En esta conversación con RANDOM, Bauzá reflexiona sobre el atractivo de la incertidumbre, el humor negro como herramienta para abordar temas complejos, la potencia del teatro para interpelar a la sociedad, el valor de los equipos creativos y el diálogo permanente entre la dirección escénica y la música, disciplina que también forma parte de su identidad artística. Lejos de las definiciones cerradas, el director reivindica el escenario como un espacio de encuentro donde cada espectador completa la experiencia desde su propia sensibilidad. Al fin y al cabo, quizás el teatro siga siendo uno de los pocos lugares donde todavía es posible detenerse a cuestionar aquello que parecía indiscutible.

Actualmente tenés en cartel dos obras muy distintas en tono, pero que parecen compartir cierta inquietud por aquello que se oculta detrás de la normalidad. ¿Encontrás un hilo común entre El alma de la noche y Mental?

Bueno, precisamente el hilo en común entre las dos obras es eso, es donde está el límite de la normalidad. En las dos obras se atacan esos temas desde distintos ángulos, una de manera muy cruda como Mental, directamente metiendo la situación en un neuropsiquiátrico y con gente diagnosticada con patologías psiquiátricas, y luego, por otro lado, en El alma de la noche, un poquito más solapada en la comedia, pero sí, desde un chico que tiene un retraso mental y una cierta discapacidad, aparentemente puede tener más cordura que el resto de los personajes que lo rodean, que están bajo una aparente normalidad.

En El alma de la noche trabajás desde el humor negro y en Mental desde el thriller psicológico. ¿Qué te atrae de esos géneros que se mueven en los bordes entre la risa, el miedo y la incomodidad?

Sí, precisamente un poco eso es lo que me atrae (o nos atrae) a hacer teatro, que es poner un poco de duda sobre las certezas que hay y empezar a generar preguntas, y cuando conocemos las respuestas, que esas preguntas cambien, que sean nuevas, y que estemos constantemente en ese loop de preguntarnos cosas, de que los personajes transiten por esos caminos de preguntas y de incertidumbre. Es lo más atractivo, lo más lindo del teatro.

Ambas obras ponen en crisis las certezas de los personajes: una desde los vínculos domésticos y la otra desde una institución psiquiátrica. ¿Te interesa particularmente explorar esos espacios donde la realidad deja de ser confiable?

No, me atraen todos los géneros. Creo que más que analizarlo desde un género, que ahora que lo decís, sí, probablemente revisitando un poco las obras que dirigí a lo largo de los años, el humor negro es una de las cosas que está ahí como bandera. Probablemente sí sea una de las que más me atraiga o me divierta. Es la forma de contar ciertas situaciones que pueden ser muy profundas y demasiado inentendibles para la comprensión humana, hacer humor de eso.

Entonces el humor negro me atrae un poco por ese lado y sí, lo que tiene que ver con el humor me manejo con un poquitito más de comodidad ahí. Pero más que nada uno busca material que te genere cosas, que te genere preguntas, que no sepas cómo abordarlo. Eso es un desafío desde lo artístico, de cómo pensar algo. Hay algo en una lectura que te atrae más allá del género y luego ahí nos metemos, nos metemos de lleno, sea cual sea el género. El desafío a la hora de elegir una obra va más por otro lado.

Uno quiere contar una historia y que la gente la pase bien. La gente hace su esfuerzo, sale de su casa, viaja, paga una entrada. Eso es muy valorado por nosotros.

«…Queremos darle al espectador una buena experiencia en líneas generales, un espectáculo de calidad por donde se lo mire…»

Como director, ¿cómo construís una atmósfera que mantenga al espectador en estado de alerta sin perder el vínculo emocional con los personajes?

Bueno, creo que van de la mano, es como una especie de combo de dos por uno. Si logramos que el espectador conecte emocionalmente con los personajes, eso va a dejar que se deje guiar por ese camino de la historia que estamos contando. Entonces, al permitirse conectar, hacer ese camino es mucho más llevadero para ambas partes.

Ahí es donde entra tener al espectador, como decís, en estado de alerta, o lo llamaría más como prestarse a jugar este juego que le proponemos, de transitar esta ficción como si fuera lo más real posible. Luego la atmósfera se va creando, no sólo trabajando y pensando en eso previamente, sino que se va construyendo en el camino de acuerdo a cómo van los ensayos y cómo se desarrollan los personajes, la idea que yo puedo tener como director con las propuestas de los actores y cómo esa comunión deviene en una nueva forma de ese personaje.

Y ese personaje, cómo lo vamos metiendo dentro de la escena, trabajando también con los creativos que se encargan de escenografía, vestuario, iluminación, música. Todo eso apoya y hace que el espectador se entregue más fácilmente a este juego que le proponemos.

En Mentalaparece una crítica al sistema y a las estructuras de poder, mientras que El alma de la noche parece observar las pequeñas violencias de la vida cotidiana. ¿Creés que el teatro sigue siendo una herramienta eficaz para interpelar a la sociedad?

Sin duda. El teatro, no sé si es eficaz, pero sí que es una herramienta poderosísima para interpelar a la sociedad y es también una de sus grandes tareas. Además de entretener, hay espectáculos que trascienden ese mero entretenimiento e interpelan a la sociedad.

Es poderosísima porque te pone delante de tus narices un montón de verdades y, bueno, desde ahí interpela. No sé si es eficaz porque no sé si logra siempre su cometido, pero ahí está. Depende de las sociedades y de las personas que los vean. Nosotros desde el teatro sí tratamos de hacer eso, de poder interpelar y que la sociedad se haga preguntas al respecto.

«…poner un poco de duda sobre las certezas que hay y empezar a generar preguntas, y cuando conocemos las respuestas, que esas preguntas cambien, que sean nuevas, y que estemos constantemente en ese loop de preguntarnos cosas…»

Repetís colaboradores en ambas producciones, especialmente en áreas como arte, vestuario e iluminación. ¿Qué valor tiene para vos consolidar equipos creativos que te acompañen en distintos proyectos?

Sí, es muy importante para mí formar un buen equipo de trabajo en general, en todas las disciplinas, pero especialmente en esta parte creativa que compone los distintos elementos de la puesta en escena. Hace mucho más fácil el trabajo de uno.

Seleccionar y elegir las personas idóneas me parece que es la tarea más difícil, pero con estos compañeros de ruta de hace muchos años, con quienes hemos trabajado en muchísimas obras, este año coincidimos en tres producciones: El alma de la noche, Mental y también Tú y yo somos tres.

