Entre todos los títulos anunciados, algunos tienen además algo que los vuelve especialmente atractivos: la posibilidad de ir más allá de una historia puntual y construir una mirada sobre personajes, épocas o fenómenos que siguen generando preguntas.

FITO PÁEZ: EL MUNDO CABE EN UNA CANCIÓN

Fito Páez es uno de esos artistas cuya obra parece contener varias vidas. Fito Páez: El mundo cabe en una canción propone acercarse justamente a esa dimensión más personal, siguiendo al músico durante más de un año entre grabaciones, ensayos, giras y presentaciones en América Latina, Europa y Estados Unidos.

La película documental observa a Páez desde una distancia particular: la cámara busca convertirse en testigo antes que en protagonista. En ese recorrido aparecen el artista, pero también el hombre detrás de las canciones, atravesado por amores y desamores, amistades, hijos, excesos, tragedias, fracasos y éxitos.

Septiembre, entonces, no llega con una única apuesta fuerte. Netflix arma un menú bastante más amplio: música y memoria con Fito Páez, fantasmas y duelo con Mis muertos tristes, crimen e historia con Lizzie Borden y Unabomber, y el regreso a Hawkins

El resultado promete funcionar como un recorrido por la historia de uno de los músicos fundamentales de la música popular en español, pero también como una aproximación a los momentos que fueron dando forma a esa obra. Más que un repaso cronológico de una carrera, el documental parece apostar por la intimidad y por esos espacios que habitualmente quedan fuera del escenario.

MIS MUERTOS TRISTES

Entre las producciones argentinas del mes, Mis muertos tristes aparece como una de las propuestas más singulares. La historia sigue a Ema, una médica recién jubilada que tiene la capacidad de ver a los muertos y que intenta atravesar el duelo por la muerte de su madre mientras carga con sus propias cuentas pendientes.

Pero la llegada de su sobrina Julie y el asesinato de tres adolescentes en Piedrabuena alteran ese equilibrio. El barrio, atravesado por la violencia, comienza a convivir con un fenómeno cada vez más difícil de contener: los muertos empiezan a hacerse presentes. La premisa permite combinar drama, misterio y elementos sobrenaturales, pero también abre una puerta hacia cuestiones más profundas: el duelo, la memoria y aquello que queda pendiente cuando una persona muere. En Mis muertos tristes, los fantasmas no parecen ser solamente una amenaza externa. También pueden convertirse en la forma que encuentra el pasado para regresar y reclamar su lugar.

MONSTRUO: LA HISTORIA DE LIZZIE BORDEN

Ryan Murphy e Ian Brennan regresan con una nueva entrega de la antología Monstruo, esta vez alrededor de Lizzie Borden, una de las figuras femeninas más conocidas de la historia criminal estadounidense. La serie retoma un caso ocurrido a fines del siglo XIX que todavía genera debate y fascinación. Borden fue acusada de asesinar a su padre y a su madrastra con un hacha en 1892 y, aunque fue declarada inocente, su nombre quedó asociado para siempre a uno de los grandes misterios criminales de Estados Unidos.

La nueva temporada suma así una figura histórica que permite continuar con uno de los ejes centrales de la franquicia: convertir casos reales y personajes controversiales en relatos que exploran no sólo el crimen, sino también el contexto social, la mirada pública y la construcción de un monstruo.

UNABOMBER

Ted Kaczynski, conocido como Unabomber, vuelve a convertirse en materia de ficción en esta producción inspirada en hechos reales. La historia sigue la investigación del FBI para dar con Kaczynski, un prodigio de Harvard que terminó convertido en uno de los criminales más buscados de Estados Unidos. La serie parte de una historia que combina inteligencia, obsesión, violencia y una extensa investigación policial.

El caso también plantea una de las preguntas más inquietantes del género: cómo alguien considerado excepcionalmente brillante termina transformándose en una figura criminal capaz de mantener durante años en jaque a las autoridades.

Entre las producciones argentinas del mes, Mis muertos tristes aparece como una de las propuestas más singulares. La historia sigue a Ema, una médica recién jubilada que tiene la capacidad de ver a los muertos y que intenta atravesar el duelo por la muerte de su madre mientras carga con sus propias cuentas pendientes.

STRANGER THINGS: RELATOS DEL 85

El universo de Hawkins vuelve a expandirse con la segunda temporada de Stranger Things: Relatos del 85. La historia se traslada al invierno de 1985, en un pueblo que continúa cargando con secretos y acontecimientos que parecen estar lejos de haber terminado.

La nueva entrega recupera a sus personajes y vuelve a ponerlos frente a nuevos misterios, aunque esta vez la amenaza parece ser todavía más extraña. Para los seguidores de la franquicia, la serie funciona además como una nueva oportunidad para regresar a ese universo de nostalgia ochentosa, aventuras adolescentes y criaturas imposibles que convirtió a Hawkins en uno de los territorios más reconocibles de Netflix.

MÁS SERIES PARA SUMAR A LA LISTA

Entre las novedades también aparece la segunda temporada de Los Caballeros, que retoma la historia de Eddie y su intento por expandir su imperio mientras Susie encuentra nuevas oportunidades para diversificar el negocio.

Mal de amores, ambientada durante la Revolución mexicana, sigue a Emilia Sauri, una mujer que persigue su sueño de convertirse en doctora mientras desafía las expectativas de su época en busca de amor, independencia y propósito. Por su parte, El problema final propone un misterio clásico: un actor en decadencia deberá recurrir a las habilidades detectivescas del personaje que interpretó durante años para resolver una muerte sospechosa en un hotel aislado donde todos parecen tener algo que ocultar.

PELÍCULAS Y DOCUMENTALES

El mes también suma nuevas películas. ¡Llama a mi agente!: La película recupera a Andréa cinco años después del cierre de la agencia. Cuando pierde al protagonista de su primera película, deberá volver a recurrir a su antiguo equipo.

También llegan ¿Por qué me casé otra vez?, con el reencuentro de varias parejas alrededor de una boda familiar, y Gracias, equipo, una comedia que lleva a los trabajadores de una empresa de quesos a un evento de integración que termina siendo bastante peor de lo que imaginaban. En el terreno documental, Punto de inflexión: Generación 11S vuelve sobre los atentados del 11 de septiembre de 2001 y analiza, veinticinco años después, el impacto que aquel día tuvo sobre una generación.

