Durante años, los grandes eventos deportivos reservaron sus momentos ceremoniales para leyendas del deporte, figuras institucionales o personalidades estrechamente vinculadas con la historia de cada disciplina. En la actualidad, ese mapa cultural parece haber cambiado. Los músicos, creadores de contenido y artistas con impacto global comenzaron a convertirse en representantes simbólicos de una generación entera, capaces de dialogar con públicos que atraviesan fronteras, idiomas y disciplinas.

Bizarrap es probablemente uno de los casos más representativos de ese fenómeno surgido en América Latina. Lo que comenzó como un proyecto nacido en una habitación y potenciado por internet terminó convirtiéndose en una de las plataformas musicales más influyentes del planeta. Sus sesiones acumulan miles de millones de reproducciones, sus colaboraciones reúnen artistas de distintos continentes y su estética se volvió reconocible incluso para quienes nunca escucharon una canción completa de su catálogo.

La Copa del Mundo siempre funcionó como un gigantesco termómetro cultural. Allí confluyen las figuras que mejor representan el espíritu de una época. En otras décadas fueron estrellas de cine, íconos del deporte o grandes celebridades televisivas. Hoy, entre esos nombres, aparecen productores musicales que construyeron su relevancia desde plataformas digitales y que lograron convertir su identidad en una marca global.

Lo verdaderamente significativo es que, en medio del evento deportivo más importante del planeta, una figura nacida en el ecosistema digital argentino haya sido elegida para protagonizar uno de los momentos más emblemáticos de la ceremonia previa

La historia de Bizarrap tiene algo que explica por qué su aparición en un Mundial genera tanta identificación. Antes de llenar estadios, romper récords de reproducciones y colaborar con algunas de las figuras más importantes de la música global, era simplemente un adolescente obsesionado con producir canciones en su computadora.

En distintas entrevistas recordó que, durante sus primeros años, muchas personas de su entorno no terminaban de comprender aquello que estaba construyendo. En diálogo con GQ, llegó a contar que para familiares y amigos él era “un delirante” por imaginar un camino profesional que todavía parecía inexistente. Sin embargo, estaba convencido de que existía un espacio para que un productor argentino pudiera abrirse camino en la escena internacional.

Esa convicción terminó siendo una de las claves de su recorrido. Mientras otros soñaban con escenarios tradicionales de éxito, Bizarrap apostó por un formato propio, una identidad visual inconfundible y una manera distinta de entender la industria musical. El resultado es conocido: una carrera que logró trascender idiomas, mercados y fronteras.

Curiosamente, el fútbol también forma parte de esa historia. El propio productor contó alguna vez que muchas tardes elegía quedarse trabajando en nuevas producciones en lugar de salir a jugar con sus amigos. Años después, esa misma dedicación lo llevó a aparecer en el centro de la escena del deporte más popular del planeta.

La aparición de Bizarrap en la previa del encuentro también llegó en un momento particularmente activo de su carrera. Recientemente presentó nuevo material junto a Myke Towers, reafirmando una dinámica creativa que lo mantiene entre los artistas latinoamericanos con mayor alcance internacional.

Lo que comenzó como un proyecto nacido en una habitación y potenciado por internet terminó convirtiéndose en una de las plataformas musicales más influyentes del planeta.

Lo verdaderamente significativo es que, en medio del evento deportivo más importante del planeta, una figura nacida en el ecosistema digital argentino haya sido elegida para protagonizar uno de los momentos más emblemáticos de la ceremonia previa. No se trata solamente de popularidad. Se trata de representatividad. Así como en otros momentos los Mundiales buscaron asociarse con artistas capaces de condensar el espíritu cultural de una generación, la presencia de Bizarrap parece responder a la misma lógica. Su figura conecta con la música, pero también con la moda, el universo digital, las nuevas formas de comunicación y una manera distinta de construir influencia global.

En la previa del encuentro, el productor lució un conjunto desarrollado junto a adidas, incluyendo la camiseta de la Selección Argentina, una gorra de su colaboración con la marca y las zapatillas Forum2000 BZRP. La imagen sintetizó tres mundos que hace tiempo dejaron de caminar por separado: el deporte, la música y la cultura pop. Por eso, más allá de la acción puntual, la escena dejó una postal difícil de ignorar.