Trabajamos con todo el diseño de arte, escenografía y vestuario de Sabrina López Hovhannessian y el diseño de iluminación de Claudio del Bianco, que además de ser personas fantásticas con las que se puede trabajar muy cómodo, son creativos increíbles que, como te decía antes, nos hacen la tarea mucho más fácil y nos permiten contar la historia de una manera más poética, más linda. Me parece muy importante esta formación de un buen equipo de trabajo.

Además de dirigir, en Mental componés la música original. ¿Cómo dialogan en tu proceso creativo la dirección escénica y la construcción sonora de una obra?

Lamentablemente los músicos tenemos un poquito una cabeza que todo va relacionado al sonido y a las cuestiones musicales, entonces estamos siempre pensando. En este caso dialogan muy bien y muy genuinamente porque es un ejercicio que tengo hecho: pensar la obra también con el apoyo de la música.

Después es otra tarea, otra complejidad, ponerse a trabajar en las composiciones, pero a medida que uno va trabajando las escenas se imagina los distintos aportes musicales, qué música corresponde o qué leitmotiv puede corresponder a cada personaje, con qué colores. Son cuestiones más musicales.

Entonces se dialoga muy fácil. Está constantemente fluyendo un diálogo entre el músico y el director porque mi cabeza va naturalmente hacia ahí. Después la composición es otro tema bastante más complejo y ahí empiezan las trabas, porque hay que ver si uno puede lograr expresar con música eso que tiene en la cabeza y que sea suficiente para lo que está pensando. Pero ese ya es otro tema.

«…Si logramos que el espectador conecte emocionalmente con los personajes, eso va a dejar que se deje guiar por ese camino de la historia que estamos contando. Entonces, al permitirse conectar, hacer ese camino es mucho más llevadero para ambas partes…»

Después de enfrentarse a estas dos experiencias tan diferentes, ¿qué te gustaría que el público se lleve al salir de la sala: preguntas, emociones, incomodidad, reflexión o algo más?

No, no lo tengo tan claro, honestamente. No pienso por ahí en esos términos. Uno quiere contar una historia y que la gente la pase bien. La gente hace su esfuerzo, sale de su casa, viaja, paga una entrada. Eso es muy valorado por nosotros.

Queremos darle una buena experiencia en líneas generales, un espectáculo de calidad por donde se lo mire, desde el momento de ingresar a la sala hasta el momento en que se va. Que sea una buena experiencia.

Después nosotros contamos la historia y cada persona es muy distinta. Si a algunos les genera cuestiones emocionales, a otros incomodidades, o empiezan a hacerse preguntas, todo lo que les suceda es válido. Incluso es válido que alguien diga que no le gustó o que no era para él. No es lo que uno quiere, porque justamente uno quiere agradecer ese esfuerzo que hizo el espectador para venir, pero puede pasar.

Lo que sí trato de no resignar es que sea un espectáculo, para lo que yo entiendo, de calidad. Ese sería el objetivo principal: ofrecer una experiencia de calidad y contar la historia que queremos contar.

Pese a que Mental y El alma de la noche transitan caminos estéticos diferentes, la charla deja entrever una misma búsqueda artística. Para Sebastián Bauzá, el teatro no parece ser un espacio destinado a impartir lecciones ni a ofrecer conclusiones definitivas. Su interés está puesto en abrir puertas, generar interrogantes y construir experiencias capaces de involucrar al espectador desde la emoción, la reflexión o incluso la incomodidad.

En tiempos donde abundan las respuestas inmediatas, sus obras apuestan por algo menos frecuente: la duda. Ya sea desde la oscuridad del humor negro o desde la tensión de un thriller psicológico, Bauzá invita al público a mirar de nuevo aquello que creía conocer. El resto del recorrido, como ocurre siempre en el mejor teatro, queda en manos de quien se sienta frente al escenario.

El alma de la noche se presenta los sábados a las 20:30 horas en el Teatro Ñaca (Julián Álvarez 924, CABA), mientras que Mental puede verse los viernes a las 20:30 horas en el Teatro Área 623 (Pasco 623, CABA). Las entradas para ambas propuestas están disponibles a través de Alternativa Teatral.

El film, protagonizado por Teresita Sánchez, Hugo Ramírez, Enrique Arreola y el debut de Bastian Escobar, retoma una de las obsesiones más persistentes del cine de Eimbcke: los vínculos humanos en estado de fragilidad. Pero esta vez lo hace desde un punto de partida que carga una intensidad particular: la soledad no como paisaje emocional, sino como estructura de vida.

Olga, la protagonista, vive en un enorme conjunto residencial donde el tiempo parece repetirse sin sobresaltos. Su rutina está hecha de hábitos que funcionan como defensa, una forma de sostener un orden íntimo que evita cualquier tipo de fisura. Pero ese equilibrio se quiebra cuando, por necesidad económica, decide alquilar una habitación de su departamento. Lo que parece una decisión práctica abre una grieta mayor: su nuevo inquilino ingresa al espacio con un secreto, la presencia oculta de su hijo de nueve años.

A partir de ahí, Moscas se mueve en un terreno donde lo cotidiano deja de ser neutro. La convivencia forzada transforma el hogar en un espacio inestable, donde la cercanía deja de ser abstracta y se vuelve una experiencia inevitable. Olga no enfrenta un conflicto espectacular, sino algo más silencioso y persistente: la irrupción del otro como forma de desorden emocional.

Pero detrás de esa premisa hay una historia mucho más antigua. En diálogo con la prensa, Eimbcke contó que el origen del proyecto se remonta a hace más de dos décadas, cuando escribió un guion para una serie de televisión a pedido de Alejandro González Iñárritu. El proyecto llegó a una etapa de preproducción, pero nunca se concretó por falta de acuerdos con la televisora, y el material quedó archivado durante años. “Alejandro le gustó el guion, entramos en una preproducción, pero después ya no hubo acuerdos con la televisora y se quedó guardado”, recordó el director. Mucho tiempo después, ya en otro momento de su vida y su carrera, Eimbcke volvió a ese archivo casi por casualidad. “Lo leí y la premisa seguía siendo lo suficientemente fuerte. Le hablé a Alejandro y le dije si la podía usar. Me respondió: ‘Es tuya’”.

Eimbcke vuelve a insistir en otra lógica: la del tiempo lento, la observación paciente y la emoción que no se anuncia. Moscas no propone respuestas cerradas

Ese gesto de reencuentro con el material no solo reactivó el proyecto, sino que también, según el propio director, permitió que la historia encontrara su madurez. Eimbcke reconoce que el paso del tiempo fue determinante para poder abordar ciertos temas que atraviesan la película, especialmente el de la pérdida y la transformación emocional que implica el vínculo con otros.

