La imagen de Lionel Messi está inevitablemente asociada a una pelota, una camiseta y un campo de juego. Pero Messi y los gigantes propone correr esa figura de su escenario más conocido para llevarla a otro territorio: el de la fantasía. La nueva serie animada toma algunos de los valores que forman parte del imaginario construido alrededor del futbolista y los convierte en los motores de una aventura para toda una nueva generación de espectadores.

La producción presentó un primer adelanto durante San Diego Comic-Con Málaga, frente a más de 3.000 fanáticos reunidos en el Hall M. Allí, el equipo creativo reveló nuevos elementos de la mitología que atraviesa la serie, sus personajes y el universo visual en el que se desarrollará una historia que no busca reconstruir la vida del capitán argentino, sino imaginar qué podría suceder si aquello que representa Messi se transformara en una aventura fantástica.

Esta vez, Messi aparece como punto de partida para crear un mundo de gigantes, reinos, batallas y aventuras.

El protagonista es Leo, un chico de 12 años que queda atrapado en una realidad alternativa gobernada por gigantes. Para poder regresar a su mundo deberá atravesar distintos desafíos y participar en batallas inspiradas en el fútbol, en las que las tradicionales reglas del deporte se mezclan con elementos propios de un universo de fantasía. En ese camino aparecen poderosas “esferas”, gigantes legendarios y reinos fracturados que deberán ser restaurados.

La premisa adquiere una particularidad cuando Leo descubre que no puede utilizar los poderes que poseen los habitantes de ese mundo para potenciar su juego. En lugar de convertirse en el personaje más poderoso gracias a una habilidad sobrenatural, deberá encontrar la manera de competir utilizando aquello que sí tiene: talento, determinación, capacidad para trabajar con otros y confianza en sus propias posibilidades.

Ahí aparece uno de los puntos más interesantes de la propuesta. Messi y los gigantes no parece plantearse como una biografía animada ni como una simple traslación de la figura del futbolista a un dibujo animado. La serie construye una ficción alrededor de ciertos valores que el nombre Messi lleva asociados y los pone en movimiento dentro de una historia de aventuras. El héroe no gana porque tenga un poder secreto que los demás desconocen: gana porque aprende a utilizar sus propias fortalezas.

La fantasía funciona, entonces, como una extensión del lenguaje deportivo. Los rivales se convierten en gigantes, los partidos adquieren dimensiones épicas y el universo conocido del fútbol se transforma en una mitología en la que cada desafío tiene algo de competencia y algo de aventura. En ese escenario, el recorrido de Leo también funciona como una historia de crecimiento: aprender a superar las dificultades, aceptar los límites propios y entender que el talento individual adquiere otra dimensión cuando se pone al servicio de un equipo.

La producción presentó un primer adelanto durante San Diego Comic-Con Málaga, frente a más de 3.000 fanáticos reunidos en el Hall M.

Detrás de la producción se encuentra un equipo internacional encabezado por Sony Pictures Television, Sony Music Latin Iberia, Sony Music Vision y Atlantis Animation. Lionel Messi Cuccittini y Jorge Messi Pérez (in memoriam) figuran como productores ejecutivos, junto con Kurt Mueller, Bryan Korn, Lacey Stanton, Guy Toubes, Afo Verde, Tom Mackay y Sergi Reitg. La dirección está a cargo de Dan Creteur, mientras que la animación será realizada por Atlantis Animation.

La música también ocupa un lugar importante dentro de este universo. El adelanto presentado en Málaga permitió conocer “Vamos, Vamos, Vamos”, una canción original interpretada por Luck Ra. El cordobés aporta así su voz a una producción que busca combinar el imaginario futbolístico de Messi con una identidad musical contemporánea y latinoamericana.

La participación de Luck Ra llega, además, en un momento de expansión internacional para el artista, que viene llevando el cuarteto a nuevos públicos y recientemente volvió a trabajar sobre clásicos de la música latina junto a Thalía en “A quién le importa (Cuarteto)”. En Messi y los gigantes, su participación aparece vinculada directamente a la construcción sonora de la serie y suma una nueva conexión entre la cultura popular argentina y una producción pensada para circular globalmente.

El personaje de Leo tendrá la voz del actor argentino Milo Burgess-Webb. A partir de allí, la serie construirá un protagonista que no es exactamente Lionel Messi, pero que tampoco puede separarse por completo del imaginario que lo rodea. Es, en definitiva, una versión ficcional de aquello que representa su figura: alguien que entra en un territorio donde parece estar en desventaja y debe encontrar en su propio talento las herramientas para avanzar.

Con estreno global previsto para 2027 en Disney+, Messi y los gigantes buscará llevar el nombre del futbolista a un territorio diferente al de las transmisiones, los estadios y las camisetas. Esta vez, Messi aparece como punto de partida para crear un mundo de gigantes, reinos, batallas y aventuras. Una cancha convertida en territorio fantástico y un chico que, para volver a casa, deberá descubrir que su mayor poder quizá sea confiar en aquello que ya sabe hacer.

Misisipi, 1966. El movimiento por los derechos civiles atraviesa uno de sus momentos más tensos y la violencia del Ku Klux Klan forma parte de la vida cotidiana. En ese escenario, un agente afroamericano del FBI recién llegado a la oficina de Jackson se encuentra con una institución que lo acepta apenas en los papeles y con una investigación que lo llevará a trabajar junto a un hombre que representa exactamente lo contrario de aquello que pretende defender: un sicario de la mafia convertido en informante secreto del Gobierno federal.

Ese punto de partida es el corazón de A cualquier precio, thriller histórico dirigido por Elegance Bratton y protagonizado por Yahya Abdul-Mateen II y Mark Wahlberg. Inspirada en hechos reales, la película reconstruye la investigación alrededor del asesinato del activista por los derechos civiles Vernon Dahmer y utiliza ese crimen como puerta de entrada a un territorio donde las fronteras entre justicia, violencia, poder y complicidad institucional comienzan a desdibujarse.

La historia tiene además un origen particular. En 2018, el productor Alex Lebovici adquirió el guion CI-34, incluido en la Black List y escrito por Sascha Penn, después de encontrar en él una combinación poco habitual de historia de los derechos civiles, crimen real e intriga mafiosa. Durante los años siguientes, el proyecto atravesó distintos obstáculos, entre ellos la muerte de Chadwick Boseman, quien originalmente iba a protagonizarlo, la pandemia y las huelgas que paralizaron buena parte de la industria cinematográfica. Finalmente, en 2023, Bratton se incorporó como director y, poco después, Mark Wahlberg se sumó como protagonista y productor.

Wayne Strider, interpretado por Yahya Abdul-Mateen II, es un agente afroamericano del FBI nacido en Misisipi que regresa a su tierra convencido de que el país no podrá avanzar mientras el Sur continúe atrapado en el racismo. Pero su llegada a la agencia no significa necesariamente que encuentre allí un espacio de igualdad. Junto con otros agentes afroamericanos, es relegado a tareas de archivo y marginado de las investigaciones importantes.

Yahya Abdul-Mateen II interpreta a Wayne Strider, mientras que Mark Wahlberg asume el papel de Greg Scarpa y también participa como productor.

La situación cambia cuando Vernon Dahmer es asesinado después de que miembros del Ku Klux Klan incendien su casa. Dahmer era un próspero terrateniente, dirigente de la NAACP y una figura central de la comunidad afroamericana de Hattiesburg. Había ofrecido públicamente pagar el impuesto electoral de aquellos ciudadanos negros que no pudieran afrontarlo, convirtiéndose así en un objetivo directo del Klan.

Para avanzar en una investigación que parece condenada al silencio, el FBI decide recurrir a Greg Scarpa, un hombre de la mafia que durante años había trabajado como informante clandestino de la agencia. Scarpa llega desde Nueva York con métodos que están muy lejos de los procedimientos policiales convencionales. Tortura, intimidación y violencia son sus herramientas para obtener información.

Wayne termina convirtiéndose en su contacto dentro de la investigación. Allí aparece la tensión fundamental de la película: mientras uno intenta encontrar justicia dentro de un sistema que también lo discrimina, el otro opera completamente fuera de la ley, aunque lo hace con la protección tácita de ese mismo sistema. El FBI conoce sus métodos y, al mismo tiempo, mantiene una distancia suficiente para poder negar oficialmente cualquier responsabilidad.