Si los Mundiales suelen servir para identificar quiénes son los grandes protagonistas de cada época, la imagen de Gonzalo Conde caminando hacia el centro del campo con el balón oficial parece dejar un mensaje bastante claro. Hace tiempo que Bizarrap dejó de ser solamente un productor musical. Hoy es una de las figuras culturales argentinas con mayor capacidad para dialogar con el mundo, y su presencia en una Copa del Mundo es, quizás, la confirmación más visible de ese recorrido.

Hace casi diez años, una clase de jazz unió a dos músicos que apenas se conocían. Lo que comenzó como una corazonada terminó convirtiéndose en un proyecto que hoy recorre escenarios de todo el país y que ha sabido construir una relación muy cercana con su público. Lejos de los caminos tradicionales de la industria, Koino Yokan fue creciendo paso a paso, de manera independiente y con una búsqueda artística cada vez más definida.

En esta charla con Revista Random, Tomás Otero repasa ese recorrido con la misma naturalidad con la que escribe sus canciones: habla de la amistad con Jeremías Oro -la otra mitad de este proyecto-, de las influencias que marcaron al dúo, del valor de la humildad y de la importancia de seguir aprendiendo incluso cuando los sueños empiezan a hacerse realidad.

Vamos a hablar un poco del fenómeno de Koino Yokan. Han tenido un crecimiento enorme, irrumpieron con fuerza en las redes sociales, participaron en grandes eventos y cada vez llegan a más público. ¿Cómo comenzaron? ¿Cómo se formó Koino Yokan? ¿Cómo fueron sus inicios?

Empezó de una forma totalmente inesperada. Yo estaba estudiando mucha música y, hace casi diez años, decidí seguir una corazonada e ir a tomar clases de jazz con un músico que había visto tocar por internet y que me parecía increíble. Ese profesor resultó ser Jeremías Oro, que hoy es mi compañero, mi amigo y mi socio.

En la primera clase nos conocimos, pegamos muy buena onda y empezamos a tocar canciones que nos gustaban. Muy poco tiempo después me propuso armar un proyecto de canciones. Los dos éramos muy amantes de la canción popular. Le dije que sí. Recién nos habíamos conocido y ya estábamos armando un proyecto que, por suerte, sigue en pie hasta hoy.

¿Cómo llegaron al nombre «Koino Yokan»? ¿Es una expresión japonesa? .

Sí, es una expresión japonesa. Habla de esa sensación de conocer a alguien que hasta ese momento no conocías y sentir que, inevitablemente, va a surgir una conexión muy importante entre los dos.

Nos gustaba mucho la cultura oriental y, sobre todo, esas expresiones que no tienen una traducción literal al español. Hay palabras en otros idiomas que condensan un montón de emociones en un solo término. Eso siempre nos pareció fascinante y, cuando apareció este concepto, sentimos que era un nombre muy lindo para la banda.

Ya mencionaste el jazz y la canción popular, ¿qué otras influencias conspiraron para para encontrar el sonido de Koino Yokan?

Me da un poco de pudor decirlo porque son músicos que siento completamente inalcanzables. Después la gente escucha nuestra música y puede decir: «No se parece en nada», y está perfecto. Pero, para mí, son referencias enormes. Sin dudas, Charly García. También Fito Páez, especialmente El amor después del amor. En general, mucho del rock nacional de los años setenta, ochenta y noventa. Nosotros respiramos mucho esa música.

¿Y de afuera? ¿Qué escuchás?

Escucho mucha música uruguaya y también muchísima música brasileña. Me encanta Djavan; para mí es como un Charly García brasileño, un compositor impresionante de canciones populares. Después también escucho artistas británicos. Me gusta mucho King Krule, por ejemplo. Siempre está bueno recorrer músicas distintas porque, al final, todo eso termina formando parte del ADN de uno como músico.

Hoy están atravesando uno de los momentos más importantes de su carrera. Tienen casi medio millón de seguidores en Instagram y un crecimiento muy fuerte. ¿Son conscientes de lo que les está pasando?

La verdad es que sí. Tenemos dimensión porque todo nuestro camino fue muy progresivo y muy independiente. Entonces fuimos siendo conscientes de cada pequeño logro, de cada persona nueva que empezó a escucharnos, de cada paso que dimos.

Al mismo tiempo es muy loco parar un momento, mirar para atrás después de tantos años y decir: «Qué increíble todo lo que pasó».

Uno muchas veces sueña con vivir de la música, pero no sabe realmente qué significa eso. No sabés todo lo que implica. Lo vas descubriendo en el camino, te pegás un montón de golpes, aprendés muchísimo y también vivís situaciones completamente inesperadas.

