente tan moderna. No habla de fantasmas. Habla de una generación que convirtió la exposición permanente en una forma de existencia.

Curry Barker y el horror de la gente que no entiende la palabra “no”

El caso de Curry Barker es particularmente interesante porque todavía está ocurriendo en tiempo real. No viene de una escuela de cine prestigiosa ni de un circuito independiente tradicional. Viene de hacer videos con su amigo Cooper Tomlinson para el canal humorístico That’s A Bad Idea, donde mezclaban sketches absurdos, humor incómodo y una energía caótica muy propia de internet.

Y quizás por eso sus películas se sienten tan contemporáneas.

Su primer gran golpe fue Milk & Serial, una película de horror found footage hecha con apenas unos cientos de dólares que comenzó circulando en YouTube como si fuera otro experimento raro de internet. Pero lo fascinante no era el presupuesto. Era la idea. Barker entendió algo que muchísimos directores todavía no terminan de procesar: para una generación criada entre cámaras, streams y contenido permanente, la diferencia entre una broma, una performance y una tragedia empieza a volverse peligrosamente difusa.

Y después llegó Obsession, donde Barker toma otra idea que podría funcionar perfectamente como un sketch de comedia incómoda: un chico solitario desea desesperadamente que la mujer que ama se enamore de él. Es casi el argumento de una comedia romántica mediocre de los años 2000. Solo que Barker hace la pregunta que el cine romántico suele evitar: ¿qué tiene realmente de romántico querer forzar el amor de alguien?

Ahí la película se vuelve mucho más oscura. Lo que comienza como fantasía romántica muta en una historia sobre obsesión, posesión emocional y esa incapacidad profundamente moderna de aceptar que otra persona existe fuera de nuestros deseos. Barker parece obsesionado con un tipo de terror muy específico: el de la gente que no sabe dónde terminan sus sentimientos y dónde empiezan los derechos ajenos.

Markiplier y el miedo después de internet

El caso de Markiplier resulta particularmente interesante porque representa a la primera generación de cineastas formada directamente por internet.

Cuando uno observa proyectos como Iron Lung, entiende rápidamente que no se trata de un creador intentando imitar el cine tradicional. Es alguien que absorbió durante años creepypastas, videojuegos de horror, ARGs, found footage y folklore digital.

Y eso se nota.

Iron Lung trabaja sobre un miedo muy propio del siglo XXI: el aislamiento absoluto dentro de un entorno imposible de comprender. Una cápsula sumergida en un océano de sangre extraterrestre es una imagen que parece surgir directamente de las pesadillas cósmicas que internet lleva dos décadas alimentando.

No es casualidad que tantos espectadores jóvenes conecten con estas propuestas. Fueron educados emocionalmente por este lenguaje.

Con James Norton (Happy Valley) y Nikolaj Coster-Waldau (Game of Thrones) encabezando el elenco, la producción propone mucho más que una reconstrucción medieval: busca sumergirse en la psicología de dos hombres atravesados por la ambición, el miedo y la obsesión por el poder.

A lo largo de ocho episodios, la serie retrata el enfrentamiento entre Harold Godwinson, conde de Wessex, y Guillermo de Normandía, el futuro Guillermo el Conquistador. Lo interesante es que la historia no comienza desde la enemistad, sino desde la cercanía. Ambos fueron aliados antes de convertirse en rivales, y esa relación previa es uno de los elementos que la serie explora con mayor profundidad.

James Norton contó que fue justamente esa dimensión humana lo que lo llevó a involucrarse en el proyecto desde sus primeras etapas. “Mi primera reacción fue: ¿cómo es posible que esta historia nunca haya sido contada así en televisión o cine?”, recordó el actor en una entrevista con Televisual. Para Norton, el conflicto de 1066 no es solamente un capítulo histórico, sino un acontecimiento que moldeó la cultura, la política y hasta las leyes británicas durante siglos.