Y para quienes buscan un nuevo caso de true crime, El viudo: Hasta que la muerte nos separe sigue a un periodista y un detective detrás de un hombre cuyo encanto ocultaba tres décadas de matrimonios fallidos y muertes sospechosas. Septiembre, entonces, no llega con una única apuesta fuerte. Netflix arma un menú bastante más amplio: música y memoria con Fito Páez, fantasmas y duelo con Mis muertos tristes, crimen e historia con Lizzie Borden y Unabomber, y el regreso a Hawkins para quienes todavía tienen asuntos pendientes con Stranger Things. Una programación que, más que apostar por un solo fenómeno, parece querer que cada espectador encuentre su propia puerta de entrada.

En 1977 todavía faltaban décadas para que existieran las redes sociales, los teléfonos inteligentes y la posibilidad de convertir una indignación personal en un fenómeno viral. Pero algunas cosas ya estaban inventadas: la televisión en vivo, la fascinación por el escándalo y una audiencia dispuesta a mirar cómo una crisis privada se transformaba, minuto a minuto, en espectáculo.

Gus Van Sant parte de ese mundo para contar una historia real tan improbable que parece escrita para el cine. La negociación (Dead Man’s Wire) reconstruye el secuestro de Richard O. Hall, un ejecutivo de una compañía hipotecaria de Indianapolis, a manos de Anthony G. “Tony” Kiritsis, un hombre convencido de que había sido estafado y que decidió reclamar lo que consideraba suyo de la manera más extrema posible.

La mañana del 8 de febrero de aquel año, Kiritsis llegó al despacho de Hall con una escopeta recortada calibre 12. Pero no se trataba simplemente de un arma. Había preparado un mecanismo conocido como “dead man’s wire”: un cable conectaba el gatillo con el cuello de su rehén, de modo que cualquier intento de intervención podía hacer que el arma se disparara. Durante las siguientes 63 horas, Hall quedó literalmente unido a la amenaza de muerte.

Austin Kolodney, responsable del guion, trabajó a partir de los registros y las imágenes existentes del caso. El material de archivo fue fundamental para reconstruir la historia y entender no solamente lo que ocurrió, sino también cómo fue contado en aquel momento.

Kiritsis tenía tres exigencias: cinco millones de dólares, no ser procesado por el secuestro y obtener una disculpa personal de la familia Hall. Detrás de esas demandas estaba su convencimiento de que la compañía hipotecaria había actuado contra sus intereses para quedarse con un terreno que él pretendía desarrollar. La historia de un hombre enfrentado a una institución financiera podía haber quedado como otro episodio policial de los años setenta. Pero algo ocurrió en el medio: la televisión convirtió el caso en un acontecimiento nacional y Kiritsis empezó a adquirir una dimensión inesperada, cercana a la de un héroe popular para parte de la audiencia. Y ahí aparece el verdadero interés de la película.

La negociación podría ser solamente un thriller basado en hechos reales. Tiene todos los elementos: un rehén, un arma, policías, negociadores, una amenaza imposible de ignorar y un protagonista que parece cada vez menos predecible. Pero Van Sant está interesado en algo más incómodo: ¿qué sucede cuando una protesta desesperada encuentra una audiencia?

La negociación (Dead Man’s Wire) reconstruye el secuestro de Richard O. Hall, un ejecutivo de una compañía hipotecaria de Indianapolis, a manos de Anthony G. “Tony” Kiritsis, un hombre convencido de que había sido estafado y que decidió reclamar lo que consideraba suyo de la manera más extrema posible.

El secuestro de Kiritsis ocurrió en una época en la que la televisión podía convertir un hecho policial en una experiencia colectiva. Las cámaras llegaron al lugar, las negociaciones comenzaron a ocupar espacio en los medios y el propio secuestrador terminó entendiendo que tenía un escenario. El crimen dejó de ser solamente un enfrentamiento entre dos hombres y pasó a convertirse en una representación pública.

Ese aspecto conecta a La negociación con una tradición cinematográfica particularmente fértil: la de los personajes que, al enfrentarse con una estructura de poder, descubren que también pueden disputar el relato. La comparación con Tarde de perros (Dog Day Afternoon) resulta inevitable. También allí un hombre desesperado se enfrenta a una institución y, casi sin proponérselo, se convierte en una celebridad televisiva. Pero Van Sant incorpora además algo del espíritu de Network: la televisión como máquina capaz de absorber una tragedia, empaquetarla y devolverla convertida en entretenimiento. De hecho, algunas de las primeras críticas señalaron explícitamente esos dos referentes.

La diferencia está en que Kiritsis no entra en escena con la simpatía de un héroe tradicional. Es imprevisible, obsesivo, por momentos delirante y siempre peligroso. La película no necesita convertirlo en un justiciero para entender de dónde nace su furia.

En el centro está Bill Skarsgård, que interpreta a Kiritsis con una energía que las críticas destacaron especialmente. El actor construye a un hombre capaz de pasar de la amenaza a una cierta vulnerabilidad en cuestión de segundos, haciendo que nunca resulte sencillo determinar hasta dónde llega su convicción y dónde empieza la locura.

Enfrente está Dacre Montgomery como Richard Hall, el hombre atrapado durante horas en una situación que parece no tener salida. Su personaje tiene una dificultad particular: mientras Kiritsis puede hablar, exigir, explicar y construir su propio relato, Hall permanece físicamente reducido a la condición de rehén. Su silencio y su miedo terminan funcionando como contracara de la verborragia del secuestrador.

La historia de un hombre enfrentado a una institución financiera podía haber quedado como otro episodio policial de los años setenta. Pero algo ocurrió en el medio: la televisión convirtió el caso en un acontecimiento nacional

El elenco suma además a Colman Domingo, Myha’la y Cary Elwes, mientras que Al Pacino aparece como M. L. Hall, una figura central en el conflicto que Kiritsis pretende resolver. La presencia de Pacino tiene, además, una resonancia cinematográfica inevitable: décadas después de Tarde de perros, vuelve a aparecer en una historia donde dinero, desesperación, violencia y exposición pública vuelven a cruzarse. Quizás lo más inquietante de La negociación sea que no necesita actualizar la historia para que resulte contemporánea.

En 1977 no existía Twitter, TikTok ni YouTube. No había transmisiones desde un teléfono ni influencers siguiendo un caso policial. Sin embargo, Kiritsis entendió algo que hoy forma parte de nuestra vida cotidiana: la atención también es una forma de poder. Su secuestro tenía una dimensión teatral. Tenía un arma, un rehén, demandas concretas y un público. Y cuanto más crecía la cobertura, más grande parecía volverse el personaje que había construido.