Por ejemplo, un día estoy en mi casa grabando una sesión con La Bersuit, cantando canciones que escuchaba durante toda mi infancia, y ahí decís: «Esto es un sueño cumplido». Lo curioso es que nunca lo soñaste exactamente así. Lo que soñabas era vivir cosas que te hicieran sentir algo parecido a esto.

Entonces sí, somos muy conscientes de todo lo que está pasando y estamos profundamente agradecidos.

¿Qué les cambió desde aquellos comienzos hasta este presente? ¿Qué descubrimientos hicieron en el camino?

Buena pregunta. Creo que lo primero tiene que ver con crecer. Cuando empezamos teníamos poco más de veinte años. Al principio uno piensa que la tiene clarísima, que entiende cómo funciona todo. Después descubrís que vivir de la música, convertirse en un músico profesional y sostener eso todos los días es muchísimo más difícil de lo que parece.

Con el tiempo empezás a valorar muchísimo más el trabajo de otros artistas y de otras personas. Cuanto más sé, cuanto más vivo la música y cuanto más adentro estoy de este mundo, más valor le doy a todo y más me doy cuenta de que no sé nada.

Soy simplemente alguien que sigue aprendiendo y que siente una enorme pasión por esto. Y eso es muy lindo porque también te aleja del ego y te hace entender el verdadero valor de las cosas.

Es interesante eso que decís. No todos llegan a esa conclusión.

No sé si se trata de humildad. Creo que simplemente entendés cómo son realmente las cosas.

Muchas veces uno piensa: «Quiero hacer algo distinto», pero después te das cuenta de que escribir una buena canción, producirla para que suene bien, tocarla en vivo y sostener una carrera lleva muchísimo más trabajo del que parece desde afuera.

Eso termina sirviendo para todo en la vida. Empezás a entender que detrás de cualquier cosa bien hecha hay muchísimo esfuerzo.

Hablando de ese trabajo, ¿cómo es el proceso creativo entre ustedes? ¿Cómo se distribuyen los roles? ¿Quién compone? Escuchando las canciones da la sensación de que las letras conectan con emociones muy íntimas.

Sí, muchas veces pasa eso porque, por lo menos en mi caso, escribo mucho desde mi propia experiencia emocional.

Hay distintas maneras de componer y todas me parecen válidas. Jeremías, por ejemplo, muchas veces trabaja desde la ficción. Se pone en la piel de un personaje y dice: «¿Qué pasaría si fuera un marinero en altamar?», o cualquier otra situación. Son ejercicios creativos hermosos porque te permiten vivir experiencias humanas que en realidad nunca viviste.

Yo, en cambio, suelo escribir desde cosas que realmente me pasaron o desde emociones muy personales.

En cuanto a las canciones de Koino Yokan, hay muchas que son de Jere, muchas que son mías y otras que hicimos entre los dos, aunque esas son menos porque normalmente cada uno compone por su cuenta.

Yo puedo estar en mi casa, agarrar la guitarra, encontrar una idea que me gusta, grabarla y después mostrársela. Si a él le entusiasma, la seguimos desarrollando juntos. Él hace exactamente lo mismo conmigo. Nos vamos mostrando canciones, completando partes que el otro todavía no terminó y así se va armando todo de una manera muy natural.

¿Cómo es la relación de ustedes con el público? Aprovechando el crecimiento que tuvieron en redes sociales y también en los shows en vivo, ¿son de interactuar mucho con la gente?

Sí, muchísimo. Para mí un show no existe sin el público. Somos distintas personas ocupando distintos roles, pero todos formando parte de una misma experiencia.

La interacción es espectacular. Cuando toda la gente canta una canción, cuando se genera esa comunión entre el escenario y el público, pasa algo muy fuerte. Es una energía muy especial y a mí me encanta darle lugar a eso. Siempre tratamos de que los recitales sean un espacio donde la gente también participe y se sienta parte.

Hablemos del último lanzamiento, «Morirme con Vos», la colaboración con Cruzando el Charco. ¿Cómo nació esa canción y cómo surgió la idea de grabarla juntos?

Esa canción la habíamos hecho hace varios años. Siempre estuvo guardada, como muchas otras. Nosotros componemos muchísimo. Debemos tener más de cien canciones hechas y después vamos eligiendo cuáles grabar y cuáles quedan esperando.

Con «Morirme con Vos» siempre nos pasó algo muy particular: sentíamos que tenía mucho del espíritu de Cruzando el Charco. Nos imaginábamos que esa canción podía ser de ellos.