La dupla funciona entonces como una especie de espejo deformado. Wayne representa la posibilidad de transformar una institución desde adentro; Scarpa, en cambio, encarna la utilización de la violencia como instrumento de poder. Pero a medida que avanza la investigación, ambos terminan entrando en una zona donde las certezas iniciales dejan de ser tan claras.

El asesinato de Vernon Dahmer

La película comienza a construir su conflicto alrededor de un episodio ocurrido en enero de 1966. Después de escuchar por radio las declaraciones de Dahmer sobre el derecho al voto, Sam Bowers, Mago Imperial de los Caballeros Blancos del Ku Klux Klan, ordena lo que dentro de la organización es considerado un nivel máximo de violencia.

Durante la madrugada, integrantes del Klan atacan la vivienda de Dahmer con bombas incendiarias. Mientras intenta garantizar que su familia pueda escapar, el activista enfrenta a los atacantes y sufre graves quemaduras. Muere al día siguiente en un hospital. Ese crimen desencadena una investigación en una comunidad paralizada por el miedo. Nadie quiere hablar. Los testigos temen las represalias y la investigación amenaza con quedar atrapada en el mismo silencio que durante años permitió actuar al Klan.

Es en ese momento cuando la película incorpora su elemento más singular: la historia de los derechos civiles comienza a convivir con una trama de espionaje, crimen organizado y operaciones clandestinas del Gobierno. La investigación de Wayne y Scarpa los lleva hacia propietarios de armerías, testigos que se niegan a colaborar y miembros del Klan cada vez más cercados. El contraste entre los métodos de ambos se vuelve progresivamente más difícil de sostener.

Inspirada en hechos reales, la película reconstruye la investigación alrededor del asesinato del activista por los derechos civiles Vernon Dahmer

En uno de los momentos centrales de la historia, los investigadores interrogan a dos integrantes del Klan en un centro de detención secreto. Cuando uno de ellos revela que la organización también había atacado y asesinado a una persona cercana a Wayne, el agente pierde el control. Toma el arma de Scarpa y mata a uno de los detenidos.

El hecho transforma al personaje. Wayne consigue información decisiva para la investigación, pero el precio es haber cruzado una frontera que hasta entonces parecía imposible de atravesar. El otro detenido termina firmando una confesión de veintidós páginas en la que involucra a catorce personas en el asesinato de Dahmer.

Ese episodio resume buena parte de la tensión que propone A cualquier precio: ¿qué sucede cuando una causa justa comienza a utilizar las mismas herramientas de violencia que combate?

La película no construye la respuesta desde una oposición sencilla entre buenos y malos. Su escenario es mucho más incómodo. El FBI necesita a un criminal para avanzar en una investigación sobre crímenes raciales; un agente que representa a una comunidad históricamente perseguida debe trabajar con ese criminal; y una institución que oficialmente combate la violencia tolera métodos que jamás podría reconocer públicamente.

Una historia construida junto a sus protagonistas reales

El equipo de producción buscó mantener un vínculo estrecho con las familias de las personas representadas en la película. Greg Scarpa Jr. estuvo presente durante todo el rodaje y asesoró directamente a Wahlberg y Bratton en la construcción del personaje de su padre. También participaron Linda Scarpa, hija de Greg, y Linda Schiro, pareja de larga data de Scarpa y madre de Linda.

La familia de Vernon Dahmer también aportó información durante el desarrollo. Ellie Dahmer y Bettie Dahmer, esposa e hija del activista, estuvieron presentes durante la filmación de la escena que recrea el ataque incendiario contra la casa familiar ocurrido el 10 de enero de 1966.

Para Greg Scarpa Jr., ese proceso tuvo además una dimensión personal. Después de décadas de prisión, pudo observar cómo el cine reconstruía la figura de su padre. Según sus palabras, hubo momentos durante la película en los que se le llenaron los ojos de lágrimas al reconocer a su padre en la interpretación de Mark Wahlberg.

Wahlberg, por su parte, pasó tiempo junto a Scarpa Jr. como parte de la preparación para el papel, buscando conocer de primera mano la vida y las contradicciones del hombre que debía interpretar. La construcción del personaje se apoyó así no solamente en la investigación histórica sino también en el testimonio de alguien que lo conoció desde una perspectiva íntima.

Para Bratton, la película representa una continuación de algunas de las preocupaciones que atraviesan su cine: identidad, justicia, pertenencia y las tensiones que aparecen cuando las instituciones se enfrentan con las personas a las que deberían proteger.

El director llegó al proyecto después de The Inspection, su largometraje anterior para A24, una película autobiográfica que exploraba la experiencia de un joven sin hogar que se incorpora al Cuerpo de Marines en busca de aceptación. Su filmografía también incluye el documental Pier Kids y el documental Move Ya Body: The Birth of House, además de su trabajo en la serie My House.

En A cualquier precio, esa mirada se encuentra con un thriller policial y con una historia atravesada por hechos históricos concretos. Bratton busca que el público no observe los derechos civiles como una batalla cerrada perteneciente exclusivamente al pasado, sino como una conquista que requiere atención permanente.

La película se rodó en Atlanta, Georgia, utilizando sus localizaciones, infraestructura y base de producción para recrear el Misisipi de los años sesenta. Yahya Abdul-Mateen II interpreta a Wayne Strider, mientras que Mark Wahlberg asume el papel de Greg Scarpa y también participa como productor.

El resultado propone una combinación poco frecuente dentro del cine histórico: un relato sobre los derechos civiles contado desde las entrañas de un thriller criminal. Una historia en la que la mafia y el Estado terminan compartiendo una misma investigación y donde la pregunta no pasa solamente por descubrir quién cometió un crimen, sino por entender hasta dónde están dispuestos a llegar aquellos que dicen perseguirlo. En A cualquier precio, la justicia no aparece como un territorio limpio. Es, precisamente, el lugar donde todos los personajes tienen que decidir cuánto están dispuestos a perder para conseguirla.

Luis Zahera construyó buena parte de su identidad frente a las cámaras interpretando personajes difíciles de olvidar. Hombres violentos, incómodos, marginales, personajes atravesados por la oscuridad y capaces de imponer su presencia incluso antes de pronunciar una palabra. Su trabajo en películas como El Reino, As Bestas y Celda 211, además de series como Vivir sin permiso o Entrevías, terminó convirtiendo esa intensidad en una de sus principales marcas como actor.

Pero hay otra versión de Zahera que también lleva años sobre los escenarios. Una mucho más personal, descontracturada y dispuesta a convertir su propia historia en materia prima para el humor. Esa es la que llega ahora a la Argentina con Chungo, el unipersonal que nació en 2008 y que, después de recorrer bares, teatros y distintos escenarios de España, fue creciendo hasta convertirse en un espectáculo con recorrido internacional.

La propuesta parte de una operación sencilla, aunque no necesariamente fácil: dejar de interpretar a otro para ponerse a sí mismo en el centro de la escena. Zahera toma episodios de su infancia, recuerdos familiares, experiencias profesionales y situaciones de su vida cotidiana para construir un relato en el que la autobiografía y la comedia se mezclan permanentemente. Él mismo lo resumió de una manera particularmente gráfica al definir Chungo como “Luis Zahera poniendo en ridículo a Luis Zahera”.

La frase permite entender buena parte del espíritu del espectáculo. El actor no intenta escapar de la imagen que construyó durante años, sino jugar con ella. Ese hombre de mirada dura que tantas veces apareció en la pantalla se transforma sobre el escenario en alguien capaz de reírse de sus propias contradicciones, de sus fracasos, de sus recuerdos y también de aquello que alguna vez pudo resultar incómodo.

DE LOS PERSONAJES OSCUROS A LA PROPIA HISTORIA

La trayectoria de Zahera tiene algo de inesperado. Nacido en Santiago de Compostela, comenzó su recorrido artístico en el teatro y atravesó distintos trabajos antes de conseguir el reconocimiento que finalmente llegaría con el cine y la televisión. Durante años trabajó para abrirse camino en una profesión en la que, como él mismo ha contado en diferentes entrevistas, el éxito no apareció precisamente de manera inmediata.

Su carrera terminó encontrando un lugar muy particular. Mientras otros intérpretes podían aspirar a convertirse en protagonistas románticos o héroes de ficción, Zahera fue construyendo una identidad ligada a personajes de fuerte carácter. Él mismo ha contado con humor que alguna vez imaginó que podía terminar siendo un galán, pero la profesión tomó otro camino. Y ese camino, paradójicamente, terminó convirtiéndose en una de las características más reconocibles de su carrera.