En ese sentido, Moscas no solo habla de la soledad, sino también de cómo esa soledad se redefine cuando aparece la posibilidad del afecto, incluso cuando esa posibilidad incomoda o desestabiliza. Uno de los elementos centrales del film es su tratamiento visual: el blanco y negro. Lejos de ser una decisión meramente estética, Eimbcke lo concibe como una herramienta emocional. “El blanco y negro capta algo muy esencial en la infancia. Hay algo en la mirada y en la sonrisa de los niños que se vuelve muy especial”, explicó. Esa elección, además, refuerza la sensación de aislamiento del personaje principal, construyendo una especie de coraza visual alrededor de su mundo.

“Fortalecía esa idea de una coraza alrededor del personaje”, señaló el director, aludiendo a cómo la fotografía contribuye a delinear el universo emocional de Olga, donde lo externo parece filtrado, distanciado, casi suspendido. Pero quizás uno de los elementos más reveladores de la película sea el lugar del humor dentro de su estructura. Lejos de entenderlo como un alivio externo, Eimbcke lo incorpora como parte del mecanismo interno del relato. “Vanesa Garnica y yo teníamos un parámetro para saber si una escena funcionaba o no: el humor. Es una muestra de respeto hacia los personajes. Incluso en las situaciones más difíciles, el humor ayuda a atravesarlas”, comentó.

En esa tensión entre lo doloroso y lo leve, Moscas encuentra uno de sus tonos más particulares. No se trata de una película que subraya el drama, sino de una que confía en los matices, en las pequeñas fisuras donde lo humano aparece sin aviso.

El recorrido internacional del film refuerza esa lectura. Tras su paso por la Competencia Oficial de la Berlinale en su 76° edición, su presentación en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara como función inaugural y su presencia en el programa Écrans Juniors del Festival de Cannes, Moscas llega a la cartelera con el respaldo de un circuito que reconoce en ella una sensibilidad particular dentro del cine contemporáneo.

En tiempos donde muchas historias parecen buscar el impacto inmediato, Eimbcke vuelve a insistir en otra lógica: la del tiempo lento, la observación paciente y la emoción que no se anuncia. Moscas no propone respuestas cerradas, sino una pregunta sostenida: qué ocurre cuando lo que más tememos —el vínculo, la cercanía, el otro— finalmente sucede. Y en esa pregunta, que nunca se resuelve del todo, la película encuentra su forma más perdurable.

Uno de los regresos destacados será el de The Hunting Party, que estrenará su segunda temporada el próximo 23 de julio. La serie creada por J.J. Bailey profundiza una premisa que combina thriller criminal y conspiración gubernamental: un grupo de investigadores persigue a algunos de los asesinos más peligrosos de Estados Unidos luego de una fuga masiva desde una prisión secreta.

La figura central vuelve a ser Rebecca «Bex» Henderson, interpretada por Melissa Roxburgh, quien deberá enfrentarse a nuevas revelaciones mientras la trama amplía el misterio alrededor de «El Pozo», la inquietante cárcel clandestina que funciona como núcleo de la historia. El atractivo de la serie no reside únicamente en la captura de criminales, sino en la forma en que utiliza cada caso para expandir una red de secretos que amenaza con alterar todo lo que los protagonistas creen saber.

En otro registro completamente diferente, el 27 de julio regresará St. Denis Medical, la sitcom ambientada en un hospital público de Oregón que encontró una identidad propia dentro del formato mockumentary. Creada por Eric Ledgin y Justin Spitzer, la serie se suma a una tradición de comedias que observan el funcionamiento de instituciones desde una mirada tan absurda como humana.

También estarán disponibles títulos fundamentales como Batman Inicia, Batman: El Caballero de la Noche, The Prestige, El Origen, Interestelar y Tenet

Lejos de las representaciones heroicas tradicionales del personal médico, St. Denis Medical encuentra humor en las limitaciones presupuestarias, en los errores cotidianos y en los vínculos entre trabajadores que intentan sostener el sistema sanitario mientras todo parece desmoronarse a su alrededor. La renovación anticipada para una tercera temporada confirma la buena recepción de una producción que logró conectar con el público gracias a personajes reconocibles y situaciones tan incómodas como divertidas. El cierre de mes estará marcado por el desenlace de la primera temporada de CIA, cuyo episodio final llegará el 29 de julio. El spin-off del universo FBI propone un choque permanente entre dos formas opuestas de entender el trabajo de inteligencia.

Por un lado aparece Colin Glass, interpretado por Tom Ellis, un agente dispuesto a quebrar cualquier regla si eso lo acerca al objetivo. Del otro está Bill Goodman, encarnado por Nick Gehlfuss, representante de una mirada mucho más rígida y protocolar. Esa tensión entre pragmatismo y legalidad atraviesa toda la temporada y desemboca en un episodio final donde la identidad de un infiltrado amenaza con cambiar el destino de la operación. El proyecto lleva además el sello de Dick Wolf, uno de los productores más influyentes de la televisión estadounidense, responsable de construir algunas de las franquicias policiales más exitosas de las últimas décadas.

La presencia de Oppenheimer tiene además un peso particular. La película, convertida en fenómeno global durante 2023, obtuvo siete premios Oscar, incluidos Mejor Película y Mejor Director, consolidando definitivamente a Nolan como una de las voces más importantes del cine moderno.

Quizás la incorporación más seductora para los amantes del cine llegue el 7 de julio con la Colección Christopher Nolan, una selección de ocho películas que permite recorrer la evolución artística de uno de los realizadores más influyentes del siglo XXI. La propuesta funciona casi como una retrospectiva condensada de su filmografía. Desde el rompecabezas narrativo de Memento hasta la monumentalidad histórica de Oppenheimer, la colección ofrece un recorrido por las obsesiones que definieron su carrera: el tiempo, la memoria, la percepción de la realidad y la compleja relación entre conocimiento y poder.

También estarán disponibles títulos fundamentales como Batman Inicia, Batman: El Caballero de la Noche, The Prestige, El Origen, Interestelar y Tenet, obras que muestran cómo Nolan logró algo poco frecuente en el cine contemporáneo: combinar ambición autoral, experimentación narrativa y éxito masivo de audiencia.

Con estrenos que abarcan desde la investigación criminal hasta la sátira hospitalaria y una selección cinematográfica de primer nivel, Universal+ construye una programación de julio que apuesta tanto por las novedades como por la revisita de obras esenciales. Un mes donde conviven asesinos seriales, médicos desbordados, agentes secretos y algunas de las películas más influyentes de las últimas décadas.