Nosotros ya teníamos muy buena relación con los chicos. Había amistad, nos habíamos cruzado muchas veces, compartido escenarios y siempre hubo muy buena onda.

A principios de este año dijimos: «Nunca hicimos colaboraciones. ¿Por qué no les proponemos a algunos amigos y colegas con los que tenemos buena relación?». Pensábamos que algunos nos iban a decir que sí y otros que no, porque todos están con muchísimo trabajo. Pero la verdad es que todos aceptaron.

Les mandamos la canción, les encantó, nos juntamos a terminar la letra entre todos, la grabamos y todo fluyó de una manera muy natural. Como ya había amistad, fue un proceso muy divertido.

¿Cómo se viene el futuro de Koino Yokan? ¿Qué proyectos tienen por delante?

Lo más importante para nosotros ahora es el disco que estamos terminando.

Es un disco al que le estamos dedicando muchísimo tiempo. Por primera vez decidimos no hacer todo al mismo tiempo. Antes grabábamos mientras girábamos, tocábamos, viajábamos… Las giras también son las que nos permiten financiar las grabaciones.

Pero esta vez dijimos: «Queremos hacer un disco con toda la dedicación que merece».

Además, yo fui papá hace poco y eso también cambió completamente mis tiempos. Entonces decidimos concentrarnos en terminar el álbum y después salir a tocar.

La idea ahora es publicar varios sencillos como adelantos y, cuando salga el disco, arrancar una nueva gira.

Ese fenómeno volverá a hacerse visible el próximo 5 de diciembre, cuando «Serú Girán por Lebón y Aznar» llegue por primera vez al Hipódromo de La Plata como parte de la programación de Noches Capitales 2026. La cita representa mucho más que una nueva fecha en una gira exitosa: es la confirmación de que el repertorio de una de las bandas fundamentales de la música argentina continúa dialogando con el presente.

La respuesta del público durante los últimos meses parece respaldar esa idea. Las presentaciones realizadas en el Movistar Arena durante junio agotaron localidades en tiempo récord y dieron origen a una serie de funciones que siguió creciendo ante la demanda. Lo que inicialmente podía interpretarse como un reencuentro especial terminó convirtiéndose en uno de los acontecimientos musicales más relevantes del año, impulsado por miles de personas que encontraron en estas canciones una parte de su propia historia.

Sin embargo, reducir el fenómeno a la nostalgia sería una simplificación. La vigencia de Serú Girán tiene raíces más profundas. Desde su aparición, el grupo redefinió los límites del rock argentino combinando sofisticación musical, riesgo artístico y una capacidad poco común para retratar la realidad a través de sus letras. Discos como La grasa de las capitales, Bicicleta, Peperina o Serú Girán no solo marcaron una época: ampliaron las posibilidades creativas de toda una generación de músicos y dejaron canciones que continúan encontrando nuevos significados décadas después de haber sido escritas.

Cuando Serú Girán apareció en 1978, el rock nacional atravesaba uno de los períodos más complejos de su historia. En plena dictadura militar, el grupo construyó un lenguaje artístico que escapaba a cualquier clasificación sencilla. Había rock progresivo, jazz, influencias brasileñas, arreglos sofisticados y una búsqueda estética poco frecuente para la escena local. Pero también existía una mirada aguda sobre la realidad argentina, muchas veces expresada a través de metáforas que lograban sortear la censura de la época.

En cada nueva escala se repite una escena que resume el espíritu de este fenómeno: personas que vivieron el nacimiento de la banda comparten espacio con jóvenes que descubrieron su música décadas después

Canciones como Canción de Alicia en el país se transformaron en símbolos de una generación que aprendió a leer entre líneas, mientras que piezas como Seminare, Eiti Leda o Desarma y sangra demostraron que la sensibilidad poética podía convivir con la ambición musical. A diferencia de otros grupos fundamentales de aquellos años, Serú Girán logró construir una obra que combinó excelencia artística con una llegada masiva, una característica que todavía hoy la distingue dentro de la historia del rock argentino.

Quizás por eso sus canciones continúan despertando la misma emoción en públicos tan diferentes. Son obras que fueron pasando de mano en mano, de padres a hijos, de hermanos mayores a menores, atravesando generaciones sin perder significado. Lo notable es que no sobreviven únicamente gracias al recuerdo: mantienen intacta su capacidad de conmover.