La llegada de Chungo a la Argentina permite entonces conocer una faceta diferente de uno de los intérpretes más reconocidos del audiovisual español.

El reconocimiento llegó con fuerza. Ganó el Premio Goya a Mejor Actor de Reparto por El Reino en 2019 y volvió a recibirlo por As Bestas en 2023, además de sumar otros reconocimientos y una extensa trayectoria en cine y televisión. Sin embargo, el teatro permaneció como un territorio propio, un espacio donde la relación con el público es inmediata y donde cada función sucede una sola vez.

Esa dimensión de lo irrepetible ocupa un lugar central en su manera de entender las tablas. Zahera ha señalado en entrevistas que no hay nada comparable al teatro porque allí no existen cortes ni posibilidad de repetir una escena: actor y espectadores comparten un momento que desaparece cuando termina la función. En Chungo, esa relación directa adquiere todavía más importancia porque el público no solamente observa a un personaje, sino que se encuentra con el propio Zahera. Y allí aparecen las historias familiares.

Una parte importante del espectáculo está construida a partir de recuerdos de su infancia y de anécdotas vinculadas con su familia, muchas de ellas relacionadas con su madre. Zahera ha contado que algunas de esas historias se repetían una y otra vez en las reuniones familiares y que, con el tiempo, terminaron encontrando una segunda vida sobre el escenario. Lo cotidiano, aquello que parecía destinado a quedar encerrado en el ámbito privado, se convierte así en relato y después en comedia.

Ese procedimiento explica también por qué Chungo funciona como algo más que un monólogo de humor. Detrás de las risas aparece un ejercicio de memoria: recuperar quién fue antes de convertirse en el actor que el público reconoce, revisar las experiencias que lo acompañaron durante su carrera y observar con cierta distancia a ese hombre que alguna vez tuvo que atravesar trabajos, frustraciones y esperas antes de encontrar su lugar.

EL HUMOR COMO OTRA FORMA DE MOSTRARSE

Hay algo particularmente interesante en que un actor asociado tantas veces con personajes oscuros decida construir un espectáculo alrededor de sí mismo. En el cine, Zahera puede desaparecer detrás de un personaje; puede transformarse en otra persona, adoptar otra voz, otra historia y otra manera de mirar. En Chungo, en cambio, no existe ese refugio. El material es él mismo.

Y justamente por eso el humor se vuelve una herramienta de exposición. Zahera se permite contar aquello que probablemente no entraría en una biografía convencional y convertirlo en una historia para compartir con el público. El espectáculo juega con sus propias inseguridades, con sus experiencias profesionales, con su familia y con la imagen que los espectadores tienen de él.

El resultado es una versión del actor mucho más cercana a la que suele aparecer en pantalla. No porque desaparezca la intensidad que caracteriza su trabajo, sino porque cambia el modo de utilizarla. En lugar de construir tensión, construye complicidad. En lugar de interpretar una vida ajena, revisa la propia. Y en lugar de esconderse detrás de un personaje, acepta ser el protagonista de sus propias historias.

Zahera ha señalado en entrevistas que no hay nada comparable al teatro porque allí no existen cortes ni posibilidad de repetir una escena

La llegada de Chungo a la Argentina permite entonces conocer una faceta diferente de uno de los intérpretes más reconocidos del audiovisual español. La gira tendrá funciones en Buenos Aires, Mar del Plata, Rosario y Córdoba, como parte de un recorrido internacional que también incluye Chile, Uruguay, Perú, México y Colombia.

En Buenos Aires, Zahera se presentará en el Teatro Astral durante enero, con nueve funciones los días 15, 16, 17, 22, 23, 24, 29, 30 y 31. Luego continuará en el Teatro Neptuno de Mar del Plata, el 18 y 25 de enero; llegará al Teatro Astengo de Rosario el 5 de febrero y cerrará su recorrido argentino el 7 de febrero en Espacio Quality, en Córdoba.

Durante aproximadamente 90 minutos, Chungo propone humor, improvisación y una conversación permanente con el público. Pero también propone algo menos evidente: mirar al actor que tantas veces interpretó personajes difíciles desde un lugar completamente diferente.

Porque quizás el verdadero desafío para alguien acostumbrado a ponerse en la piel de otros no sea interpretar un nuevo personaje, sino animarse a subir al escenario sin ninguno. Luis Zahera lo hace riéndose de sí mismo. Y esta vez, el personaje más “chungo” de todos es él.

La historia entre Maluma y Shakira no empezó ayer. Antes de que la industria convirtiera cada colaboración entre dos estrellas globales en un acontecimiento, ellos ya habían encontrado una química particular en canciones como “Chantaje”, “Trap” y “Clandestino”. Ahora vuelven a compartir estudio en “Agua”, un merengue sensual que recupera aquella complicidad y la lleva hacia otro territorio sonoro.

El título funciona casi como una pequeña provocación. El agua aparece como necesidad, pero también como contraste: cuando los dos están juntos, esa calma aparente termina transformándose en fuego. La canción se construye alrededor de esa tensión, entre el coqueteo, el deseo y una energía tropical que sostiene el pulso de principio a fin. La producción contemporánea no intenta borrar la identidad de ninguno de los dos; por el contrario, encuentra el punto de encuentro entre sus universos.

Para Maluma, el lanzamiento llega en una etapa particularmente activa de su carrera. En las últimas semanas volvió a quedar asociado a colaboraciones de enorme alcance internacional y ahora suma nuevamente a Shakira a una trayectoria compartida que comenzó cuando su carrera global todavía estaba en expansión. La propia relación artística entre ambos atravesó distintas etapas y formatos, incluyendo también “La Bicicleta”, junto a Carlos Vives.

Pero “Agua” no busca vivir únicamente de la memoria. Dentro de Loco X Volver, el tema ocupa un lugar diferente y amplía el mapa musical del proyecto. Hay una intención de movimiento permanente: el ritmo, la sensualidad y una estética visual en la que el agua se convierte en protagonista terminan de construir el concepto.

Es un nuevo single pensado para el presente, con un merengue que invita al movimiento, pero también es la continuación de una sociedad que el público reconoce desde hace años.

El videoclip fue dirigido por Hannah Lux Davis, realizadora reconocida por su trabajo dentro del pop internacional. Reflejos, superficies líquidas, brillo, movimiento y baile construyen un escenario donde el agua funciona como hilo conductor y también como elemento visual para reforzar la tensión entre ambos artistas.

La reunión también tiene algo de continuidad. Shakira fue una de las primeras figuras internacionales que acompañó el crecimiento de Maluma y aquella alianza inicial terminó convirtiéndose en una sociedad musical reconocible. Ahora, varios años después, “Agua” funciona como otro capítulo de esa historia, pero desde un lugar diferente: dos artistas con trayectorias consolidadas que ya no necesitan demostrar que pueden encontrarse, sino decidir qué hacer con todo lo construido.

En ese sentido, el lanzamiento dialoga con la etapa actual de Maluma. Su carrera atraviesa una búsqueda de mayor coherencia conceptual, en la que la música convive con una narrativa cultural que reivindica sus raíces colombianas y con una mirada cada vez más amplia sobre su lugar dentro de la cultura pop latinoamericana.

Shakira llega, por su parte, con una trayectoria que sigue expandiéndose a escala global. Su recorrido reciente estuvo marcado por Las Mujeres Ya No Lloran, álbum que profundizó una etapa de transformación personal y artística, además de una gira mundial de estadios que rompió récords de convocatoria.

Por eso “Agua” funciona en dos niveles. Es un nuevo single pensado para el presente, con un merengue que invita al movimiento, pero también es la continuación de una sociedad que el público reconoce desde hace años. Maluma y Shakira vuelven a encontrarse, esta vez rodeados de agua, luces y baile. Y, como sugiere la canción, la cuestión nunca fue realmente mantenerse a salvo del fuego.

El cine también puede ser una forma de encuentro. Con esa idea como punto de partida, la Universidad de Buenos Aires prepara la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UBA (FIC.UBA), que se realizará del 30 de septiembre al 7 de octubre en distintos espacios de la ciudad. Durante ocho días, el festival reunirá películas argentinas e internacionales, competencias, estrenos, retrospectivas, homenajes, focos y actividades de formación, con una característica que atraviesa toda la programación: todas las actividades serán con entrada libre y gratuita.