Austin Kolodney, responsable del guion, trabajó a partir de los registros y las imágenes existentes del caso. El material de archivo fue fundamental para reconstruir la historia y entender no solamente lo que ocurrió, sino también cómo fue contado en aquel momento. Eso le permite a Van Sant jugar con una paradoja fascinante: cuanto más espectacular se vuelve el caso, más difícil resulta distinguir entre la persona y el personaje.

Y quizás ahí esté la pregunta que la película deja flotando mucho después de que termina el enfrentamiento: ¿Kiritsis se convirtió en noticia porque su protesta era extraordinaria, o su protesta se volvió extraordinaria porque descubrió que las cámaras estaban mirando? La negociación llega a los cines argentinos el 27 de agosto, dirigida por Gus Van Sant y protagonizada por Bill Skarsgård, Dacre Montgomery, Colman Domingo, Myha’la, Cary Elwes y Al Pacino. Una historia ocurrida hace casi medio siglo que, paradójicamente, parece haber esperado todo este tiempo para encontrar el presente en el que contarla.

Me gustó un posteo que culpaba a Ted Lasso, tal vez el gancho del título lo hizo la IA, pero era un buen punto. Ted Lasso nos engañó porque no era una serie de fútbol y no podemos estar más de acuerdo. Es “la serie” para ver en familia, con los mejores amigos, solos en un día gris y solos en un día donde todo fluye. Es para ver cuando venís de capa caída o después de tener un día extraordinario. En todos los casos cada episodio te resonará, te dejará preguntas y esas ganas de comentarlo en una sobremesa. Sus personajes están tan logrados que es fácil reconocer cosas de uno en partes, en su totalidad o cuando nos ponemos disfraces para agradar en grupo. Celebro que llegó una nueva temporada y que también la entrega sea con episodios semanales para que, como los buenos libros o vinos, la degustación sea paciente y así lo más eterna posible.

Ted Lasso te interpela, te refresca, sacude el árbol y también te hacer ver el bosque. Nos muestra desnudos, con nuestras dudas, angustias, visión del éxito, competencia y relaciones. Exhibe con maestría lo que creemos que importa pero nos baña de verdad, mientras deja en la superficie el verdadero sentido de la vida sin subrayarlo como una frase de tacita. Todo está tan bien escrito y actuado por personajes memorables que “fútbol también es vida” pero es lo que menos importa.

Somos tóxicos y la mayoría de las veces no nos damos cuenta, y así vamos tirando algunas piedras creyendo que son caricias de algodón. Y la serie logra que algunos de nuestros actos -y las contradicciones de la sociedad toda- se muestren hasta con ternura. Nos pone el dedo en la llaga pero también nos enseña el camino de una mejor versión.

Cuando se crean estereotipos siempre se exagera pero acá parece todo tan aceitado y quirúrgico que la masculinidad (o lo que entendíamos de eso) se plantea tan eficaz que también estaremos dentro de ese vestuario sin darnos cuenta. Hay guiños a la realidad bien colocados y hacen universal a la historia pero al cabo de la primer temporada hasta me creí que ese equipo existe y al día de hoy lo sigo pensando, y lo busco en los partidos televisados. Sí, me creí tanto esta ficción que la elijo antes de tantas otras pantominas que aceptamos como reales (el juego de los senadores y diputados por ejemplo).

Que Ted te haga reír y llorar en un mismo episodio o que al menos te ponga primera a ese  lado sensible que no dejás salir, ya es un motivo para que la mires, pero se ponen en juego tantas cosas que cada temporada parece haber superado a la anterior. Ahora que desembarca para dirigir al equipo femenino del Richmond imaginamos un nuevo deleite. Se habla y no de oído sobre paternar y maternar, sobre amar y no ser correspondido, sobre fracasar (y mucho) y sobre angustias y temores varios.

Somos tóxicos y la mayoría de las veces no nos damos cuenta, y así vamos tirando algunas piedras creyendo que son caricias de algodón. Y la serie logra que algunos de nuestros actos -y las contradicciones de la sociedad toda- se muestren hasta con ternura.

Pensaba en incluir la sinopsis, destacar las actrices y actores que actúan tan memorables (y hasta cantan) porque eso es lo que se estila en una reseña pero en este caso no hace falta. Es la serie que hay que ver las veces que quieras (para mí estas delicias son mejores sin maratonear). Es también como un buen disco que suena muy bien cuando se comparte. Las sonrisas y lágrimas en espejo y en otros cueros nos humanizan. Y eso es lo que sucede con esta serie. Si le prestamos toda la atención a cada capítulo, al fin y al cabo tal vez podamos ser un poquito más honestos y mejores que la versión que construimos -tantas veces- para las pantallas.  

Hay nombres que dejaron de pertenecerle a una persona para convertirse en parte de una cultura. Moria Casán es uno de ellos. Su nombre puede aparecer en una marquesina, en una pantalla de televisión, en una conversación cotidiana o en una frase que se volvió patrimonio popular. Durante décadas, Moria construyó un personaje reconocible incluso para quienes nunca la vieron sobre un escenario. Pero detrás de esa figura que parece conocer todo el mundo todavía queda una pregunta: ¿qué hay cuando se corre el personaje?

Esa es una de las puertas de entrada de Moria, la nueva serie de ficción argentina que Netflix estrenará el 14 de agosto y que encuentra una particular manera de contar la vida de una mujer que convirtió la exposición en una de sus formas de existencia. La propuesta dirigida y escrita por Javier Van de Couter no recurre a una única actriz para reconstruir a su protagonista. Sofía Gala Castiglione, Griselda Siciliani y Cecilia Roth interpretan a Moria en diferentes etapas de su vida. La decisión funciona también como una declaración de principios: contar a Moria implica asumir que no existe una sola versión de ella.

La serie parte de la celebración de sus 80 años y presenta a la propia Moria como una suerte de titiritera de su historia. Desde allí, la ficción reconstruye distintas etapas de una trayectoria atravesada por el cine, el teatro y la televisión, pero también por una relación particular con el escándalo, la provocación, el deseo, la fama y la mirada ajena.

Porque Moria nunca fue solamente una vedette. Tampoco solamente una actriz o una figura televisiva. Su recorrido puede leerse como el de una mujer que entendió antes que muchos que la fama también podía ser una herramienta para construir identidad. El personaje no apareció simplemente delante de las cámaras: fue creciendo con ella, transformándose, exagerándose y, en determinados momentos, incluso desbordándola.