Mucho más que un reencuentro

Hay un detalle que explica por qué este proyecto consiguió evitar la trampa de la nostalgia. Ni David Lebón ni Pedro Aznar plantean estos conciertos como una reconstrucción exacta del pasado. Sería imposible. El valor de estas presentaciones radica, justamente, en comprobar que las canciones siguen respirando por sí mismas.

En distintas entrevistas, Aznar ha destacado la emoción que le genera ver a jóvenes que nacieron décadas después de la separación de la banda cantar de memoria cada estrofa. Para el músico, allí reside una de las mayores pruebas de la trascendencia artística: cuando una obra deja de pertenecer exclusivamente a quienes la crearon y pasa a formar parte de la vida de otras personas.

Lebón, por su parte, suele referirse a estos conciertos desde un lugar profundamente afectivo. Más que una celebración de la propia trayectoria, los vive como un encuentro con el público y con una música que continúa despertando las mismas sensaciones que cuando fue creada. Esa conexión emocional es la que termina convirtiendo cada función en algo más cercano a una celebración colectiva que a un simple recital.

En plena dictadura militar, el grupo construyó un lenguaje artístico que escapaba a cualquier clasificación sencilla. Había rock progresivo, jazz, influencias brasileñas, arreglos sofisticados y una búsqueda estética poco frecuente para la escena local.

El proyecto se completa con una formación integrada por Federico Arreysegor en teclados y voces, Fernando Cosenza en guitarras, Matías Sabagh en batería y Fermín Ferraris en teclados. Juntos recrean uno de los repertorios más complejos y refinados del rock nacional con el respeto que exige una obra de semejante importancia, pero también con la personalidad necesaria para mantenerla viva.

Una gira que confirma la vigencia

La presentacón en La Plata forma parte de un recorrido que seguirá expandiéndose por distintas ciudades argentinas y escenarios de Sudamérica. El éxito de convocatoria transformó a «Serú Girán por Lebón y Aznar» en una de las giras más significativas de 2026, demostrando que la influencia de aquellas canciones sigue creciendo mucho más allá de Buenos Aires.

En cada nueva escala se repite una escena que resume el espíritu de este fenómeno: personas que vivieron el nacimiento de la banda comparten espacio con jóvenes que descubrieron su música décadas después. No se trata solamente de un legado que se conserva; se trata de una obra que continúa generando nuevas experiencias y nuevas formas de identificación.

La fecha del 5 de diciembre en el Hipódromo de La Plata, dentro de Noches Capitales 2026, será una nueva oportunidad para comprobarlo. Porque mientras muchas reuniones históricas encuentran su fuerza en el recuerdo, la obra de Serú Girán sigue sosteniéndose en la vigencia. Sus canciones no regresan porque alguna vez fueron importantes; regresan porque todavía tienen algo para decir.

En una época marcada por la velocidad, las tendencias pasajeras y el consumo inmediato, el éxito de este reencuentro deja una certeza poco frecuente: algunas obras consiguen atravesar las décadas porque fueron creadas para perdurar. Y mientras miles de personas sigan encontrando en ellas una emoción, una memoria o una pregunta vigente, Serú Girán continuará siendo mucho más que una banda histórica. Seguirá siendo una parte viva de la cultura argentina.

La cantante actuará en el escenario principal de Plaza de España durante la jornada «Orgullo Latino», compartiendo cartel con artistas como Mon Laferte y Monsieur Periné. La invitación llega en un momento excepcional de su carrera: después de convocar a más de 160.000 personas en dos estadios River Plate agotados, compartir escenario con Kylie Minogue y consolidar el éxito de No Vayas a Atender Cuando el Demonio Llama, un álbum que terminó de confirmar su madurez artística. Pero si algo vuelve especialmente significativa esta presentación es que Lali no llega únicamente como una estrella del pop argentino. Lo hace como una artista cuya figura pública quedó profundamente ligada a la defensa de la diversidad, la libertad y los derechos humanos.

Ese compromiso fue reconocido en 2024 por Amnistía Internacional durante la ceremonia Voces que transforman: Orgullo Vivo, donde recibió una distinción por su trabajo en la promoción de los derechos de la comunidad LGTBIQ+. Lejos de asumir ese reconocimiento como un mérito individual, eligió poner el foco en la comunidad que, según sus propias palabras, la inspiró desde siempre.

«Es muy emocionante sentirme parte de la comunidad a la que le debo tanta inspiración, belleza, luz y vida. Siempre voy a sumar mi grano de arena», expresó durante su discurso, reivindicando el lugar del arte como una herramienta para acompañar causas colectivas.