La apertura estará a cargo de La libertad doble, la nueva película de Lisandro Alonso y continuación de La libertad, una de las obras vinculadas al Nuevo Cine Argentino y ópera prima del director. Protagonizada nuevamente por el hachero Misael Saavedra y filmada en un ámbito rural, tendrá su proyección el miércoles 30 de septiembre en el Cine Cosmos. Alonso también ofrecerá un seminario al día siguiente, a las 15:30, en el Aula Magna de FADU-UBA.

Los nombres propios de una edición internacional

La programación del FIC.UBA 2026 tiene una fuerte presencia de figuras centrales del cine argentino. Lita Stantic, directora y productora vinculada a películas fundamentales como Camila, La ciénaga, Mundo Grúa y Un oso rojo, y el director de fotografía Félix “Chango” Monti, responsable de la fotografía de títulos como La historia oficial, El secreto de sus ojos y El exilio de Gardel, recibirán el título de Doctor Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires. La ceremonia será el jueves 1 de octubre.

En el plano internacional, el homenaje tendrá como protagonista a Léos Carax. El cineasta francés, responsable de películas como Los amantes del Pont Neuf, Pola X y Holy Motors, y ganador del premio a Mejor Director en Cannes por Annette, llegará a Buenos Aires para participar de un encuentro con el público el lunes 5 de octubre a las 19:30.

Con esa perspectiva, el FIC.UBA 2026 propone ocho días en los que conviven la memoria del cine, los grandes nombres de la cinematografía internacional, el presente de la producción argentina y las películas de quienes todavía están construyendo su primera parte de la historia.

Otro de los focos destacados estará dedicado a Yasujirō Ozu, con una selección que incluye Buenos días, El sabor del sake, El sabor del té verde con arroz, Hierbas flotantes y Primavera temprana.

El festival también realizará un homenaje a Lucas Vignale, director argentino de 28 años fallecido inesperadamente en junio pasado. Vignale había trabajado en proyectos audiovisuales para artistas como Bizarrap, Duki, Nicki Nicole, Milo J, J Balvin, Trueno, Nathy Peluso y Wos. Su película póstuma, El tren fluvial, codirigida junto a Lorenzo Ferro, tuvo su premiere mundial en la última edición de la Berlinale.

La competencia internacional se completa con una selección de películas recientes de realizadores como Sergei Loznitsa, Paweł Pawlikowski, Radu Jude, Bruno Dumont y el dúo integrado por Matteo Zoppis y Alessio Rigo de Righi. Entre los títulos aparecen Imperium, Tierra de mi padre, Le Journal d’une femme de chambre, Red Rocks y Testa o croce?, esta última con Peter Lanzani en su elenco.

Cine argentino, universitario y nuevas voces

Una de las características centrales del FIC.UBA es que la competencia no se limita a las producciones profesionales. La edición 2026 contará con cinco categorías: Competencia Internacional de Largometrajes, Competencia Iberoamericana de Cortometrajes, Competencia de Cortometrajes UBA, Competencia de Largometrajes de Graduados DIS y Competencia de Cortometrajes de Graduados DIS.

Ese cruce entre exhibición y formación también aparece en los premios. Los ganadores de la Competencia de Cortometrajes UBA tendrán acceso a experiencias internacionales de formación y participación en festivales, entre ellas un viaje a España para participar del Málaga Talent y otro a Colombia para asistir a BIFF Bang, el área de formación de talentos del Festival de Cine de Bogotá.

Pero quizás uno de los anuncios más significativos de esta edición sea el acuerdo entre FIC.UBA y Disney. A través de dos iniciativas, se destinarán fondos para acompañar la producción y el desarrollo profesional de estudiantes de Diseño de Imagen y Sonido de FADU-UBA. La Beca FIC.UBA-Disney estará destinada a estudiantes avanzados que cursen Proyecto Audiovisual IV. Diez proyectos serán seleccionados para participar de una instancia de pitch ante un jurado de Disney y FIC.UBA, y cada uno recibirá una beca de $10.000.000 destinada a su producción y finalización.

En el plano internacional, el homenaje tendrá como protagonista a Léos Carax. El cineasta francés, responsable de películas como Los amantes del Pont Neuf, Pola X y Holy Motors

A esto se suma la Beca FIC.UBA LAB-Disney, vinculada al espacio de desarrollo de ideas de largometrajes de ficción que comenzó en la tercera edición del festival. Los diez proyectos que lleguen a la instancia final realizarán un pitch y dos serán seleccionados para recibir $10.000.000 cada uno destinados a su producción y a la realización de un teaser. Los otros ocho recibirán un aporte de $6.250.000 cada uno.

Entre ambas iniciativas, el aporte total de Disney será de $170.000.000.
La propuesta apunta a que la formación universitaria no quede separada del mundo profesional. El acuerdo busca generar instancias de intercambio con referentes de la industria y facilitar que proyectos nacidos dentro de la universidad puedan avanzar hacia su producción.

París como escenario cinematográfico

Dentro de las propuestas especiales aparece también “Cine y ciudades: París”, un recorrido por distintas formas de representar la capital francesa desde el cine contemporáneo, junto con una película emblemática de Carax.

El ciclo incluirá El gran arco, de Stéphane Demoustier; The Edge of the Blade, de Vincent Perez; The Story of Souleymane, de Boris Lojkine; una selección de cortometrajes integrada por Apnées, de Nicolas Panay, Montsouris Park, de Guil Sela, y The Great Arc, de Camille Authouart; y Los amantes del Pont Neuf, de Léos Carax.

También habrá una agenda de seminarios y encuentros con figuras del cine. Lisandro Alonso participará el jueves 1 de octubre; Dolores Fonzi, el lunes 5 a las 11; Léos Carax, ese mismo día a las 19:30; y Lita Stantic junto a Félix “Chango” Monti, el miércoles 7 a las 19:30.

El festival sale al encuentro de la ciudad

En esta cuarta edición, el FIC.UBA amplía su circuito y suma nuevas sedes. Las actividades tendrán lugar en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la UBA, el Cine Cosmos, el Cine Arte Cacodelphia, la Facultad de Filosofía y Letras y la Sala Leopoldo Lugones.

La expansión territorial acompaña una definición que atraviesa el festival: pensar al cine no solamente como una pantalla donde se proyectan películas, sino como un espacio de formación, discusión, circulación y construcción de nuevas oportunidades. En palabras de Ricardo Alfonsín (h.), director del FIC.UBA, el objetivo es que el paso por el festival pueda dejar algo más que una película proyectada: abrir puertas, generar encuentros y convertirse en una oportunidad para seguir creciendo.

Con esa perspectiva, el FIC.UBA 2026 propone ocho días en los que conviven la memoria del cine, los grandes nombres de la cinematografía internacional, el presente de la producción argentina y las películas de quienes todavía están construyendo su primera parte de la historia. Un festival que mira hacia las obras consagradas, pero que también intenta hacer lugar para las que todavía están por hacerse.

¿Qué sucede cuando quien debería escuchar empieza a intervenir demasiado? ¿Y qué ocurre cuando un paciente deja de ser solamente alguien sentado frente a un terapeuta y se convierte, casi sin proponérselo, en una pieza capaz de modificar todo el sistema?

Sobre esa incomodidad se construye Lo dejamos acá, la nueva película argentina de Netflix dirigida por Hernán Goldfrid y protagonizada por Ricardo Darín y Diego Peretti. La película, escrita por Emanuel Diez y producida por Kenya Films, acaba de presentar su tráiler oficial y llegará al catálogo global el próximo 16 de octubre. Antes tendrá su premiere mundial en la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Darín interpreta a un psicoanalista pragmático que atraviesa una crisis de confianza en los métodos tradicionales de la psicología. En lugar de aceptar los límites establecidos por su profesión, comienza a experimentar con otras formas de abordar a sus pacientes. Y, al menos inicialmente, parece funcionar.

El problema aparece cuando entra en escena un escritor atravesado por un bloqueo creativo, interpretado por Peretti. Lo que comienza como una relación terapéutica entre profesional y paciente empieza progresivamente a correrse de su eje. Las reglas se vuelven menos claras, el vínculo gana intensidad y aquello que parecía estar bajo control comienza a escapar.

La película toma una situación conocida —un terapeuta y su paciente frente a frente— y la lleva hacia un terreno en el que las posiciones empiezan a invertirse.