La premiere realizada en el Teatro Lola Membrives reunió a las tres actrices junto a Moria Casán, Van de Couter y el equipo de About Entertainment, en una noche que tuvo algo de celebración y algo de puesta en escena. No podía ser de otra manera: presentar una ficción sobre Moria en un teatro porteño supone llevar el relato nuevamente al lugar donde buena parte de ese mito comenzó a construirse.

La acompañaron figuras vinculadas al espectáculo y a la televisión, entre ellas Guillermina Valdés, Nito Artaza, Flor de la V, Vicky Xipolitakis, Marley, Cande Vetrano, Miguel Ángel Cherutti, Evangelina Anderson, Belén Francese, Marixa Balli, Franco Masini, Romina Gaetani, Mike Amigorena y Diego Cremonesi, entre otros invitados.

Pero más allá del desfile de nombres, el verdadero acontecimiento de la noche estaba en otra parte: ver reunidas a Moria y a las tres mujeres que la interpretan. La elección de Castiglione, Siciliani y Roth también propone distintas aproximaciones a una misma figura. Tres generaciones, tres cuerpos, tres miradas actorales para recorrer una personalidad que siempre pareció estar en movimiento. La transformación física es apenas una parte del desafío. El verdadero trabajo está en encontrar qué permanece cuando cambian la edad, el contexto y las circunstancias.

Moria promete entonces alejarse del retrato biográfico tradicional para entrar en un terreno más ambiguo: el de una mujer que construyó un personaje público tan poderoso que, con el tiempo, ambos comenzaron a confundirse.

La serie también funciona como una mirada sobre la cultura popular argentina. La historia de Moria atraviesa épocas y escenarios que exceden su propia biografía. Desde el mundo de la revista y el espectáculo hasta la televisión abierta y la lógica contemporánea de la celebridad, su recorrido permite observar varias transformaciones de la industria del entretenimiento argentino y de la manera en que una mujer podía —y puede— ocupar el centro de esa escena. En ese sentido, contar a Moria es también contar algo del país que la convirtió en Moria.

Netflix apuesta por una ficción que no parece interesada únicamente en enumerar acontecimientos conocidos, sino en volver sobre ellos para preguntarse qué sucede cuando una persona pasa a convertirse en mito. Qué queda de la mujer cuando el personaje ya es demasiado grande. Y qué ocurre cuando esa mujer decide, además, participar de la construcción de su propia leyenda.

Con Sofía Gala Castiglione, Griselda Siciliani y Cecilia Roth como diferentes versiones de una misma protagonista, la serie se propone recorrer una vida marcada por la reinvención. Y quizás ahí esté su mayor desafío: contar a una mujer que hizo de no poder ser encasillada una de sus principales formas de identidad.

Moria estrena globalmente en Netflix el 14 de agosto.

Dirección y guion: Javier Van de Couter
Producción: About Entertainment
Elenco: Sofía Gala Castiglione, Griselda Siciliani, Cecilia Roth y participación de Moria Casán.

A comienzos de los años 90, el guionista canadiense Ian Weir recibió el encargo de adaptar The Suspect, la primera novela de la saga policial de L.R. Wright protagonizada por Karl Alberg. Donald Sutherland se había interesado por el proyecto y llegó a estar vinculado a aquella primera versión cinematográfica. Weir trabajó junto al actor y al productor Nick Orchard en el intento de llevar los libros al cine, pero el financiamiento nunca terminó de aparecer y la película quedó en suspenso.

Más de tres décadas después, aquella historia encontró otra forma de llegar a la pantalla: una serie de televisión. Y el protagonista terminó siendo, casi como si el guion hubiera decidido cerrar un círculo por su cuenta, el hijo de aquel actor. Rossif Sutherland aceptó interpretar a Karl Alberg sin saber que su padre había estado involucrado en el proyecto original. Cuando consiguió el papel, fue a contárselo a Donald. Al describirle al personaje, su padre reconoció inmediatamente el universo de las novelas. Fue entonces cuando Rossif descubrió que aquella historia llevaba unos treinta años dando vueltas alrededor de su familia.

“Donald fue muy, muy importante para el proyecto desde sus comienzos”, recordó Ian Weir, quien todavía podía escuchar la voz del actor en aquellas primeras reuniones de guion. El proyecto había crecido junto a él: Sutherland había leído el guion, después las novelas y se había involucrado profundamente con los personajes. Donald Sutherland murió en junio de 2024, poco antes del estreno original de la serie. Por eso Rossif propuso que la producción llevara una dedicatoria a su padre. “Como papá tuvo una relación tan íntima con el nacimiento de este proyecto, propuse que se lo dedicáramos”, explicó el actor.

La anécdota podría ser suficiente para convertir a Murder in a Small Town en una curiosidad dentro de la temporada televisiva, pero la serie tiene otra particularidad: no pretende convertir a Karl Alberg en el típico detective atormentado que llega a un pueblo pequeño para descubrir que debajo de cada sonrisa hay un asesino.

Karl viene de Minneapolis y decide abandonar el trabajo policial de una gran ciudad para convertirse en jefe de policía de Gibsons, una localidad costera de la Columbia Británica. Busca algo parecido a una segunda oportunidad, una manera de bajar el ruido después de años de desgaste. El problema es que el pueblo tranquilo que imaginaba no tarda demasiado en demostrar que también tiene sus propios fantasmas.

A comienzos de los años 90, el guionista canadiense Ian Weir recibió el encargo de adaptar The Suspect, la primera novela de la saga policial de L.R. Wright protagonizada por Karl Alberg. Donald Sutherland se había interesado por el proyecto y llegó a estar vinculado a aquella primera versión cinematográfica.

La elección de Rossif Sutherland para interpretarlo también se aleja de algunos lugares comunes del género. Weir describió a Alberg como un hombre que no necesita imponerse mediante la intimidación. Su método está más relacionado con la observación y con la capacidad de acercarse a las personas. En palabras del propio Rossif, el personaje no está dominado por esos “demonios” que suelen definir al detective televisivo tradicional: lleva sus emociones a flor de piel y utiliza su humanidad como una herramienta para llegar a la verdad. Y ahí aparece Cassandra Lee, interpretada por Kristin Kreuk.

Bibliotecaria, promotora de las artes y profundamente involucrada con la vida cultural de Gibsons, Cassandra funciona como contrapunto de Karl. El vínculo entre ambos no aparece solamente como una pausa romántica entre investigación e investigación: se convierte en uno de los ejes emocionales de la historia. La serie combina así el policial con una relación que permite conocer a Karl lejos de su uniforme y de los interrogatorios.