En ese mismo mensaje dejó una de las frases que mejor resume su forma de entender la visibilidad pública: «No existe el ‘te salvás solo'». Para Lali, el privilegio de tener un micrófono implica también asumir una responsabilidad. «Tengo una herramienta hermosa, que es el arte. Me expreso con algo tan luminoso como la música», sostuvo frente al auditorio.

España ha acompañado de cerca esa evolución. En sus últimas visitas agotó funciones en Madrid, Barcelona y Sevilla

No es la primera vez que convierte el escenario en un espacio de reivindicación. En los Premios Gardel de 2024 utilizó su discurso para recordar el lesbicidio de Barracas y reclamar que la violencia contra las personas LGTBIQ+ no fuera naturalizada. También participó de distintas marchas del Orgullo en Buenos Aires, donde acompañó públicamente los reclamos por igualdad y libertad.

Incluso en sus conciertos, Lali ha compartido experiencias personales vinculadas a la construcción de su identidad. Durante un show realizado en Madrid en 2023, recordó que hablar abiertamente sobre su bisexualidad significó para ella «un grito de libertad», y alentó a su público a vivir sin miedo a los mandatos sociales.

Ese recorrido encuentra un correlato en su obra más reciente. No Vayas a Atender Cuando el Demonio Llama propone un universo donde la libertad, la identidad y la ruptura con los condicionamientos aparecen como temas permanentes. Más que un simple disco pop, funciona como una declaración artística sobre la posibilidad de elegir quién ser, incluso cuando esa decisión incomoda.

España ha acompañado de cerca esa evolución. En sus últimas visitas agotó funciones en Madrid, Barcelona y Sevilla, confirmando que su vínculo con el público español ya no responde al fenómeno de una artista extranjera en gira, sino a una conexión consolidada que sigue creciendo año tras año.

«Es muy emocionante sentirme parte de la comunidad a la que le debo tanta inspiración, belleza, luz y vida. Siempre voy a sumar mi grano de arena», expresó

Su llegada al Madrid Orgullo también coincide con una edición especialmente significativa del festival. En medio de debates sobre el sentido político del Orgullo y el lugar de la reivindicación dentro de una celebración cada vez más multitudinaria, la presencia de artistas que históricamente acompañaron las demandas del colectivo adquiere un valor adicional.

Después de conquistar los estadios más grandes de Argentina, Lali se prepara para un escenario diferente. Uno donde el aplauso no sólo celebra una carrera musical, sino también una forma de entender el arte: como un espacio donde el espectáculo puede convivir con la libertad, la diversidad y la posibilidad de que millones de personas se sientan representadas.

El próximo 8 de julio, Valeria Gastaldi volverá a subirse al escenario de La Tangente para presentar su nuevo show solista. Será una noche íntima, construida alrededor de las canciones que marcaron su camino fuera de Bandana, aunque inevitablemente también habrá lugar para revisitar parte de ese repertorio que quedó grabado en la memoria colectiva de toda una generación. El recital llega en medio de un presente particularmente intenso, apenas unos días antes comenzará la gira nacional con la que Bandana celebra sus 25 años de historia.

La entrevista con RANDOM se realizó a través de una llamada telefónica desde Miami, ciudad en la que vive desde hace cuatro años junto a su marido y sus tres hijos. Allí encontró un nuevo punto de partida para desarrollar su carrera como compositora mientras construía una vida familiar en el epicentro profesional de la música latina.

Del otro lado de la línea, entre ensayos, viajes y una agenda que combina la maternidad con la música, Gastaldi (44 años) habla con entusiasmo de un presente que la encuentra atravesando dos universos al mismo tiempo, el de la artista solista que busca el encuentro cercano con su público y el de la integrante de Bandana, banda que, un cuarto de siglo después de cambiar la historia del pop nacional, sigue convocando multitudes y sumando nuevas generaciones.

-El 8 de julio volvés a presentarte como solista en Buenos Aires. ¿Qué significa preparar un show en la Argentina viviendo en Miami?

-Cada vez que preparo un show en Argentina siento que estoy armando una valija para volver a casa. Después de tantos años, uno ya sabe qué canciones emocionan a la gente que lo acompaña desde hace tanto tiempo y eso genera muchísima ilusión. Desde que empezaron los festejos por los 25 años de Bandana los fans me preguntaban cuándo iba a hacer un recital propio. En diciembre cumplí ese deseo y me prometí volver cada seis meses, aunque tenga la agenda completamente llena.

-¿Con qué se va a encontrar el público que vaya a verte a La Tangente?