Ese fenómeno volverá a hacerse visible el próximo 5 de diciembre, cuando «Serú Girán por Lebón y Aznar» llegue por primera vez al Hipódromo de La Plata como parte de la programación de Noches Capitales 2026. La cita representa mucho más que una nueva fecha en una gira exitosa: es la confirmación de que el repertorio de una de las bandas fundamentales de la música argentina continúa dialogando con el presente.

La respuesta del público durante los últimos meses parece respaldar esa idea. Las presentaciones realizadas en el Movistar Arena durante junio agotaron localidades en tiempo récord y dieron origen a una serie de funciones que siguió creciendo ante la demanda. Lo que inicialmente podía interpretarse como un reencuentro especial terminó convirtiéndose en uno de los acontecimientos musicales más relevantes del año, impulsado por miles de personas que encontraron en estas canciones una parte de su propia historia.

Sin embargo, reducir el fenómeno a la nostalgia sería una simplificación. La vigencia de Serú Girán tiene raíces más profundas. Desde su aparición, el grupo redefinió los límites del rock argentino combinando sofisticación musical, riesgo artístico y una capacidad poco común para retratar la realidad a través de sus letras. Discos como La grasa de las capitales, Bicicleta, Peperina o Serú Girán no solo marcaron una época: ampliaron las posibilidades creativas de toda una generación de músicos y dejaron canciones que continúan encontrando nuevos significados décadas después de haber sido escritas.

Cuando Serú Girán apareció en 1978, el rock nacional atravesaba uno de los períodos más complejos de su historia. En plena dictadura militar, el grupo construyó un lenguaje artístico que escapaba a cualquier clasificación sencilla. Había rock progresivo, jazz, influencias brasileñas, arreglos sofisticados y una búsqueda estética poco frecuente para la escena local. Pero también existía una mirada aguda sobre la realidad argentina, muchas veces expresada a través de metáforas que lograban sortear la censura de la época.

En cada nueva escala se repite una escena que resume el espíritu de este fenómeno: personas que vivieron el nacimiento de la banda comparten espacio con jóvenes que descubrieron su música décadas después

Canciones como Canción de Alicia en el país se transformaron en símbolos de una generación que aprendió a leer entre líneas, mientras que piezas como Seminare, Eiti Leda o Desarma y sangra demostraron que la sensibilidad poética podía convivir con la ambición musical. A diferencia de otros grupos fundamentales de aquellos años, Serú Girán logró construir una obra que combinó excelencia artística con una llegada masiva, una característica que todavía hoy la distingue dentro de la historia del rock argentino.

Quizás por eso sus canciones continúan despertando la misma emoción en públicos tan diferentes. Son obras que fueron pasando de mano en mano, de padres a hijos, de hermanos mayores a menores, atravesando generaciones sin perder significado. Lo notable es que no sobreviven únicamente gracias al recuerdo: mantienen intacta su capacidad de conmover.

Mucho más que un reencuentro

Hay un detalle que explica por qué este proyecto consiguió evitar la trampa de la nostalgia. Ni David Lebón ni Pedro Aznar plantean estos conciertos como una reconstrucción exacta del pasado. Sería imposible. El valor de estas presentaciones radica, justamente, en comprobar que las canciones siguen respirando por sí mismas.

En distintas entrevistas, Aznar ha destacado la emoción que le genera ver a jóvenes que nacieron décadas después de la separación de la banda cantar de memoria cada estrofa. Para el músico, allí reside una de las mayores pruebas de la trascendencia artística: cuando una obra deja de pertenecer exclusivamente a quienes la crearon y pasa a formar parte de la vida de otras personas.

Lebón, por su parte, suele referirse a estos conciertos desde un lugar profundamente afectivo. Más que una celebración de la propia trayectoria, los vive como un encuentro con el público y con una música que continúa despertando las mismas sensaciones que cuando fue creada. Esa conexión emocional es la que termina convirtiendo cada función en algo más cercano a una celebración colectiva que a un simple recital.

En plena dictadura militar, el grupo construyó un lenguaje artístico que escapaba a cualquier clasificación sencilla. Había rock progresivo, jazz, influencias brasileñas, arreglos sofisticados y una búsqueda estética poco frecuente para la escena local.

El proyecto se completa con una formación integrada por Federico Arreysegor en teclados y voces, Fernando Cosenza en guitarras, Matías Sabagh en batería y Fermín Ferraris en teclados. Juntos recrean uno de los repertorios más complejos y refinados del rock nacional con el respeto que exige una obra de semejante importancia, pero también con la personalidad necesaria para mantenerla viva.

Una gira que confirma la vigencia

La presentacón en La Plata forma parte de un recorrido que seguirá expandiéndose por distintas ciudades argentinas y escenarios de Sudamérica. El éxito de convocatoria transformó a «Serú Girán por Lebón y Aznar» en una de las giras más significativas de 2026, demostrando que la influencia de aquellas canciones sigue creciendo mucho más allá de Buenos Aires.

En cada nueva escala se repite una escena que resume el espíritu de este fenómeno: personas que vivieron el nacimiento de la banda comparten espacio con jóvenes que descubrieron su música décadas después. No se trata solamente de un legado que se conserva; se trata de una obra que continúa generando nuevas experiencias y nuevas formas de identificación.

La fecha del 5 de diciembre en el Hipódromo de La Plata, dentro de Noches Capitales 2026, será una nueva oportunidad para comprobarlo. Porque mientras muchas reuniones históricas encuentran su fuerza en el recuerdo, la obra de Serú Girán sigue sosteniéndose en la vigencia. Sus canciones no regresan porque alguna vez fueron importantes; regresan porque todavía tienen algo para decir.

En una época marcada por la velocidad, las tendencias pasajeras y el consumo inmediato, el éxito de este reencuentro deja una certeza poco frecuente: algunas obras consiguen atravesar las décadas porque fueron creadas para perdurar. Y mientras miles de personas sigan encontrando en ellas una emoción, una memoria o una pregunta vigente, Serú Girán continuará siendo mucho más que una banda histórica. Seguirá siendo una parte viva de la cultura argentina.

La cantante actuará en el escenario principal de Plaza de España durante la jornada «Orgullo Latino», compartiendo cartel con artistas como Mon Laferte y Monsieur Periné. La invitación llega en un momento excepcional de su carrera: después de convocar a más de 160.000 personas en dos estadios River Plate agotados, compartir escenario con Kylie Minogue y consolidar el éxito de No Vayas a Atender Cuando el Demonio Llama, un álbum que terminó de confirmar su madurez artística. Pero si algo vuelve especialmente significativa esta presentación es que Lali no llega únicamente como una estrella del pop argentino. Lo hace como una artista cuya figura pública quedó profundamente ligada a la defensa de la diversidad, la libertad y los derechos humanos.