Kreuk, además, no llega al proyecto por primera vez de la mano de Ian Weir. El creador de la serie ya había trabajado con ella años atrás en Edgemont, una producción canadiense que fue uno de sus primeros trabajos televisivos importantes. Ahora vuelven a encontrarse en una historia completamente diferente.

Rossif Sutherland aceptó interpretar a Karl Alberg sin saber que su padre había estado involucrado en el proyecto original. Cuando consiguió el papel, fue a contárselo a Donald. Al describirle al personaje, su padre reconoció inmediatamente el universo de las novelas.

El resultado busca moverse entre dos registros: el misterio criminal y una atmósfera más cercana al policial clásico de personajes. La primera temporada no se limita a repetir una fórmula de asesinato semanal. Según explicó Weir, los casos también incluyen un secuestro y una investigación que comienza pareciendo un homicidio para luego revelar que las cosas no son exactamente lo que parecían.

Ese juego con las apariencias resulta especialmente apropiado para un pueblo como Gibsons. En la superficie, todo parece estar en su lugar: el paisaje costero, la biblioteca, los vecinos que se conocen entre sí, las conversaciones cotidianas. Pero la tranquilidad es también una forma de ocultamiento. Karl llega desde una ciudad donde el crimen era parte del paisaje y descubre que, en una comunidad pequeña, los secretos pueden estar mucho más cerca.

La serie está basada en la saga de nueve novelas de L.R. Wright sobre Karl Alberg, una autora canadiense cuya obra recibió, entre otros reconocimientos, el Premio Edgar. La adaptación conserva esa estructura de misterio clásico, pero la traslada a un universo televisivo en el que el desarrollo de los personajes tiene tanto peso como la resolución de los casos. Quizás ahí esté la verdadera historia detrás de Murder in a Small Town: no solamente la de un detective que llega a un pueblo aparentemente tranquilo, sino la de un proyecto que también tuvo que atravesar su propio laberinto de secretos, demoras y caminos inconclusos antes de encontrar finalmente su lugar.

Cuando la serie se estrene en Latinoamérica, el 19 de agosto por Universal+, llegará como una producción policial canadiense protagonizada por Rossif Sutherland y Kristin Kreuk. Pero detrás de ese título hay algo más difícil de encontrar en una gacetilla: una historia que comenzó hace treinta años con Donald Sutherland, pasó por Ian Weir, quedó detenida durante décadas y finalmente encontró a Rossif en el centro de la escena. A veces una producción tarda tanto en llegar que termina convirtiéndose, sin proponérselo, en parte de la historia familiar de quienes la hacen.

Fito Páez: el mundo cabe en una canción, que se estrenará globalmente el próximo 3 de septiembre, se presenta como el retrato más personal realizado hasta ahora sobre uno de los artistas fundamentales de la música en español. La película documental acompaña al rosarino durante más de un año entre grabaciones, ensayos, giras y conciertos por América Latina, Europa y Estados Unidos, mientras reconstruye el mapa emocional de una vida atravesada por el éxito, las tragedias, los vínculos afectivos y una inagotable necesidad de crear.

El punto de partida del documental es un episodio reciente que marcó un antes y un después. Un accidente sufrido en 2024 obligó a Fito a interrumpir parte de su gira internacional y lo enfrentó a una pausa inesperada. Esa interrupción funciona como disparador para revisar el camino recorrido, mirar hacia atrás y preguntarse qué permanece después de más de cuarenta años de carrera.

Lejos del formato de entrevista convencional, la película apuesta por la observación. La cámara se vuelve casi invisible mientras acompaña al artista en su cotidianeidad y registra conversaciones, silencios, ensayos y momentos de reflexión que rara vez forman parte del retrato público de una figura de su dimensión.

Con este estreno, Netflix continúa consolidando una línea de documentales dedicados a grandes figuras de la música nacional.

El documental está dirigido por Matías Gueilburt, realizador de Vilas: Serás lo que debas ser o no serás nada, Los ladrones: el robo del siglo y El vendedor de ilusiones: El caso Generación Zoe. Su vínculo personal con Fito resulta determinante para el nivel de intimidad que alcanza la película, permitiendo acceder a un costado vulnerable del músico que pocas veces había quedado expuesto frente a una cámara.

Además de registros actuales, la producción incorpora abundante material de archivo inédito que dialoga con el presente y permite recorrer las distintas etapas de una trayectoria que atraviesa generaciones. No se trata únicamente de revisar una carrera artística, sino de comprender cómo conviven el compositor, el padre, el amigo y el hombre detrás de canciones que forman parte del ADN cultural argentino.

Con este estreno, Netflix continúa consolidando una línea de documentales dedicados a grandes figuras de la música nacional. Tras los lanzamientos de Rockstar: DUKI desde el fin del mundo y LALI: La que le gana al tiempo, y a la espera del documental sobre Gustavo Cerati, la plataforma vuelve a apostar por historias donde la música funciona como punto de partida para explorar identidades mucho más complejas. Porque si la serie permitió conocer al personaje, este documental parece dispuesto a revelar a la persona. Y en el caso de Fito Páez, esa diferencia puede ser toda una canción.

El anuncio llega luego de una gira que agotó ocho estadios —cinco Vélez Sarsfield en 2025 y dos River Plate en 2026— y que transformó al álbum No vayas a atender cuando el demonio llama en uno de los proyectos musicales más exitosos de los últimos años. Con más de 200 millones de reproducciones y el reconocimiento como el disco argentino más escuchado de 2025, el trabajo consolidó una nueva etapa creativa para la artista, mucho más audaz en lo estético, conceptual y escénico. El tercer River no aparece como una respuesta automática a la demanda del público. También funciona como el cierre simbólico de una historia que comenzó el 26 de septiembre de 2024 con el lanzamiento de «Fanático», el primer adelanto del disco que redefinió el universo artístico de Lali. Exactamente dos años después, la cantante eligió despedir esa etapa en el escenario más grande del país.

La coincidencia no parece casual. Todo indica que el concierto será una celebración pensada para cerrar un capítulo que modificó la escala de su carrera y la posicionó definitivamente entre las artistas más convocantes de América Latina.

Una gira que elevó la vara del pop argentino

Más que una sucesión de récords, el recorrido refleja la consolidación de un proyecto artístico que logró combinar identidad, ambición y una producción capaz de competir con los grandes espectáculos internacionales.