-Es un espectáculo muy orgánico. No usamos pistas, todo se toca y se canta en vivo. Me gusta improvisar, cambiar arreglos y dejar que las canciones respiren distinto cada noche. Hay momentos acústicos, otros mucho más rockeros y también aparecen invitados. En esta oportunidad seguramente estén Lourdes y Lissa. Además de recorrer mis discos, siempre encuentro alguna forma diferente de reencontrarme con canciones de Bandana, pero llevándolas a otro lugar.

-Al comenzar de tan chica, viste a tu público crecer a la par. ¿Cómo vivís ese fenómeno?

-Es una de las cosas más emocionantes que me regaló la música. Siempre digo que tenemos el mejor público porque nuestra música dejó de ser una moda para convertirse en parte de la vida de mucha gente. Los que antes nos seguían, ahora tienen hijos, al igual que yo, que tengo tres. Los míos comienzan a saber quién era su mamá hace 25 años y los fans traen también a sus hijos para que vean lo que disfrutaban sus padres antes. El público creció, sintió y se enamoró con Bandana como nosotros hicimos lo mismo con ellos de testigos. Ver que esas canciones pasaron de una generación a otra y hoy siguen vigentes, es un privilegio enorme y un agradecimiento permanente hacia quienes siguen eligiéndonos.

«…me encantaría hacer algo con Milo J. Me parece un músico muy talentoso, muy auténtico y con una sensibilidad especial para escribir. Hay muchísimos artistas jóvenes que hacen cosas interesantes, pero él es uno de los que más me llaman la atención…»

-¿Qué diferencias encontrás entre subirte al escenario como solista y hacerlo con Bandana?

-Las dos experiencias son completamente distintas y las disfruto por igual. Mis recitales solistas son mucho más íntimos, cercanos y emocionales, aunque terminamos todos cantando y saltando como si fuera un show multitudinario. Con Bandana la energía es enorme desde el primer minuto porque tocamos en escenarios mucho más grandes. Poder moverme entre esos dos universos me hace sentir muy plena como artista.

-Programaste tu show en medio de la gira nacional de Bandana. Una apuesta fuerte.

-Está siendo un año muy intenso y lo quiero aprovechar al máximo. Con respecto a Bandana, arrancamos con una primera etapa de la gira durante julio y después seguimos con otra muy grande en septiembre. Estaremos en provincias como Santiago del Estero, Tucumán, Chaco, La Pampa, Córdoba, Mendoza, Santa Fe. Y en el medio metí mi recital, así que es una locura hermosa. A veces me pregunto por qué agrego trabajo sobre una agenda ya explotada, pero después subo al escenario y recuerdo por qué siempre vale la pena hacerlo. Además cuento con el apoyo de mi familia que me banca en estas semanas y todo fluye de otra forma.

-En una recordada conferencia de prensa, Gustavo Cerati reconoció que el dinero no era el único motivo por el cual volvía Soda Stereo. Si es así, entonces, ¿por qué volvió Bandana?

-Porque nos seguimos eligiendo de verdad. Nosotras amamos Bandana y nunca pensamos el regreso solamente desde un lugar económico. Siempre estuvimos en contacto entre nosotras y cuando se hizo en 2016 “Bandana: La vuelta”, nos decíamos que debíamos reunirnos únicamente cuando existiera algún motivo especial. El año pasado Disney nos volvió a convocar porque estrenó la versión live action de “Lilo y Stitch”, que nosotras habíamos cantado la canción de la versión original de 2002, y cuando nos dimos cuenta que se cumplían 25 años de nuestro debut, dijimos “hagámoslo”. Y lo cierto es que nos lanzamos sin saber cómo iba a responder la gente y terminó convirtiéndose en una experiencia maravillosa que estamos disfrutando muchísimo.

-Muchos fanáticos siguen preguntándose por Ivonne Guzmán. ¿Cómo es hoy tu vínculo con ella y si existe alguna posibilidad de reencuentro?

-Con Ivonne sigo teniendo contacto y le guardo muchísimo cariño por todo lo que vivimos juntas, pero creo que ya no hay posibilidades de que vuelva al grupo. Desde “Bandana: La vuelta”, ella eligió no formar parte del proyecto. Nosotras respetamos esa decisión y seguimos adelante como cuarteto. Bandana se reconstruyó de esa manera y hoy vivimos un presente muy feliz, celebrando estos 25 años con una etapa que sentimos completamente nuestra. Pero la historia con Ivonne no la va a cambiar nada.