Lejos de construir héroes perfectos o villanos absolutos, Rey y Conquistador apuesta por personajes llenos de contradicciones. Norton explicó que, durante el desarrollo de la serie, Harold dejó de ser simplemente “un hombre brutal y agresivo” para convertirse en alguien mucho más complejo, especialmente a partir de sus vínculos familiares y emocionales. “La sustancia real siempre aparece en los espacios íntimos”, afirmó el actor.

Ese mismo enfoque atraviesa el personaje de Guillermo de Normandía. Nikolaj Coster-Waldau aseguró que lo más interesante del rol fue descubrir que detrás del guerrero existía un hombre profundamente marcado por el miedo y la necesidad de proteger a su familia. “Una vez que aparece la idea de reclamar la corona inglesa, se vuelve algo obsesivo para él”, explicó. “Tiene que ver con seguridad y protección, con creer que cuanto más poder tenga, más segura estará su familia”.

La serie también evita romantizar la Edad Media. Desde el diseño de producción hasta las escenas de combate, todo busca transmitir una sensación física y realista del período histórico. Barro, sangre, cansancio y violencia aparecen constantemente en pantalla, alejándose del tono elegante y estilizado que suelen tener muchas producciones de época.

“Queríamos que se sintiera crudo”, explicó Norton. “No queríamos un drama histórico prolijo y delicado. Trabajamos muchísimo para que el barro, la sangre, el sudor y las lágrimas se sintieran auténticos”.

Las escenas de batalla fueron entrenadas durante meses junto al coordinador de acción Jon Vidar, con la intención de evitar peleas excesivamente coreografiadas o espectaculares. Según el actor, incluso el peso de las armaduras y la lentitud de los movimientos fueron incorporados para transmitir el agotamiento real de los combates medievales.

Uno de los aspectos más interesantes de Rey y Conquistador aparece justamente fuera del campo de batalla. La serie dedica gran parte de su narrativa a las relaciones personales de Harold y Guillermo, especialmente con Edith y Matilde, sus respectivas esposas. Norton reveló que el proyecto evolucionó hasta convertirse “en la historia de dos parejas” más que solamente en la de dos líderes enfrentados.

Más allá de su ambición visual, la serie encuentra su mayor fortaleza en la manera en que conecta un conflicto de hace casi mil años con tensiones absolutamente contemporáneas.

Ese equilibrio entre intimidad y épica es también lo que Nikolaj Coster-Waldau destacó como el gran diferencial de la serie. “En la superficie parece un mundo muy masculino, de hombres que buscan alcanzar sus objetivos a través de la violencia”, señaló. “Pero era importante no quedarse solamente en eso. Las emociones tenían que sentirse reales”.

La producción, creada por Michael Robert Johnson y dirigida en su episodio inicial por Baltasar Kormákur, combina intrigas políticas, drama familiar y grandes secuencias de acción. El elenco incluye además a Emily Beecham, Clémence Poésy, Geoff Bell, Ingvar Eggert Sigurðsson y Elliot Cowan.

Más allá de su ambición visual, la serie encuentra su mayor fortaleza en la manera en que conecta un conflicto de hace casi mil años con tensiones absolutamente contemporáneas. El deseo de controlar, el miedo a perder el poder y las consecuencias humanas de las decisiones políticas atraviesan cada episodio.

“Es una historia sobre hombres buscando poder y sobre lo peligroso que eso puede ser”, reflexionó Norton. “Vivimos en una época donde ese tema sigue siendo completamente actual”. Quizás por eso Rey y Conquistador logra sentirse cercana incluso mientras retrata castillos, espadas y coronas. Porque debajo de la armadura, lo que realmente muestra son personas tratando desesperadamente de cambiar su destino… aunque para hacerlo deban arrasar con todo a su alrededor. Rey y Conquistador estrena el próximo 2 de junio exclusivamente por Universal+.

Entre dramas históricos, thrillers de ciencia ficción, relatos bélicos y propuestas de terror queer, la selección de MUBI reúne a algunos de los realizadores más prestigiosos del cine actual, además de figuras como Sandra Hüller, Michael Fassbender, Alicia Vikander y Gillian Anderson.