El recorrido de No vayas a atender cuando el demonio llama fue creciendo función tras función hasta convertirse en un espectáculo de estándar internacional. La gira pasó por Buenos Aires, Córdoba, Rosario, Mar del Plata, Montevideo, Mendoza, Salta, Tucumán, San Juan, Santa Fe, Neuquén y numerosas ciudades del país antes de desembarcar en España con presentaciones en Barcelona, Sevilla y Madrid. Pero fueron las dos noches en River Plate las que marcaron un antes y un después.

Bajo una lluvia que terminó potenciando la épica del espectáculo, Lali desplegó una producción de gran escala acompañada por los artistas invitados del álbum: Dillom, Miranda! y DUKI. El momento más inesperado llegó con la aparición sorpresa de Kylie Minogue, una colaboración que rápidamente trascendió las fronteras argentinas y se convirtió en uno de los episodios más comentados del pop latino reciente.

Un fenómeno que trasciende los números

Las cifras ayudan a entender la dimensión del momento, aunque no alcanzan para explicarlo por completo. Durante 2025, Lali se convirtió en la primera artista argentina en agotar cinco estadios Vélez Sarsfield en un mismo año, convocando a más de 200.000 personas. Apenas unos meses después trasladó esa convocatoria al Monumental y ahora suma una tercera fecha en River, un logro reservado para muy pocos artistas de la región.

Más que una sucesión de récords, el recorrido refleja la consolidación de un proyecto artístico que logró combinar identidad, ambición y una producción capaz de competir con los grandes espectáculos internacionales.

Ese crecimiento también se refleja fuera del país. Hace pocas semanas fue una de las principales figuras del Madrid Orgullo 2026, el evento LGTBIQ+ más importante de Europa, donde presentó un show especialmente diseñado para la celebración ante más de 25.000 personas en Plaza de España.

La consolidación de una nueva etapa

Si durante años Lali fue reconocida por su capacidad para construir éxitos radiales, No vayas a atender cuando el demonio llama representó un punto de inflexión. El disco mostró una propuesta artística más madura, con una identidad visual potente, un concepto narrativo sólido y canciones atravesadas por temas como la libertad, la exposición pública y la construcción de la propia identidad.

La industria también acompañó ese proceso. En los Premios Gardel 2026 obtuvo los galardones a Mejor Álbum Artista Pop por No vayas a atender cuando el demonio llama y Mejor Canción Pop por Mejor que Vos, junto a Miranda!, alcanzando un total de quince estatuillas a lo largo de su carrera.

Si durante años Lali fue reconocida por su capacidad para construir éxitos radiales, No vayas a atender cuando el demonio llama representó un punto de inflexión.

El final de un capítulo

El concierto del 26 de septiembre será, probablemente, mucho más que el último show de una gira. Todo indica que marcará la despedida definitiva de una era que modificó el lugar de Lali dentro de la música argentina y amplió los límites de lo que una artista pop local puede conseguir en materia de convocatoria, producción e impacto cultural.

Las entradas para esta tercera presentación en River Plate estarán disponibles en preventa exclusiva para clientes Banco Macro Visa desde el miércoles 5 de agosto a las 11, con la posibilidad de acceder a nueve cuotas sin interés. Una vez finalizada esa instancia, comenzará la venta general a través de All Access.

No se trata de un disco de «grandes éxitos», ni de una celebración por los treinta años del grupo. Es, sobre todo, una reinterpretación. Una manera de comprobar que canciones nacidas en otro contexto siguen teniendo algo para decir cuando cambian el volumen, el ritmo y la instrumentación.

Desde su aparición en la escena nacional durante la segunda mitad de los años noventa, Árbol construyó una identidad difícil de encasillar. Rock alternativo, punk, reggae, pop, funk, folklore y ritmos latinoamericanos convivieron siempre con naturalidad en una propuesta que escapó a las etiquetas y convirtió a la banda de Haedo en una de las más originales de su generación.

Ese espíritu inquieto también atraviesa Atemporal. Allí donde antes predominaban las guitarras distorsionadas y la intensidad de los conciertos, ahora aparecen arreglos de cuerdas, secciones de vientos y una interpretación mucho más contenida que resignifica canciones que ya forman parte del cancionero del rock argentino.

Clásicos como «El Fantasma», «Trenes, Camiones y Tractores», «Pequeños Sueños» y otras composiciones históricas adquieren un nuevo carácter. La melodía cobra protagonismo, las letras encuentran otros matices y la emoción aparece desde un lugar diferente. Es una demostración de que las mejores canciones no dependen únicamente de la forma en que fueron grabadas originalmente, sino de la solidez con la que fueron concebidas.

En tiempos donde abundan las reediciones y los aniversarios, el nuevo trabajo de Árbol evita caer en la repetición. En vez de reconstruir el pasado con fidelidad, decide reinterpretarlo. El álbum invita a escuchar piezas ampliamente conocidas como si fueran nuevas, descubriendo detalles que quizás habían permanecido ocultos durante años.

Como parte de esta nueva etapa, la banda acompaña el lanzamiento con un videoclip de «El Fantasma», realizado durante la grabación del disco. Ese material funciona como adelanto de una live session que reunirá las versiones en vivo de todo el álbum y que podrá verse completa el próximo 6 de agosto en el canal oficial de YouTube del grupo. Dirigida por Facundo Nuble, la sesión busca extender la experiencia sonora del disco hacia una propuesta audiovisual donde la interpretación y los arreglos ocupan el centro de la escena.

La historia de Árbol comenzó en 1994, en Haedo, cuando un grupo de músicos decidió romper con los moldes que dominaban el rock argentino de la época. Aquella mezcla desprejuiciada de géneros terminó convirtiéndose en una marca registrada.

Un trabajo colectivo para volver a escuchar

Atemporal fue grabado en noviembre de 2025 en Casa Frida Estudio y reúne a un grupo de músicos invitados cuya participación resulta determinante para el sonido del álbum.

Los arreglos de cuerdas fueron realizados por Diego Velázquez, quien además participa en violín y guitarra junto a Joaquín Gutiérrez en viola y Silvia Ana Murano en violoncello. En la sección de vientos aparecen Andrés Reboratti —también responsable de los arreglos—, Agustina Ferro en trombón y Daniel Mayor en trompeta, ampliando la paleta sonora sin perder la identidad de la banda.

La producción musical estuvo a cargo de los propios integrantes de Árbol, con Hernán Caratozzolo como ingeniero de grabación, mezcla de Hernán Bruckner y Pablo Romero, y mastering realizado por Daniel Ovie.