Ese compromiso fue reconocido en 2024 por Amnistía Internacional durante la ceremonia Voces que transforman: Orgullo Vivo, donde recibió una distinción por su trabajo en la promoción de los derechos de la comunidad LGTBIQ+. Lejos de asumir ese reconocimiento como un mérito individual, eligió poner el foco en la comunidad que, según sus propias palabras, la inspiró desde siempre.

«Es muy emocionante sentirme parte de la comunidad a la que le debo tanta inspiración, belleza, luz y vida. Siempre voy a sumar mi grano de arena», expresó durante su discurso, reivindicando el lugar del arte como una herramienta para acompañar causas colectivas.

En ese mismo mensaje dejó una de las frases que mejor resume su forma de entender la visibilidad pública: «No existe el ‘te salvás solo'». Para Lali, el privilegio de tener un micrófono implica también asumir una responsabilidad. «Tengo una herramienta hermosa, que es el arte. Me expreso con algo tan luminoso como la música», sostuvo frente al auditorio.

España ha acompañado de cerca esa evolución. En sus últimas visitas agotó funciones en Madrid, Barcelona y Sevilla

No es la primera vez que convierte el escenario en un espacio de reivindicación. En los Premios Gardel de 2024 utilizó su discurso para recordar el lesbicidio de Barracas y reclamar que la violencia contra las personas LGTBIQ+ no fuera naturalizada. También participó de distintas marchas del Orgullo en Buenos Aires, donde acompañó públicamente los reclamos por igualdad y libertad.

Incluso en sus conciertos, Lali ha compartido experiencias personales vinculadas a la construcción de su identidad. Durante un show realizado en Madrid en 2023, recordó que hablar abiertamente sobre su bisexualidad significó para ella «un grito de libertad», y alentó a su público a vivir sin miedo a los mandatos sociales.

Ese recorrido encuentra un correlato en su obra más reciente. No Vayas a Atender Cuando el Demonio Llama propone un universo donde la libertad, la identidad y la ruptura con los condicionamientos aparecen como temas permanentes. Más que un simple disco pop, funciona como una declaración artística sobre la posibilidad de elegir quién ser, incluso cuando esa decisión incomoda.

España ha acompañado de cerca esa evolución. En sus últimas visitas agotó funciones en Madrid, Barcelona y Sevilla, confirmando que su vínculo con el público español ya no responde al fenómeno de una artista extranjera en gira, sino a una conexión consolidada que sigue creciendo año tras año.

«Es muy emocionante sentirme parte de la comunidad a la que le debo tanta inspiración, belleza, luz y vida. Siempre voy a sumar mi grano de arena», expresó

Su llegada al Madrid Orgullo también coincide con una edición especialmente significativa del festival. En medio de debates sobre el sentido político del Orgullo y el lugar de la reivindicación dentro de una celebración cada vez más multitudinaria, la presencia de artistas que históricamente acompañaron las demandas del colectivo adquiere un valor adicional.

Después de conquistar los estadios más grandes de Argentina, Lali se prepara para un escenario diferente. Uno donde el aplauso no sólo celebra una carrera musical, sino también una forma de entender el arte: como un espacio donde el espectáculo puede convivir con la libertad, la diversidad y la posibilidad de que millones de personas se sientan representadas.

El próximo 8 de julio, Valeria Gastaldi volverá a subirse al escenario de La Tangente para presentar su nuevo show solista. Será una noche íntima, construida alrededor de las canciones que marcaron su camino fuera de Bandana, aunque inevitablemente también habrá lugar para revisitar parte de ese repertorio que quedó grabado en la memoria colectiva de toda una generación. El recital llega en medio de un presente particularmente intenso, apenas unos días antes comenzará la gira nacional con la que Bandana celebra sus 25 años de historia.

La entrevista con RANDOM se realizó a través de una llamada telefónica desde Miami, ciudad en la que vive desde hace cuatro años junto a su marido y sus tres hijos. Allí encontró un nuevo punto de partida para desarrollar su carrera como compositora mientras construía una vida familiar en el epicentro profesional de la música latina.

Del otro lado de la línea, entre ensayos, viajes y una agenda que combina la maternidad con la música, Gastaldi (44 años) habla con entusiasmo de un presente que la encuentra atravesando dos universos al mismo tiempo, el de la artista solista que busca el encuentro cercano con su público y el de la integrante de Bandana, banda que, un cuarto de siglo después de cambiar la historia del pop nacional, sigue convocando multitudes y sumando nuevas generaciones.

-El 8 de julio volvés a presentarte como solista en Buenos Aires. ¿Qué significa preparar un show en la Argentina viviendo en Miami?

-Cada vez que preparo un show en Argentina siento que estoy armando una valija para volver a casa. Después de tantos años, uno ya sabe qué canciones emocionan a la gente que lo acompaña desde hace tanto tiempo y eso genera muchísima ilusión. Desde que empezaron los festejos por los 25 años de Bandana los fans me preguntaban cuándo iba a hacer un recital propio. En diciembre cumplí ese deseo y me prometí volver cada seis meses, aunque tenga la agenda completamente llena.

-¿Con qué se va a encontrar el público que vaya a verte a La Tangente?

-Es un espectáculo muy orgánico. No usamos pistas, todo se toca y se canta en vivo. Me gusta improvisar, cambiar arreglos y dejar que las canciones respiren distinto cada noche. Hay momentos acústicos, otros mucho más rockeros y también aparecen invitados. En esta oportunidad seguramente estén Lourdes y Lissa. Además de recorrer mis discos, siempre encuentro alguna forma diferente de reencontrarme con canciones de Bandana, pero llevándolas a otro lugar.

-Al comenzar de tan chica, viste a tu público crecer a la par. ¿Cómo vivís ese fenómeno?

-Es una de las cosas más emocionantes que me regaló la música. Siempre digo que tenemos el mejor público porque nuestra música dejó de ser una moda para convertirse en parte de la vida de mucha gente. Los que antes nos seguían, ahora tienen hijos, al igual que yo, que tengo tres. Los míos comienzan a saber quién era su mamá hace 25 años y los fans traen también a sus hijos para que vean lo que disfrutaban sus padres antes. El público creció, sintió y se enamoró con Bandana como nosotros hicimos lo mismo con ellos de testigos. Ver que esas canciones pasaron de una generación a otra y hoy siguen vigentes, es un privilegio enorme y un agradecimiento permanente hacia quienes siguen eligiéndonos.

«…me encantaría hacer algo con Milo J. Me parece un músico muy talentoso, muy auténtico y con una sensibilidad especial para escribir. Hay muchísimos artistas jóvenes que hacen cosas interesantes, pero él es uno de los que más me llaman la atención…»

-¿Qué diferencias encontrás entre subirte al escenario como solista y hacerlo con Bandana?