El tráiler deja ver justamente esa tensión: el consultorio como espacio aparentemente controlado se convierte en el escenario de un vínculo cada vez más imprevisible. La película se mueve así entre el drama, el humor y una zona más incómoda vinculada con el poder, la manipulación y los límites éticos de quien tiene la responsabilidad de acompañar a otro.

Una película que nació de las ganas de volver a trabajar juntos

Más allá de la trama, hay otra historia detrás de Lo dejamos acá: las ganas de Ricardo Darín y Diego Peretti de volver a compartir una película. En una entrevista reciente con El Observador 1079, Darín contó que el proyecto nació precisamente de ese deseo. Definió como “un gran placer” volver a trabajar con Peretti y destacó que es un compañero al que quiere mucho. También recordó la experiencia previa de trabajar juntos y lo definió como “un animal de trabajo”.

Pero hubo algo más. Según explicó Darín, la idea de reencontrarse alrededor de una historia que les interesaba fue parte del origen mismo de la película. Para el actor, se trata de una historia “rara” y divertida, aunque aclaró que no se queda solamente en el humor: también propone reflexionar y pensar. Y adelantó una característica que probablemente acompañe buena parte de la conversación alrededor del estreno: será una película controversial y “no de fácil digestión”.

Darín interpreta a un psicoanalista pragmático que atraviesa una crisis de confianza en los métodos tradicionales de la psicología. En lugar de aceptar los límites establecidos por su profesión, comienza a experimentar con otras formas de abordar a sus pacientes.

La dupla ya había compartido pantalla en distintas oportunidades, entre ellas La señal (2007), thriller dirigido por Darín y Martín Hodara, y El robo del siglo. Esta vez el encuentro parte de una dinámica completamente diferente: uno tiene el diván y el otro ocupa el lugar del paciente.

Hernán Goldfrid vuelve a trabajar con ambos

La elección de Hernán Goldfrid como director también suma una particularidad: el realizador ya había trabajado con los dos protagonistas en diferentes momentos de su carrera. Goldfrid debutó en el largometraje con Música en espera, protagonizada por Diego Peretti y Natalia Oreiro, y posteriormente dirigió a Ricardo Darín en Tesis sobre un homicidio. También estuvo detrás de la serie El jardín de bronce y de Atrapados. Lo dejamos acá vuelve a reunirlo con ambos actores, ahora dentro de una historia que combina sus registros dramáticos con una dimensión de humor más oscuro.

El guion pertenece a Emanuel Diez y la producción está a cargo de Kenya Films, compañía fundada en 2016 por Ricardo Darín, Chino Darín y Federico Posternak. La productora estuvo detrás de títulos como El amor menos pensado, La odisea de los Giles, Argentina, 1985 y Descansar en paz, además de otros proyectos vinculados al cine argentino con circulación internacional.

El diván como campo de batalla

Hay algo particularmente atractivo en el punto de partida de Lo dejamos acá: el conflicto no parece estar afuera sino dentro del consultorio. La película toma una situación conocida —un terapeuta y su paciente frente a frente— y la lleva hacia un terreno en el que las posiciones empiezan a invertirse. El profesional que cree haber encontrado una nueva manera de trabajar se enfrenta a alguien que, por sus propias características, puede terminar poniendo en crisis sus certezas.

Para el actor, se trata de una historia “rara” y divertida, aunque aclaró que no se queda solamente en el humor: también propone reflexionar y pensar.

El escritor de Peretti llega al consultorio buscando resolver un bloqueo creativo. Pero el tratamiento termina afectando también al terapeuta. Y allí aparece una de las preguntas que atraviesan la propuesta: quién analiza realmente a quién cuando una relación basada en la escucha empieza a romper sus reglas.

Netflix define la película como una comedia negra argentina, mientras que el Festival de San Sebastián la presenta dentro de su programa de Otras Actividades. La inclusión en el festival adquiere además un significado particular porque Ricardo Darín es el protagonista de la imagen oficial de esta 74ª edición y recibió el Premio Donostia en 2017.

La película tendrá una duración de 97 minutos y completa su elenco con Antonia Bengoechea, Inés Efron, Andrea Politti, Pata Echegoyen, Carlos Santamaría y Miriam Odorico. La fotografía es de Rodrigo Pulpeiro, la música de Roque Baños y la edición de Andrés Quaranta.

Lo dejamos acá llegará a Netflix el 16 de octubre, después de su presentación internacional en San Sebastián. Y el título, tomado de ese latiguillo tan reconocible asociado al final de una sesión de terapia, parece funcionar también como una advertencia: quizás esta vez, cuando alguien diga que hasta acá llegamos, la historia recién esté empezando.

El dato interesante está en la diversidad. El nuevo catálogo argentino no responde a una única fórmula: hay policiales, thrillers, comedias románticas, historias familiares, adaptaciones literarias, ciencia ficción, dramas criminales y relatos atravesados por la historia reciente. También hay nombres con una trayectoria consolidada junto a intérpretes y creadores de distintas generaciones.

En 2026, la producción argentina suma seis series y dos películas en distintas etapas de realización. A eso se agrega un calendario de estrenos que tendrá presencia nacional prácticamente todos los meses hasta diciembre. El resultado es una apuesta sostenida por la industria local y por historias pensadas desde Argentina, pero con posibilidades de circulación internacional.

“Argentina tiene una capacidad creativa extraordinaria y estas ocho producciones reflejan nuestra ambición de empujar sus límites: explorar géneros, descubrir nuevas voces y talentos, y acompañar a grandes creadores a contar historias únicas que sorprendan, emocionen y puedan viajar mucho más allá de nuestras fronteras”, señaló Juliana Moreno, directora de Contenido de Netflix Argentina.

Un año que todavía tiene mucho para contar

Entre las producciones que ya comenzaron su recorrido aparece Sangre, una historia de venganza, secretos y amores prohibidos dirigida por Sebastián Pivotto y Alejandro Ibáñez. Julieta Cardinali, Pablo Echarri, Macarena Achaga y José “El Purre” Giménez Zapiola encabezan el elenco, con la participación especial de César Troncoso.

También está en marcha Plata quemada, adaptación de la novela de Ricardo Piglia. Dirigida por Miguel Cohan, la serie recupera la historia de un violento asalto atravesado por un vínculo amoroso llevado al límite. Agustín Della Corte, Lautaro Bettoni, Matías Recalt, Juan Ingaramo, Chiara Parravicini, Diego Cremonesi y Juana Somoza forman parte del elenco.

La foto completa permite leer la estrategia de Netflix de otra manera. No es solamente una plataforma estrenando producciones argentinas: es una plataforma que está construyendo un catálogo argentino de largo alcance, donde conviven autores de cine, televisión y literatura, figuras populares, nuevos talentos

La Torre, por su parte, se mueve dentro del territorio criminal desde una mirada joven. Dos hermanos se mudan a un barrio suburbano y, para intentar saldar las deudas familiares, emprenden una aventura delictiva mientras buscan sobrevivir con dignidad. Alejandro Ciancio es el showrunner y comparte la dirección con Laura Casabé. Byron Barbieri, Canela Arregui y Eleonora Wexler protagonizan la serie.

El registro cambia completamente con El amor es otra cosa. Tres mujeres desconocidas terminan unidas por un accidente protagonizado por sus perros y, a partir de ese encuentro, comienzan a revisar qué lugar ocupan el amor y la libertad en sus propias vidas. Jimena Barón, Candela Vetrano y Muriel Santa Ana protagonizan la serie creada por Agustina Gatto y dirigida por Daniel Barone.

En Rosario se prepara La ciudad, una serie que tendrá como escenario el barrio La Granada y que pondrá el foco en los vínculos familiares, la fe en el fútbol y la vida cotidiana de una comunidad. Javier Gómez Santander, con experiencia como guionista de La Casa de Papel, y Nahuel Gallotta, autor de Te hice Pica, están detrás del proyecto producido por Pampa Films.

En el terreno cinematográfico aparecen dos propuestas bien diferentes. Ümana, dirigida por Martino Zaidelis, sigue a una escritora emocionalmente bloqueada cuya vida cambia cuando acepta convivir con un androide de apariencia humana. Natalia Oreiro y Alex Pelao protagonizan la película. Volver a brillar, dirigida por Juan Taratuto, propone en cambio una comedia romántica alrededor del amor por el oficio de actuar, con Adrián Suar y Dolores Fonzi como protagonistas.