Tres décadas de una banda imposible de encasillar

La historia de Árbol comenzó en 1994, en Haedo, cuando un grupo de músicos decidió romper con los moldes que dominaban el rock argentino de la época. Aquella mezcla desprejuiciada de géneros terminó convirtiéndose en una marca registrada.

El punto de inflexión llegó cuando Gustavo Santaolalla los convocó para incorporarse al sello Surco, una etapa que impulsó la proyección internacional del grupo y dio origen a discos fundamentales como Chapusongs, Guau!, Hormigas y No Me Etiquetes. De esos trabajos surgieron canciones que atravesaron generaciones y continúan ocupando un lugar privilegiado en el repertorio del rock nacional.

Clásicos como «El Fantasma», «Trenes, Camiones y Tractores», «Pequeños Sueños» y otras composiciones históricas adquieren un nuevo carácter. La melodía cobra protagonismo, las letras encuentran otros matices y la emoción aparece desde un lugar diferente.

Durante los últimos años la banda nunca dejó de producir nuevo material. Publicó Hongo en 2022, realizó giras por Argentina, Latinoamérica y Europa y celebró sus treinta años de carrera con una extensa serie de conciertos que repasaron toda su historia.

El subtítulo del álbum —»canciones inoxidables»— funciona como una declaración de principios. No habla solamente de clásicos que el público sigue cantando, sino de composiciones capaces de transformarse sin perder identidad. Eso es justamente lo que consigue Atemporal. No intenta competir con las versiones originales ni reemplazarlas. Las observa desde la distancia que ofrecen tres décadas de recorrido, las vuelve más sobrias, más maduras y, en muchos casos, incluso más emotivas.

En una época donde la velocidad suele imponerse sobre la permanencia, Árbol recuerda que algunas canciones no necesitan perseguir tendencias para seguir vigentes. Simplemente encuentran nuevas formas de sonar. Y ese, quizás, sea el verdadero significado de ser atemporales.

Ludwig Emil Tomas Göransson nació en Linköping, Suecia, el 1 de septiembre de 1984. Su nombre homenajea a Beethoven y creció en una familia atravesada por la música: su padre era guitarrista de blues y profesor; su madre, pianista. Desde chico entendió que no existían géneros incompatibles, sino músicos que todavía no habían escuchado lo suficiente.

Estudió jazz e improvisación en el Real Conservatorio de Estocolmo y luego viajó a Estados Unidos con una beca para estudiar composición cinematográfica en la USC. Allí, en una fiesta universitaria jugando al pool, conoció a alguien que cambiaría su vida.

La amistad que lo hizo todo posible

Era el director Ryan Coogler. La conversación comenzó hablando de música sueca y terminó convirtiéndose en amistad. Cuatro meses después, Coogler le pidió que compusiera la música de su cortometraje Locks. Aquello fue el comienzo de una colaboración que atravesaría toda su carrera.

En la USC también conoció a Donald Glover, durante el rodaje de Community. Primero fueron colegas, hasta que Glover le escribió para pedirle ayuda con unas canciones. Göransson llegó a su departamento y descubrió que aquel actor de televisión era, en secreto, Childish Gambino.

Childish Gambino: una década de experimentación

Con Glover produjo Camp, Because the Internet y Awaken, My Love!, donde ambos se sumergieron en el funk de los años 70, estudiando a George Clinton y Funkadelic. Göransson no conocía el género: lo investigó, lo absorbió y lo transformó.

El punto culminante fue “This Is America” (2018), una canción que ambos trabajaron durante años antes de terminarla en una sesión frenética. Ganó dos de los premios más importantes de los Grammy y tuvo un impacto cultural global difícil de medir.

Ryan Coogler: de Oakland a Wakanda

Con Coogler desarrolló una regla que definiría su método: antes de escribir, hay que ir al lugar. Para Fruitvale Station grabó sonidos reales de Oakland; para Creed, visitó gimnasios de boxeo en Filadelfia. Pero Black Panther lo llevó mucho más lejos.

Para construir el sonido de Wakanda, viajó a Senegal junto a su esposa, la violinista Serena McKinney, y trabajó con el músico Baaba Maal. Recorrió aldeas, escuchó músicos locales y llegó a vivir una experiencia que describió como religiosa. De allí nació una banda sonora que mezcló orquesta, hip-hop y música africana tradicional, y que le dio un Oscar y un Grammy.

Christopher Nolan: el gran salto

Cuando Christopher Nolan lo llamó para Tenet (2020), Göransson tomó el lugar de Hans Zimmer, colaborador histórico del director. La presión era enorme, pero aquella relación terminó convirtiéndose en una nueva sociedad creativa.

Para Oppenheimer (2023) construyó una música marcada por la ansiedad, la ambigüedad moral y la devastación. El trabajo le dio otro Oscar, un Globo de Oro y un Grammy. Para Sinners (2025), volvió a trabajar con Coogler después de meses investigando la historia del blues del Delta del Mississippi. El resultado le valió su tercer Oscar.

Ahora trabaja nuevamente con Nolan en La Odisea (2026). Su decisión resume su filosofía: no utilizar una orquesta sinfónica. En su lugar aparecen liras, aulos y 35 gongs de bronce inspirados en fuentes arqueológicas griegas. “La orquesta no existía entonces”, explicó.

The Mandalorian: una flauta en el bosque

Para The Mandalorian recibió otro desafío monumental: crear música para un universo marcado por John Williams. Su respuesta fue inesperada: compró unas flautas de madera, aprendió a tocarlas y se fue solo al bosque. De aquellas sesiones de improvisación nació el tema del Mandaloriano, que le dio dos Emmy consecutivos.

El método: investigar, sumergirse y empezar de cero

La característica que diferencia a Göransson es una filosofía radical: cada proyecto es un idioma nuevo. No recicla fórmulas. Investiga, viaja, escucha y aprende antes de componer. África para Black Panther, musicólogos de la Antigua Grecia para La Odisea, archivos del blues para Sinners.

“Mi enfoque es construir sonidos desde cero para que no tengan asociaciones previas”, explicó. La idea conecta con una de sus grandes influencias, Ennio Morricone, además de John Williams y Danny Elfman: encontrar un sonido único que pueda quedar grabado para siempre.

Tres Oscar antes de los 42. Y recién empieza

A los 41 años, Göransson acumula tres Oscar, cuatro Grammy, dos Emmy y dos Globos de Oro. Trabajó para Marvel y Star Wars, para Nolan, Coogler y algunos de los artistas más importantes del pop, entre ellos Rihanna, Justin Timberlake y Kendrick Lamar.