-Las dos experiencias son completamente distintas y las disfruto por igual. Mis recitales solistas son mucho más íntimos, cercanos y emocionales, aunque terminamos todos cantando y saltando como si fuera un show multitudinario. Con Bandana la energía es enorme desde el primer minuto porque tocamos en escenarios mucho más grandes. Poder moverme entre esos dos universos me hace sentir muy plena como artista.

-Programaste tu show en medio de la gira nacional de Bandana. Una apuesta fuerte.

-Está siendo un año muy intenso y lo quiero aprovechar al máximo. Con respecto a Bandana, arrancamos con una primera etapa de la gira durante julio y después seguimos con otra muy grande en septiembre. Estaremos en provincias como Santiago del Estero, Tucumán, Chaco, La Pampa, Córdoba, Mendoza, Santa Fe. Y en el medio metí mi recital, así que es una locura hermosa. A veces me pregunto por qué agrego trabajo sobre una agenda ya explotada, pero después subo al escenario y recuerdo por qué siempre vale la pena hacerlo. Además cuento con el apoyo de mi familia que me banca en estas semanas y todo fluye de otra forma.

-En una recordada conferencia de prensa, Gustavo Cerati reconoció que el dinero no era el único motivo por el cual volvía Soda Stereo. Si es así, entonces, ¿por qué volvió Bandana?

-Porque nos seguimos eligiendo de verdad. Nosotras amamos Bandana y nunca pensamos el regreso solamente desde un lugar económico. Siempre estuvimos en contacto entre nosotras y cuando se hizo en 2016 “Bandana: La vuelta”, nos decíamos que debíamos reunirnos únicamente cuando existiera algún motivo especial. El año pasado Disney nos volvió a convocar porque estrenó la versión live action de “Lilo y Stitch”, que nosotras habíamos cantado la canción de la versión original de 2002, y cuando nos dimos cuenta que se cumplían 25 años de nuestro debut, dijimos “hagámoslo”. Y lo cierto es que nos lanzamos sin saber cómo iba a responder la gente y terminó convirtiéndose en una experiencia maravillosa que estamos disfrutando muchísimo.

-Muchos fanáticos siguen preguntándose por Ivonne Guzmán. ¿Cómo es hoy tu vínculo con ella y si existe alguna posibilidad de reencuentro?

-Con Ivonne sigo teniendo contacto y le guardo muchísimo cariño por todo lo que vivimos juntas, pero creo que ya no hay posibilidades de que vuelva al grupo. Desde “Bandana: La vuelta”, ella eligió no formar parte del proyecto. Nosotras respetamos esa decisión y seguimos adelante como cuarteto. Bandana se reconstruyó de esa manera y hoy vivimos un presente muy feliz, celebrando estos 25 años con una etapa que sentimos completamente nuestra. Pero la historia con Ivonne no la va a cambiar nada.

«…Cada vez que preparo un show en Argentina siento que estoy armando una valija para volver a casa. Después de tantos años, uno ya sabe qué canciones emocionan a la gente que lo acompaña desde hace tanto tiempo…»

-Hace cuatro años decidiste instalarte en Miami. ¿Qué motivó ese cambio de vida?

-Fue una decisión familiar y profesional al mismo tiempo. Mi marido, Facundo Pereyra Iraola, produce espectáculos en México y desde Miami todo era mucho más práctico para su trabajo. En mi caso empecé a dedicarme cada vez más a escribir canciones para otros artistas y sentí que desde Miami podía abrir nuevas oportunidades en Estados Unidos y México. Ya había vivido antes en esta ciudad, así que también era un lugar donde podíamos empezar de nuevo con cierta tranquilidad.

-¿Cómo lográs combinar una carrera artística tan activa con la maternidad y la vida familiar?

-Es un equilibrio intenso, pero me hace muy feliz. Tengo tres hijos, una familia y un trabajo que demanda muchísimo tiempo, aunque nunca sentí que una cosa le quitara espacio a la otra. Ser madre es el desafío más grande porque es una responsabilidad diaria y para toda la vida, pero también es el rol que más me enriqueció como persona. Mis hijos ya entienden perfectamente a qué me dedico y acompañan este ritmo de vida.

-Además de cantar, construiste una carrera como compositora.

-Es una parte fundamental de mi presente. Cuando no estoy de gira aprovecho cada espacio libre para escribir canciones. Me apasiona tanto componer para mí como hacerlo para otros porque el compromiso y la emoción son exactamente iguales. Nunca siento que una canción tenga menos valor por no interpretarla yo. Al contrario, disfruto muchísimo imaginar otras voces y otras historias.

«…Nos tocó vivir aquella época y fue maravillosa. Lo importante es que, sin redes sociales ni plataformas globales, las canciones sobrevivieron al paso del tiempo…»

-«Voy a amarte», el éxito de Carlos Rivera, lleva tu firma.

-Fue una experiencia transformadora. Esa canción originalmente la escribí para Los Nocheros, pero finalmente el productor con el que trabajo decidió entregársela a Carlos Rivera para la novela “Los ricos no piden permiso”. Terminó convirtiéndose en un enorme éxito y, de alguna manera, me abrió la puerta grande al mundo de la composición profesional. Siempre voy a estar profundamente agradecida por esa oportunidad.

-La industria cambió por completo con las redes sociales y las plataformas digitales. ¿Cómo vivís esa transformación?

-Somos de otra generación y eso se nota. Nos adaptamos a las redes, trabajamos con un gran equipo y entendemos cómo funciona, pero nuestra formación fue distinta. Venimos de una época donde el disco era un acontecimiento, donde elegíamos cuál era el single con el cual salir al mercado, donde las canciones crecían con el tiempo y donde el vivo era el centro de todo. No critico las nuevas herramientas, simplemente siento que nuestra identidad artística nació en otro contexto.

-¿Alguna vez pensaste qué hubiese pasado si Bandana surgía en la era de Instagram y TikTok?

-Seguramente hoy tendríamos millones de seguidores porque Bandana fue un fenómeno enorme también fuera de Argentina. Es una charla que aparece muchas veces entre nosotras. Tendríamos 15 o 20 millones de seguidores cada una, y la presión que eso conlleva de no defraudarlos y estar atentas a todo ese universo. De todos modos, no siento nostalgia o no me hago la cabeza pensando “qué hubiese sido si…”. Nos tocó vivir aquella época y fue maravillosa. Lo importante es que, sin redes sociales ni plataformas globales, las canciones sobrevivieron al paso del tiempo y hoy seguimos llenando teatros veinticinco años después.