Y el universo de En el barro continuará expandiéndose. La tercera temporada, producida por Underground, seguirá explorando la historia de las presas de La Quebrada. Regresan Ana Garibaldi, Valentina Zenere, Lorena Vega, Carolina Ramírez y Érika de Sautu Riestra, con participaciones especiales de Juana Molina y María Becerra, además de las presentaciones de Camila Platee y Susy Shock.

Cuatro estrenos para cerrar 2026

La producción no es la única señal del movimiento. Netflix también diseñó un calendario de estrenos argentinos que atraviesa todo el segundo semestre. El 24 de septiembre llegará Mis muertos tristes, la miniserie dirigida por Pablo Larraín y basada en cuentos de Mariana Enriquez. Mercedes Morán, Dolores Fonzi, Alejandra Flechner y Carolina Sánchez Álvarez encabezan una historia en la que una médica recién jubilada capaz de ver a los muertos se enfrenta a sus propios fantasmas cuando una serie de asesinatos altera el equilibrio entre vivos y muertos.

El 16 de octubre será el turno de Lo dejamos acá, dirigida por Hernán Goldfrid y protagonizada por Ricardo Darín y Diego Peretti. La película parte de un psicoanalista que comienza a cuestionar sus propios métodos y lleva sus límites demasiado lejos cuando recibe a un escritor con un bloqueo creativo.

En noviembre llegará Gordon, thriller de Pablo Trapero y Pablo Fendrik inspirado en la vida de Aníbal Gordon y basado en la novela de Marcelo Larraquy. Rodrigo de la Serna, Matías Recalt, Camila Peralta y Fiorella Bottaioli forman parte del elenco. Y diciembre tendrá Felicidades, adaptación cinematográfica de la obra teatral de Mariano Pensotti y Adrián Suar. Dirigida por Álex de la Iglesia y protagonizada por Suar y Griselda Siciliani, la historia convierte un festejo de cumpleaños en una noche caótica cuando la aparición de un médium deja al descubierto los secretos de los invitados.

En 2026, la producción argentina suma seis series y dos películas en distintas etapas de realización. A eso se agrega un calendario de estrenos que tendrá presencia nacional prácticamente todos los meses hasta diciembre.

Y después viene 2027

Quizás uno de los datos más fuertes del documento sea que la apuesta no termina con los estrenos de este año. La lista de producciones anunciadas para 2027 incluye títulos que, por sus nombres y equipos creativos, ya generan expectativa. Está El sobrino, la nueva película de Damián Szifrón, protagonizada por Leonardo Sbaraglia, Rita Cortese y Luisana Lopilato, sobre un pianista de fama internacional que ve tambalear su mundo cuando descubre que su sobrino de nueve años posee un talento musical capaz de superarlo.

También llegará Mafalda, la serie animada basada en la creación de Quino, con Juan José Campanella como director, guionista y showrunner. El proyecto será producido por Netflix junto a Mundoloco CGI. El mundo según Jonás, anteriormente titulado El futuro es nuestro, llevará la producción hacia la ciencia ficción. Ambientada en 2047 y basada en The World Jones Made, de Philip K. Dick, la serie estará encabezada creativamente por Mateo Gil y contará con un elenco internacional.

La historia argentina reciente también tendrá espacio con Villaflor, thriller político dirigido por Santiago Mitre y escrito junto a Mariano Llinás. Protagonizada por Peter Lanzani y Verónica Llinás, reconstruirá el proceso de infiltración de un oficial de alto rango en los grupos que comenzaban a organizarse para reclamar por familiares detenidos durante la dictadura.

Y hay más: Tiempo al tiempo, una historia romántica que cruza décadas; una película documental sobre Gustavo Cerati; Perfecta: La voz de Silvina Luna; una miniserie todavía sin título de Sebastián Borensztein protagonizada por Chino Darín; Crimen desorganizado, Amor rodante y otros proyectos que amplían todavía más el panorama.

La foto completa permite leer la estrategia de Netflix de otra manera. No es solamente una plataforma estrenando producciones argentinas: es una plataforma que está construyendo un catálogo argentino de largo alcance, donde conviven autores de cine, televisión y literatura, figuras populares, nuevos talentos y relatos capaces de moverse entre lo íntimo y lo universal. La Argentina aparece así no solo como escenario de las historias, sino también como fuente de personajes, conflictos, autores y formas de contar. Y si algo deja en claro este mapa de producciones es que, para Netflix, todavía queda mucho por contar desde acá.

Cuando Federico Minardi y Geovana Pereyra presentaron Alcalá – Camina hacia la cima, su primera serie de ficción, no imaginaban que iban a competir codo a codo con proyectos de Buenos Aires, Córdoba, Mendoza y Tucumán, y ganar. La convocatoria del Laboratorio Impulsar —programa federal creado por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina en articulación con el Fondo Netflix para el Desarrollo de las Habilidades y la Industria Audiovisual— recibió 125 postulaciones de todo el país. De ese total, el jurado seleccionó apenas 14 proyectos: siete largometrajes y siete series de ficción. Alcalá fue uno de esos siete en la categoría series y el único representante de La Rioja en toda la selección.

Detrás del proyecto están Fede, director y co-guionista junto a su hermano César Minardi, y Geovana, productora —y también su pareja—, quienes forman la productora Cosmos. Son estudiantes y egresados de la Universidad Nacional de La Rioja, donde cursaron la Licenciatura en Producción y Diseño Multimedial, y también realizaron una diplomatura en guion cinematográfico a través de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, en articulación con la Dirección de Cine local. El programa Impulsar los acompañó durante dos meses intensivos de capacitación virtual junto a profesionales de primer nivel de la industria audiovisual argentina e internacional, y culminó el 20 de agosto de 2026 con una jornada presencial en la Universidad Torcuato Di Tella, donde las 14 duplas presentaron sus proyectos mediante pitches y teasers ante más de 40 referentes del sector.

Fede y Geovana hablaron de la serie, del proceso creativo, de los desafíos de producir cine en el interior del país y de todo lo que nadie te enseña hasta que estás ahí parado frente a un equipo de veinte personas, con el reloj corriendo y una escena que rehacer.

¿Cómo empezó todo esto y en qué momento apareció la posibilidad de presentarse al Laboratorio Impulsar?

Fede: Venimos de la carrera en la UNLaR y de una diplomatura en guion que se hizo en conjunto con la Dirección de Cine local, en articulación con la Universidad de Tres de Febrero, en Buenos Aires. Ahí empezamos a escribir esta serie. Siempre fue un desafío: tenés que atrapar al espectador capítulo a capítulo, tener un gancho en cada momento. Y siempre la pensamos como serie, nunca como película o cortometraje, aunque nos lo preguntaron.

¿Y qué fue lo que encontraron en esa historia que les hizo pensar que valía la pena llevarla adelante?

Fede: A mí me gusta escribir cosas que vi, que sentí, que viví. Nuestro alrededor está lleno de personas con su lucha, su misticidad, sus contradicciones, y eso te permite explorar y desarrollar personajes reales. Si tenés un tema y vas sumando capas de personaje, cuando alejás la vista ya tenés todo bastante desarrollado.

En ese sentido, Alcalá parece tener mucho de las personas y del lugar que ustedes conocen. ¿De qué trata la serie?

Geovana: Cuenta la historia de un adolescente de diecisiete años que vive convencido de que no tiene lugar en el mundo. Él y su madre regresan a La Rioja, donde todavía pesa el recuerdo de su abuelo Washington, un antiguo campeón de boxeo. Cuando vuelve a la escuela, sufre bullying. Pero, a pesar de toda esa carga, muestra una habilidad natural para defenderse. Aparece entonces Rito, un entrenador de boxeo que lo lleva a un gimnasio de barrio. Alcalá no va solo a aprender a pelear: va a tener que enfrentarse con su historia, con su pasado —un pasado que tampoco es del todo suyo— y elegir su propio camino.

Y ahí aparecen personajes que no responden necesariamente al clásico esquema de buenos y malos.

Geovana: Eso nos lo reconocieron mucho en el proceso. Nuestros personajes tienen matices, no son blanco o negro: hay grises. El antagonista no es el villano clásico, sino alguien que ve la misma realidad que el protagonista desde otro ángulo.