Pero lo más interesante no son los premios, sino la actitud. Es el músico que viaja durante horas por caminos de tierra para encontrar una aldea sin señal antes de componer una película. El que, frente al desafío de Star Wars, compra una flauta y se interna en un bosque.

En una industria donde muchos compositores encuentran un sonido y luego lo repiten, Göransson hace exactamente lo contrario: destruye su propio sonido para construir uno nuevo. Y quizás ahí esté el secreto de que, aunque cada banda sonora suene diferente, todas terminen llevando su firma.

Con un elenco encabezado por Elle Fanning, Callum Turner, Tracy Letts y Pamela Anderson, el realizador brasileño vuelve a sumergirse en uno de los territorios que mejor conoce: las relaciones humanas cuando comienzan a resquebrajarse. Esta vez, el escenario es una luminosa residencia familiar en Cataluña, donde una acomodada familia estadounidense intenta sostener una aparente armonía que pronto empezará a desmoronarse.

La llegada de un extraño actuará como detonante. Bajo esa superficie de privilegio, bienestar económico y afectos cuidadosamente administrados emergerán resentimientos, deseos ocultos y viejos conflictos que amenazan con romper un equilibrio construido más sobre las apariencias que sobre los vínculos reales.

Aunque en los últimos años su nombre comenzó a circular con mayor frecuencia entre el público internacional, Karim Aïnouz lleva más de dos décadas construyendo una filmografía coherente y profundamente personal.

Nacido en Fortaleza y formado entre Brasil y Europa, el director desarrolló una obra donde la identidad, el deseo, el exilio, la memoria y la búsqueda de pertenencia aparecen una y otra vez como ejes centrales. Películas como Madame Satã, Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo, Praia do Futuro, La vida invisible de Eurídice Gusmão —ganadora de la sección Un Certain Regard en el Festival de Cannes— y, más recientemente, Firebrand, presentada en competencia oficial en Cannes, consolidaron un estilo que combina una enorme sensibilidad visual con personajes atravesados por conflictos íntimos.

Rosebush Pruning dialoga con una tradición de películas que utilizan a las familias acomodadas como laboratorio para explorar las contradicciones del poder, la herencia y los afectos. Pero el director brasileño evita convertir el relato en una simple sátira social.

Lejos del efectismo, Aïnouz filma emociones. Sus historias suelen detenerse en aquello que permanece oculto: los gestos mínimos, las palabras que nunca se dicen y las heridas que sobreviven durante años dentro de una familia o una pareja. Si existe un tema recurrente en su cine, ese es la familia. Pero nunca desde una mirada idealizada.

En las películas del director brasileño, los vínculos familiares funcionan como espacios de tensión permanente. El amor convive con el silencio; la cercanía, con la distancia emocional; el deseo de pertenecer, con la necesidad de escapar. Rosebush Pruning parece profundizar justamente esa exploración. A partir de una familia privilegiada que vive rodeada de confort, la película observa cómo las estructuras aparentemente más sólidas pueden comenzar a derrumbarse cuando alguien altera el orden establecido.

La propuesta también incorpora una lectura crítica sobre el patriarcado y las relaciones de poder. Más que señalar culpables, Aïnouz parece interesado en observar cómo determinadas dinámicas familiares se sostienen gracias a pactos silenciosos, expectativas heredadas y afectos condicionados por el lugar que cada integrante ocupa dentro del grupo.

Pamela Anderson y una nueva etapa artística

Uno de los aspectos más interesantes del proyecto es la presencia de Pamela Anderson, quien atraviesa uno de los momentos más estimulantes de su carrera. Durante décadas, la actriz canadiense quedó asociada casi exclusivamente al fenómeno mediático de los años noventa. Sin embargo, en los últimos tiempos inició un proceso de revalorización artística que modificó profundamente la percepción sobre su trabajo.

Su documental autobiográfico, el reconocimiento obtenido por sus interpretaciones más recientes y la decisión de asumir personajes alejados de la imagen que la hizo famosa marcaron una nueva etapa profesional. Su incorporación al universo de Karim Aïnouz parece responder precisamente a esa búsqueda. Lejos del glamour superficial con el que tantas veces fue representada, Anderson pasa a integrar un relato donde los personajes se construyen desde sus contradicciones y fragilidades.

Nacido en Fortaleza y formado entre Brasil y Europa, el director desarrolló una obra donde la identidad, el deseo, el exilio, la memoria y la búsqueda de pertenencia aparecen una y otra vez como ejes centrales.

El elenco se completa con Elle Fanning, una de las actrices más versátiles de su generación; Callum Turner, cada vez más consolidado en el cine internacional; y Tracy Letts, dramaturgo, actor y ganador del Premio Pulitzer, cuya presencia aporta un peso dramático particular a la historia.Aunque la película transcurre en un entorno de abundancia, Aïnouz parece menos interesado en el lujo que en aquello que este oculta. La casa luminosa, los jardines impecables y la aparente tranquilidad funcionan como una máscara que lentamente comienza a resquebrajarse. El privilegio económico no elimina los conflictos; simplemente cambia la forma en que estos se manifiestan.

En ese sentido, Rosebush Pruning dialoga con una tradición de películas que utilizan a las familias acomodadas como laboratorio para explorar las contradicciones del poder, la herencia y los afectos. Pero el director brasileño evita convertir el relato en una simple sátira social. Lo que verdaderamente le interesa son las emociones que sobreviven debajo de las estructuras familiares cuando las certezas empiezan a desaparecer.

Más que un cambio de rumbo, Rosebush Pruning parece representar una nueva etapa dentro de una filmografía que lleva años interrogando los mismos grandes temas desde perspectivas siempre diferentes. Vuelve a demostrar que el cine de autor no necesita renunciar al atractivo narrativo para plantear preguntas incómodas. En sus películas, la belleza visual nunca es un fin en sí mismo: funciona como el marco donde personajes complejos enfrentan deseos, pérdidas y contradicciones profundamente humanas.

Con Rosebush Pruning, el director brasileño suma una nueva pieza a una obra que sigue creciendo con una coherencia poco frecuente. Y MUBI vuelve a convertirse en el lugar ideal para descubrir a uno de los cineastas más interesantes de nuestro tiempo, capaz de transformar una reunión familiar en un inquietante retrato sobre el privilegio, el poder y las grietas invisibles que atraviesan incluso a quienes parecen tenerlo todo.