-Entre los nuevos artistas, ¿hay alguien con quien te gustaría compartir una canción?

-Sí, me encantaría hacer algo con Milo J. Me parece un músico muy talentoso, muy auténtico y con una sensibilidad especial para escribir. Hay muchísimos artistas jóvenes que hacen cosas interesantes, pero él es uno de los que más me llaman la atención. Creo que sería muy lindo encontrar un punto de encuentro entre su universo musical y el mío.

-Comenzaste tu formación en la comedia musical. En este momento donde hay muchos artistas ajenos al género protagonizando en la cartela porteña, ¿te imaginás siendo parte? 

-Nunca cierro ninguna puerta. Yo me formé haciendo comedia musical, así que es un lenguaje que conozco y disfruto mucho. Si apareciera un proyecto interesante, que realmente me entusiasme, lo evaluaría con muchísimo gusto. Hoy estoy enfocada en la música, pero siempre me gusta desafiarme y explorar nuevos caminos cuando aparece la oportunidad adecuada.

La canción funciona como una explosión contenida. Escrita junto a Justin Tranter, Eren Cannata, Daniel Crean, Jason Gill, Amanda «Kiddo» Ibanez y Skyler Stonestreet, combina una producción de impronta pop-rock con una interpretación mucho más vulnerable de lo habitual en Perry. No busca la euforia inmediata sino construir una tensión que termina liberándose en un estribillo donde el fuego deja de ser una amenaza para convertirse en símbolo de transformación.

Esa idea encuentra su mejor traducción en el videoclip. La historia comienza en un hospital, donde la cantante descubre que de su cuerpo emerge una cola de escorpión imposible de controlar. A partir de allí, la narrativa se vuelve cada vez más surrealista: incendios, destrucción, persecuciones y un recorrido que culmina con una escena de bautismo. Lejos de proponer una lectura literal, el video utiliza esas imágenes para representar la convivencia con una parte de uno mismo que durante demasiado tiempo permaneció reprimida.

La elección del escorpión tampoco parece casual. Diversos medios estadounidenses interpretan esa figura como una referencia tanto a la intensidad emocional asociada al signo zodiacal de Perry como a la necesidad de aceptar su costado más incómodo en lugar de seguir ocultándolo. El desenlace, con una imagen de renacimiento, termina reforzando la idea de que el verdadero cambio no llega después de negar la oscuridad, sino de atravesarla.

La propia cantante explicó recientemente que la canción nació después de un período especialmente difícil de su vida. Contó que durante años nunca se permitió sentir enojo y que escribir «Watch It Burn» significó aceptar esa emoción sin caer en el lugar de víctima. Más que alimentar el resentimiento, el objetivo era atravesarlo para seguir adelante.

El entusiasmo de los seguidores también tiene su historia. Desde que el título apareció escondido como un guiño dentro del universo visual de «Bandaids», la canción se convirtió en uno de los lanzamientos más esperados por los fanáticos de Perry, que durante meses especularon sobre cuándo llegaría este segundo capítulo.

En las primeras horas tras el estreno, la recepción fue mayormente positiva. Entre los seguidores y en comunidades dedicadas al pop, muchos destacaron que el sencillo recupera parte de la energía de las grandes producciones que marcaron la carrera de Perry, mientras otros celebraron que la artista haya optado por una narrativa más oscura y menos complaciente que en trabajos recientes.

Con «Watch It Burn», Katy Perry no propone quemarlo todo por impulso. Lo que arde son las máscaras, la necesidad de agradar permanentemente y los silencios acumulados. El incendio, en definitiva, no destruye su identidad: la revela.

Lejos de las estrategias tradicionales de lanzamiento, Sartorio eligió que el público descubra Antifaz paso a paso. Cada jueves aparece una nueva pieza del rompecabezas que terminará de completarse con un disco de doce canciones inéditas, permitiendo que cada tema tenga su propio recorrido y encuentre su espacio entre los oyentes.

Ahora llega el turno de “Tengo”, una composición que profundiza el universo emocional y personal que atraviesa este nuevo trabajo. Con una impronta íntima y reflexiva, la canción vuelve a mostrar a un artista dispuesto a exponer sus sentimientos sin filtros, una característica que ha acompañado gran parte de su carrera y que en esta etapa adquiere una dimensión aún más personal.

El lanzamiento se inscribe en un momento de intensa actividad creativa para Sartorio. Después de la publicación de 1973, su primer álbum como solista, el músico reafirma una identidad artística que convive naturalmente con su historia al frente de La Beriso, pero que al mismo tiempo le permite explorar nuevas sonoridades, relatos y emociones.

La recepción de este proyecto ha sido especialmente significativa para sus seguidores. La decisión de compartir las canciones semana a semana generó una relación más cercana con el público, que acompaña cada estreno como un nuevo capítulo de una historia en construcción. En tiempos donde la inmediatez domina el consumo musical, Sartorio apuesta por recuperar la expectativa y el encuentro periódico con las canciones.

La presentación oficial de Antifaz tendrá lugar el próximo 1 de agosto en The Roxy Live, escenario elegido para mostrar por primera vez en vivo el repertorio completo del disco. Será una noche especial en la que también habrá espacio para repasar algunas de las canciones más importantes de una trayectoria que supera los veinticinco años.

Una voz que marcó a toda una generación

Nacido en Avellaneda el 27 de enero de 1973, Rolo Sartorio creció con dos sueños: convertirse en futbolista y cantar rock. Fue la música la que terminó imponiéndose cuando en 1998 fundó La Beriso junto a un grupo de amigos, dando inicio a una historia que con el tiempo se transformaría en uno de los fenómenos más convocantes del rock argentino.

Con ocho discos de estudio, tres álbumes en vivo y una extensa lista de escenarios emblemáticos conquistados —entre ellos River Plate, Vélez, Ferro y el Estadio Único de La Plata—, La Beriso construyó una identidad basada en canciones directas, historias cotidianas y una conexión genuina con su público.

A lo largo de los años, Sartorio compartió música con referentes de distintas generaciones como Víctor Heredia, Andrés Calamaro, León Gieco, David Lebón, Coti, Los Auténticos Decadentes y el español Leiva, consolidando una carrera que trasciende géneros y fronteras.

En 2018 también incursionó en la escritura con la publicación de Pararte y dar pelea, libro en el que repasó episodios fundamentales de su vida, desde la infancia hasta el crecimiento artístico y humano detrás del fenómeno de La Beriso. Con “Tengo”, Rolo Sartorio suma un nuevo capítulo a esta etapa de reinvención y búsqueda personal. Una canción que funciona como otra pieza de ese antifaz que, paradójicamente, parece revelar más que ocultar.