Competencia Oficial

Fatherland

El nuevo largometraje del director polaco Paweł Pawlikowski —responsable de títulos como Ida y Cold War— compite este año por la Palma de Oro. La película sigue la relación entre el escritor ganador del Nobel Thomas Mann y su hija Erika en plena Guerra Fría, mientras atraviesan una Alemania devastada a bordo de un Buick negro. El film cuenta con las actuaciones de Sandra Hüller, Hanns Zischler, August Diehl, Devid Striesow y Anna Madeley, y propone un viaje íntimo y político sobre el exilio, la memoria y el regreso a una patria marcada por las heridas de la guerra.

Sheep in the Box

El japonés Hirokazu Kore-eda, ganador en Cannes con Shoplifters, regresa a la competencia oficial con un drama de ciencia ficción profundamente emocional. Protagonizada por Haruka Ayase, Diego Yamamoto y Nana Seino, la historia sigue a una pareja que decide adoptar un bebé robot humanoide luego de perder a su hijo.

Con su sensibilidad habitual, Kore-eda vuelve a explorar los vínculos familiares y el duelo, aunque esta vez atravesados por una mirada futurista.

Hope

El surcoreano Na Hong-jin presenta un thriller épico de ciencia ficción ambientado en una aldea cercana a la Zona Desmilitarizada entre Corea del Norte y Corea del Sur. Lo que comienza con la sospecha de la aparición de un tigre pronto deriva en un misterio inquietante que altera a toda la comunidad. El elenco incluye a Michael Fassbender, Alicia Vikander, Taylor Russell, Hwang Jung-min y Jung Ho-yeon.

Entre carreteras marcadas por la guerra, robots que intentan reemplazar ausencias y campamentos slasher atravesados por el deseo y el miedo, la selección construye una especie de mapa emocional del cine contemporáneo.

Minotaur

El cineasta ruso Andrey Zvyagintsev vuelve a Cannes con un intenso drama sobre el derrumbe emocional y moral de un empresario atravesado por crisis personales y políticas. Reconocido por películas como Leviathan y Loveless, Zvyagintsev continúa aquí su exploración sobre la culpa, el poder y la desintegración humana.

Coward

El director belga Lukas Dhont, responsable de Close y Girl, presenta un drama ambientado durante la Primera Guerra Mundial. La película sigue a Pierre, un joven soldado que conoce a Francis, un hombre decidido a llevar algo de esperanza a las trincheras montando una obra de teatro para las tropas.

Con una mirada sensible sobre la masculinidad, la fragilidad y la supervivencia emocional, Dhont vuelve a consolidarse como una de las voces más destacadas del cine europeo contemporáneo.

Un Certain Regard

Teenage Sex and Death at Camp Miasma

La realizadora Jane Schoenbrun continúa profundizando su universo de terror queer e identidad trans con una historia que mezcla slasher, deseo y delirio psicológico. Protagonizada por Hannah Einbinder y Gillian Anderson, la película gira alrededor del intento de revivir una decadente franquicia de terror ambientada en el ficticio Camp Miasma.

El film también compite por la Queer Palm y se perfila como una de las propuestas más provocadoras del festival.

Fuera de Competencia

Her Private Hell

El danés Nicolas Winding Refn regresó a Cannes con un thriller ambientado en Tokio que promete una experiencia intensa y excesiva, fiel al estilo visual del director de Drive y The Neon Demon. Protagonizada por Sophie Thatcher, Charles Melton y Havana Rose Liu, la película fue definida como una historia de “brillo, sexo y violencia”, combinando estética hipnótica con una narrativa cargada de tensión y oscuridad.

Lejos de las fórmulas y las certezas, las películas que MUBI presentó en Cannes parecen dialogar entre sí desde un mismo lugar: personajes al borde, mundos fracturados y emociones difíciles de nombrar. Entre carreteras marcadas por la guerra, robots que intentan reemplazar ausencias y campamentos slasher atravesados por el deseo y el miedo, la selección construye una especie de mapa emocional del cine contemporáneo. Uno incómodo, hermoso y profundamente humano.