Fede: Nos tocó vivir muchas cosas y conocer muchas personas. Washington, el abuelo de Alcalá, está inspirado en mi abuelo real: un tipo que agarraba chicos de la esquina —chicos que yo mismo evitaba por miedo— y les decía: «Vamos a entrenar». Y al otro día ya no volvían a la esquina. Rito es el ayudante de ese entrenador. Después hay personajes que nacieron de mirar al albañil de enfrente, al pibe del barrio. Los tenemos tan integrados que es como si existieran.

Trabajar juntos ya debe ser un desafío. Pero hacerlo como director y productora, y además siendo pareja, debe sumar otra capa. ¿Cómo lo llevan?

Fede: Como director, lo más difícil es mantener la mirada, controlar cada detalle, marcar el ritmo. Pero sin la productora no hay rodaje. Ella tiene que conseguir el equipo, los actores, los permisos, los espacios, resolver lo que explota en tiempo real.

Geovana: En el rol de productora tenés que ceder mucho. Hay cosas que yo hubiera hecho distinto, pero terminás confiando. Lo más difícil fue coordinar a todo el equipo técnico —cien por ciento riojano y muy profesional— y, al mismo tiempo, lograr que la visión de Fede se pudiera producir. Muchas veces le dije: «Tranquilo, ya está resuelto», cuando todavía no lo estaba.

En ese contexto, ¿qué tiene que tener una persona para ser un buen productor?

Geovana: Mucha paciencia, la cabeza siempre fría y, sobre todo, estar abierta a todas las opiniones. No cerrarse y decir: «Se hace a nuestra manera». En rodaje, todo lo que vivís no te lo esperás hasta que estás adentro.

Y para alguien que está empezando, entrar a un laboratorio de estas características debe ser una experiencia enorme. ¿Cómo fueron esos dos meses de capacitación?

Geovana: Fueron dos meses muy intensos. Tuvimos formación en dirección, producción, sonido, montaje, dirección de arte y guion, con personas de trayectoria enorme. Estuvimos con Estela Cristiani, directora de En el Barrio; con Diego Ventura, productor de Envidiosas; y con otros profesionales que trabajaron en películas que todos conocemos.

Nuestro tutor a lo largo de todo el proceso fue Jorge Bechara, director de Herederos de Padre Coraje para Pol-Ka. Fue un ángel: cuando llegábamos agotados de nuestros otros trabajos y con la cabeza llena de dudas, él nos decía: «No te preocupes, los rodajes siempre parecen imposibles y siempre terminan llegando».

Fede: Es como si fueras futbolista y en tu primer partido conocieras a Messi. Nosotros nos habíamos inspirado en El Marginal para la mirada social de Alcalá, y de repente te encontrás hablando con la directora que hizo eso. Sabrina Farji, que dirige la Mesa del laboratorio, nos dijo que habíamos logrado «todo en uno». Eso también te da ganas de seguir.

Pero en un proceso así también hay que aprender a renunciar. ¿Hubo algo que tuvieron que sacar y que todavía les duele?

Fede: Sí, y todavía duele. Hay una escena increíble que tuvimos que cortar. Jorge nos lo había advertido: «No se enamoren de las escenas». Y era lo primero que yo hice: me enamoré. Pero en un teaser de un minuto y veinticinco segundos no podés meter diez capítulos de veinticinco minutos y, además, una escena hermosa que pierde el ritmo. El formato te obliga. Hoy la tendencia es que todo sea rápido, que enganche en segundos, y nosotros tuvimos que adaptarnos a eso.

¿Y cómo llegaron a los actores que finalmente forman parte de la historia?

Geovana: El protagonista, Ian Rodríguez, ya lo teníamos de un episodio piloto previo. Él hace boxeo de verdad. Para el teaser abrimos una convocatoria de casting con la guía de nuestra coach actoral, Valeria Castillo, y elegimos según las características de cada personaje. Quedamos muy conformes con el resultado.

Fede: Con Ian hubo un momento de rodaje en el que casi no paro de filmar porque me emocioné. Le hice unas preguntas sobre por qué empezó a hacer boxeo, sobre lo que sentía en ese momento. No sé qué activé, pero lo que hizo frente a la cámara tenía un dolor, una intensidad, una transparencia que era imposible no verla. Todo el equipo estaba en silencio mirando el monitor. Cuando terminó, dijimos: «Es por acá».

Más allá de la serie, ¿qué les terminó dejando todo este proceso a ustedes?

Geovana: Me di cuenta de lo que soy capaz de movilizar. La noche antes de una escena que necesitaba cien personas, se habían caído varias confirmaciones. Empecé a llamar, a convocar, y llené todas las gradas. Esa satisfacción me hizo ver dónde estoy parada y lo que puedo hacer.

Fede: Aprendí a autoexigirme, a decirme: «Sí puedo». Y aprendí el peso de las palabras: en un rodaje, una respuesta mal dada puede generar algo feo en alguien que está dando todo por tu proyecto. La comunicación es clave y no siempre lo hice bien, pero eso también es parte del aprendizaje constante.

Si pudieran volver al comienzo, ¿qué consejo les hubiera gustado recibir?

Geovana: Que no me desanimara. Como estudiantes hacemos todo a pulmón y muchas veces uno piensa que el destino de un proyecto es que lo vea poca gente y listo. Me hubiera gustado que alguien me dijera antes: «Metéle por acá, no lo dejes estancado».

Fede: Que siguiera adelante. Que la decisión que tomé era buena. Nosotros pensamos esta serie para los Oscar cuando teníamos apenas cien seguidores en YouTube. Eso suena loco, pero es parte de soñar alto y trabajar mucho. Si tenés un objetivo, tomás decisiones en función de él, aunque en ese momento haya mucha incertidumbre.

Y ahora que terminaron esta etapa, ¿qué esperan que pase con Alcalá?

Fede: Presentamos ante un panel de más de cuarenta referentes de la industria en la instancia final del laboratorio. Hay dos productoras que están esperando que terminemos de escribir el guion completo —entre ciento cincuenta y cuatrocientas cincuenta páginas para diez capítulos de la primera temporada—. Y ya tenemos confirmada una intención de coproducción con una productora paraguaya con varios premios internacionales.

El proyecto tiene vocación federal, quiere mostrar una historia del interior del país, y eso genera interés genuino.

Geovana: Queremos que Alcalá llegue lejos. Y también queremos generar algo acá en La Rioja: comunidad, capacitaciones, proyectos. Si no hay una carrera de cine, nadie va a ser cineasta. Eso queremos cambiar.

Ese universo literario llega ahora a la pantalla de la mano de Pablo Larraín con Mis muertos tristes, una miniserie de cuatro episodios que Netflix estrenará el próximo 24 de septiembre. Protagonizada por Mercedes Morán, Dolores Fonzi, Alejandra Flechner y Carolina Alvarez, la producción toma como punto de partida los cuentos de Enriquez y amplía su universo con personajes y elementos de otros textos de la escritora argentina, entre ellos “Julie” y “Un lugar soleado para gente sombría”.

La historia sigue a Ema, una médica recién jubilada que posee una capacidad que durante años vivió como una carga: puede ver a los muertos. La muerte de su madre la encuentra intentando ordenar sus propios fantasmas, pero la llegada de su sobrina Julie y un hecho brutal ocurrido en Piedrabuena modifican por completo ese equilibrio.

El asesinato de tres adolescentes en un barrio atravesado por la violencia funciona como detonante de algo que excede la experiencia individual de Ema. Los muertos comienzan a hacerse visibles y aquello que durante años parecía ser un secreto personal se transforma en un fenómeno colectivo. La frontera entre quienes están vivos y quienes ya no están empieza a desdibujarse. Pero en Mis muertos tristes los fantasmas no parecen estar ahí solamente para provocar miedo.

El terror está en el barrio

Una de las claves del proyecto está en la mirada de Larraín sobre el material de Enriquez. El director chileno, responsable de películas como El Conde, Spencer, Jackie y No, vuelve a trabajar sobre territorios donde lo político y lo íntimo se cruzan, esta vez a través del género fantástico.

“Mis muertos tristes nos muestra una ciudad, una pobreza, una violencia, gente y clases que han sido olvidadas”, explica Larraín. Y agrega una definición que funciona casi como una declaración de principios para la serie: “Hay abandono, muerte y amor, pero en el fondo el terror está en lo cotidiano”. La frase permite entender hacia dónde parece apuntar la adaptación. El miedo no necesariamente llega desde un lugar sobrenatural. Puede estar en una esquina, en una casa, en una muerte que nadie reclama o en una comunidad acostumbrada a convivir con la violencia.