El primer adelanto, My Guy, funciona como una puerta de entrada a ese universo. La canción, escrita en Nueva York junto a amigos cercanos, se aleja de los excesos de producción para abrazar una sensibilidad cálida y luminosa. Hay algo reconfortante en su propuesta: una celebración del amor correspondido en tiempos donde las canciones suelen encontrar inspiración en la pérdida, la ruptura o el desencanto.

El título mismo, Hazel Eyes («ojos color avellana»), remite a una imagen profundamente humana. No habla de conceptos abstractos ni de grandes declaraciones. Habla de una mirada. De alguien concreto. De la intimidad. De esos pequeños detalles que suelen sobrevivir en la memoria cuando todo lo demás desaparece.

Canciones que sugieren refugio

Aunque todavía no conocemos el álbum completo, el listado de canciones permite intuir algunos de los caminos emocionales que recorrerá. Temas como Everlasting Love, Constant Companion o Hold On parecen orbitar alrededor de la permanencia, la compañía y la necesidad de aferrarse a aquello que nos sostiene cuando el mundo se vuelve incierto.

Por otro lado, títulos como When He’s Gone y Thief sugieren zonas más ambiguas. Hablan de ausencias, pérdidas y quizás de aquellas heridas que inevitablemente acompañan cualquier historia de amor. Especial atención despierta Oh Mother, grabada junto al coro The TwoCity Chorus. El nombre invita a pensar en una canción vinculada a los afectos primarios, la familia y la identidad. Mientras que To Be Free, presentada recientemente por Smith en una toma minimalista de voz y guitarra, parece condensar una de las grandes búsquedas que atraviesan toda su carrera: la libertad de ser uno mismo.

«Intenté capturar el brillo y la calidez del amor», explicó Smith al presentar el sencillo. Y esa idea parece expandirse por todo el álbum.

Nueva York como hogar emocional

Gran parte de Hazel Eyes fue concebido en Nueva York, ciudad que Sam Smith reconoce hoy como su hogar. No resulta un dato menor. Nueva York ha sido históricamente un territorio de reinvención para artistas, escritores y músicos. Una ciudad donde las identidades se transforman y donde la libertad encuentra múltiples formas de manifestarse. Quizás por eso las canciones del álbum parecen estar menos preocupadas por demostrar algo y más interesadas en habitar una verdad personal.

La participación de colaboradores como Simon Aldred, Feist y Shahzad Ismaily contribuye a construir un paisaje sonoro que combina folk, pop barroco, country alternativo y R&B contemporáneo. Un cruce de estilos que promete acompañar el relato emocional sin eclipsarlo.

El sonido de una nueva etapa

A lo largo de su carrera, Sam Smith convirtió la vulnerabilidad en una de sus principales fortalezas artísticas. Sin embargo, en Hazel Eyes esa vulnerabilidad parece asumir una forma diferente.

Ya no se trata únicamente de cantar sobre la tristeza o el desamor. Hay una sensación de aceptación. De madurez. De alguien que sigue haciéndose preguntas, pero que ya no necesita encontrar todas las respuestas. Quizás por eso este nuevo trabajo despierta tanta expectativa. Porque detrás de cada canción parece existir una invitación sencilla y profundamente humana: volver a mirar aquello que amamos, reconocer quiénes somos y descubrir que, a veces, la verdadera libertad consiste precisamente en eso.

La ficción, compuesta por seis episodios, sigue a Lorna y Juliet, dos mujeres que comparten una amistad de años pese a provenir de mundos muy distintos. Lorna es una empresaria que construyó su éxito por mérito propio; Juliet, en cambio, nació rodeada de privilegios. Sus hijas, Grace y Allegra, también son inseparables y crecen dentro de Richford Lake, una exclusiva comunidad donde nada parece estar fuera de lugar. Sin embargo, un escándalo en el prestigioso colegio al que asisten las adolescentes pondrá a prueba amistades, lealtades y secretos que durante años permanecieron ocultos.

Detrás de la serie se encuentra Nicôle Lecky, creadora de Mood, la producción que le valió un premio BAFTA y la consolidó como una de las voces más originales de la ficción británica contemporánea. Para desarrollar esta nueva historia, Lecky se inspiró en las exclusivas urbanizaciones que rodean Londres y en las dinámicas sociales que se esconden detrás de esos espacios aparentemente idílicos. En una entrevista con Radio Times contó que la idea nació después de observar una de estas comunidades y preguntarse quiénes eran realmente las personas que vivían allí. Aquella curiosidad terminó convirtiéndose en una historia sobre privilegio, poder, maternidad y la presión que enfrentan los adolescentes en la era digital.

Uno de los grandes atractivos de Inocencia Salvaje es su elenco. Carmen Ejogo, reconocida por sus trabajos en True Detective y The Penguin, interpreta a Lorna. La actriz aseguró que se sintió atraída por la propuesta porque Lecky aporta «una perspectiva británica fresca y menos explorada» en sus historias. A su lado aparece Eve Best, recordada por millones de espectadores por su papel de la princesa Rhaenys Targaryen en House of the Dragon. La actriz reveló que, tras el éxito de la serie fantástica, buscaba un personaje completamente diferente. «El guion brillantemente oscuro de Nicôle me mantiene siempre alerta, y eso me encanta», señaló durante el anuncio oficial del elenco.

«Quería que fuera una serie sofisticada y visualmente atractiva», explicó la autora durante la promoción. Según Lecky, el proyecto buscó combinar el suspenso con una estética elegante, algo que no siempre es habitual en las producciones dramáticas británicas.

La propia Lecky también destacó el trabajo de ambas intérpretes. «Trabajar con Carmen y Eve es un sueño. Han dado vida a esta historia de una manera muy especial», afirmó cuando comenzó el rodaje de la serie. Aunque el punto de partida es un escándalo protagonizado por adolescentes, la serie evita quedarse en el simple misterio. La creadora utiliza ese conflicto para explorar las relaciones entre madres e hijas, las diferencias de clase, las presiones sociales y la forma en que la tecnología atraviesa la vida cotidiana de las nuevas generaciones. El resultado es un thriller psicológico que dialoga con fenómenos recientes como Big Little Lies, Anatomy of a Scandal o The Perfect Couple, pero desde una mirada profundamente británica.

Con apenas seis episodios, Inocencia Salvaje propone una inmersión en un universo donde la riqueza no alcanza para proteger a nadie de los conflictos humanos. Porque detrás de las fachadas impecables, las amistades perfectas y las familias admiradas por todos, siempre puede existir una verdad mucho más incómoda de lo que parece.