En ese sentido, los muertos que aparecen en Piedrabuena pueden leerse también como una representación de aquello que permanece aunque se intente esconder. Son las vidas que quedaron fuera del relato, las historias que no encontraron lugar y las consecuencias de una violencia que no desaparece simplemente porque deje de hablarse de ella.

Mariana Enriquez, un universo que se expande

La adaptación no se limita a trasladar un cuento a la pantalla. Mis muertos tristes construye una narrativa que toma diferentes elementos del universo de Mariana Enriquez y los reúne en una historia nueva. La presencia de Julie conecta la serie con uno de los relatos más reconocibles de la autora, mientras que Un lugar soleado para gente sombría aporta otro punto de contacto con ese territorio donde lo sobrenatural aparece ligado a espacios marginales, heridas sociales y personajes atravesados por aquello que la sociedad deja fuera de campo.

Una de las claves del proyecto está en la mirada de Larraín sobre el material de Enriquez. El director chileno, responsable de películas como El Conde, Spencer, Jackie y No, vuelve a trabajar sobre territorios donde lo político y lo íntimo se cruzan, esta vez a través del género fantástico.

El resultado es una historia que utiliza códigos del terror para hablar de problemas profundamente reales. La aparición de los muertos no cancela la dimensión social del relato: la vuelve todavía más visible. Y allí aparece una de las características más potentes de la literatura de Enriquez: sus monstruos rara vez son completamente ajenos a nosotros. El verdadero espanto suele estar en aquello que ya existe antes de que aparezca cualquier fantasma.

Un elenco encabezado por Mercedes Morán

Mercedes Morán interpreta a Ema, el personaje alrededor del cual se articula la historia. A su lado aparecen Dolores Fonzi, Alejandra Flechner y Carolina Alvarez, en una producción que también cuenta con Carlos Portaluppi, Germán de Silva y la participación de la actriz chilena Luz Jiménez.

Detrás de cámara, Larraín reúne a parte de su equipo habitual. La dirección de fotografía está a cargo de Sergio Armstrong y el diseño de producción es de Rodrigo Bazaes, dos nombres fundamentales para construir una atmósfera en la que la ciudad, los espacios y la oscuridad tienen tanto peso como los personajes. La producción está encabezada por Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín y Ángela Poblete, con Álvaro Cabello y Cristián Donoso como productores ejecutivos.

De San Sebastián a Netflix

Antes de llegar al catálogo de Netflix, Mis muertos tristes tendrá su estreno mundial en la competencia de la Sección Oficial de la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, una presentación que coloca a la miniserie dentro del circuito cinematográfico internacional incluso antes de su llegada al streaming.

El estreno en Netflix será el 24 de septiembre, con cuatro episodios para una historia que parece plantear una pregunta incómoda detrás de su dimensión sobrenatural: ¿qué ocurre cuando aquello que una sociedad intenta olvidar encuentra la manera de volver? En Mis muertos tristes, los muertos regresan. Pero quizás lo más inquietante sea descubrir que nunca se habían ido.

El peligro esta vez no llega desde un único frente. Se mueve de un país a otro, atraviesa agencias de inteligencia, pone en jaque alianzas y convierte la confianza en un territorio cada vez más difícil de transitar. En Apolo Bajo Fuego (Apollo Has Fallen), el universo de Paris Has Fallen amplía su escala y lleva a sus protagonistas a enfrentarse con una amenaza capaz de afectar a millones de personas.

La nueva serie se estrenará el 15 de septiembre exclusivamente por UNIVERSAL+ y retoma a la agente del MI6 Zara Taylor y al exoficial de protección Vincent Taleb, dos personajes que ya demostraron que, en un mundo atravesado por operaciones clandestinas, traiciones y enemigos invisibles, sobrevivir depende tanto de la capacidad de anticiparse al adversario como de saber en quién confiar.

La historia comienza cuando una operación de vigilancia que parecía rutinaria termina en un estallido de violencia. El episodio obliga a Zara y Vincent a reencontrarse y, casi de inmediato, ambos descubren que detrás de lo ocurrido existe una conspiración mucho mayor: una organización clandestina liderada por el disidente ruso Yuri Mishkin prepara la liberación de un agente biológico letal con potencial para devastar Europa.

La persecución los llevará desde la costa de Libia hasta Londres y Madrid, en un recorrido marcado por agentes comprometidos, milicias privadas y secretos que permanecieron enterrados durante demasiado tiempo. El desafío no consiste solamente en detener a una organización terrorista, sino en descubrir hasta dónde llega la conspiración y quiénes forman realmente parte de ella.

Cuando la amenaza no tiene fronteras

Creada y escrita por Howard Overman, responsable también de The Lazarus Project y Misfits, la serie apuesta por un thriller de espionaje de escala internacional, pero incorpora una dimensión que excede la acción: la relación entre sus protagonistas.

Según explicó Overman, una de las transformaciones centrales de Zara durante la historia consiste en comprender que Vincent es la única persona en quien puede confiar verdaderamente. Esa certeza adquiere un peso particular en una trama donde las alianzas cambian constantemente y cada secreto puede tener consecuencias devastadoras.

“Ponen sus vidas en manos del otro y existe entre ellos una amistad incondicional”, explicó el showrunner, quien anticipa además una relación atravesada por el peligro, la pérdida y la incertidumbre. La historia de ambos no queda reducida al vínculo entre dos compañeros de misión: la serie explora también una amistad profunda y una dimensión sentimental que será puesta a prueba una y otra vez.

Zara y Vincent serán separados, encarcelados y finalmente volverán a encontrarse mientras intentan impedir que la amenaza biológica alcance una escala irreversible. En ese recorrido, la acción funciona también como una manera de poner a prueba el vínculo entre ambos.

Un thriller con ADN internacional

Producida por STUDIOCANAL y Urban Myth Films, Apolo Bajo Fuego conserva el ADN de acción que caracteriza a la franquicia inspirada originalmente en la trilogía cinematográfica protagonizada por Gerard Butler —Olympus Has Fallen, London Has Fallen y Angel Has Fallen—, pero traslada el conflicto a una trama de espionaje mucho más amplia.

La producción reúne un elenco internacional encabezado por Tewfik Jallab (Spiral), Ritu Arya (The Umbrella Academy), Jacek Koman (Conclave), Richard Dormer (Game of Thrones), Charlotte Spencer (Cinderella) y Arthur Darvill (Doctor Who), entre otros.

La diversidad de procedencias de los intérpretes también busca reforzar la dimensión global de la historia. El conflicto no pertenece a una sola ciudad ni responde a una única lógica política: se desplaza constantemente y obliga a los personajes a moverse dentro de un tablero internacional donde las fronteras dejan de ser una garantía.

Detrás de cámaras, David Caffrey y Alice Troughton están a cargo de la dirección, mientras que Julian Murphy se desempeña como productor. La producción ejecutiva reúne a integrantes de Urban Myth Films, STUDIOCANAL, G-Base y Millennium. Las secuencias de acción están supervisadas por Jason Oettle, mientras que la música original fue compuesta por David Rowntree e Ian Arber. Todo contribuye a construir una serie que busca sostener la tensión desde distintos frentes: persecuciones, operaciones de inteligencia, conspiraciones y un peligro biológico que avanza mientras los protagonistas intentan descifrar quién está realmente de su lado.

La confianza como última línea de defensa

En una historia construida alrededor de una amenaza capaz de atravesar países y derribar cualquier sensación de seguridad, Apolo Bajo Fuego encuentra su conflicto más íntimo en una pregunta mucho más sencilla: ¿en quién se puede confiar cuando todos pueden estar ocultando algo?

Zara y Vincent deberán responderla mientras corren contra el tiempo para evitar una catástrofe. Y, en ese contexto, su vínculo se convierte en mucho más que un recurso narrativo: es el único espacio de certeza dentro de un mundo donde todo lo demás parece estar diseñado para ponerlos en duda.

Antes del estreno, quienes quieran recuperar el origen de esta dupla pueden volver a Paris Has Fallen, disponible exclusivamente en UNIVERSAL+.

Apolo Bajo Fuego (Apollo Has Fallen) estrena el 15 de septiembre exclusivamente en UNIVERSAL+.