«…Cada vez que preparo un show en Argentina siento que estoy armando una valija para volver a casa. Después de tantos años, uno ya sabe qué canciones emocionan a la gente que lo acompaña desde hace tanto tiempo…»

-Hace cuatro años decidiste instalarte en Miami. ¿Qué motivó ese cambio de vida?

-Fue una decisión familiar y profesional al mismo tiempo. Mi marido, Facundo Pereyra Iraola, produce espectáculos en México y desde Miami todo era mucho más práctico para su trabajo. En mi caso empecé a dedicarme cada vez más a escribir canciones para otros artistas y sentí que desde Miami podía abrir nuevas oportunidades en Estados Unidos y México. Ya había vivido antes en esta ciudad, así que también era un lugar donde podíamos empezar de nuevo con cierta tranquilidad.

-¿Cómo lográs combinar una carrera artística tan activa con la maternidad y la vida familiar?

-Es un equilibrio intenso, pero me hace muy feliz. Tengo tres hijos, una familia y un trabajo que demanda muchísimo tiempo, aunque nunca sentí que una cosa le quitara espacio a la otra. Ser madre es el desafío más grande porque es una responsabilidad diaria y para toda la vida, pero también es el rol que más me enriqueció como persona. Mis hijos ya entienden perfectamente a qué me dedico y acompañan este ritmo de vida.

-Además de cantar, construiste una carrera como compositora.

-Es una parte fundamental de mi presente. Cuando no estoy de gira aprovecho cada espacio libre para escribir canciones. Me apasiona tanto componer para mí como hacerlo para otros porque el compromiso y la emoción son exactamente iguales. Nunca siento que una canción tenga menos valor por no interpretarla yo. Al contrario, disfruto muchísimo imaginar otras voces y otras historias.

«…Nos tocó vivir aquella época y fue maravillosa. Lo importante es que, sin redes sociales ni plataformas globales, las canciones sobrevivieron al paso del tiempo…»

-«Voy a amarte», el éxito de Carlos Rivera, lleva tu firma.

-Fue una experiencia transformadora. Esa canción originalmente la escribí para Los Nocheros, pero finalmente el productor con el que trabajo decidió entregársela a Carlos Rivera para la novela “Los ricos no piden permiso”. Terminó convirtiéndose en un enorme éxito y, de alguna manera, me abrió la puerta grande al mundo de la composición profesional. Siempre voy a estar profundamente agradecida por esa oportunidad.

-La industria cambió por completo con las redes sociales y las plataformas digitales. ¿Cómo vivís esa transformación?

-Somos de otra generación y eso se nota. Nos adaptamos a las redes, trabajamos con un gran equipo y entendemos cómo funciona, pero nuestra formación fue distinta. Venimos de una época donde el disco era un acontecimiento, donde elegíamos cuál era el single con el cual salir al mercado, donde las canciones crecían con el tiempo y donde el vivo era el centro de todo. No critico las nuevas herramientas, simplemente siento que nuestra identidad artística nació en otro contexto.

-¿Alguna vez pensaste qué hubiese pasado si Bandana surgía en la era de Instagram y TikTok?

-Seguramente hoy tendríamos millones de seguidores porque Bandana fue un fenómeno enorme también fuera de Argentina. Es una charla que aparece muchas veces entre nosotras. Tendríamos 15 o 20 millones de seguidores cada una, y la presión que eso conlleva de no defraudarlos y estar atentas a todo ese universo. De todos modos, no siento nostalgia o no me hago la cabeza pensando “qué hubiese sido si…”. Nos tocó vivir aquella época y fue maravillosa. Lo importante es que, sin redes sociales ni plataformas globales, las canciones sobrevivieron al paso del tiempo y hoy seguimos llenando teatros veinticinco años después.

-Entre los nuevos artistas, ¿hay alguien con quien te gustaría compartir una canción?

-Sí, me encantaría hacer algo con Milo J. Me parece un músico muy talentoso, muy auténtico y con una sensibilidad especial para escribir. Hay muchísimos artistas jóvenes que hacen cosas interesantes, pero él es uno de los que más me llaman la atención. Creo que sería muy lindo encontrar un punto de encuentro entre su universo musical y el mío.

-Comenzaste tu formación en la comedia musical. En este momento donde hay muchos artistas ajenos al género protagonizando en la cartela porteña, ¿te imaginás siendo parte? 

-Nunca cierro ninguna puerta. Yo me formé haciendo comedia musical, así que es un lenguaje que conozco y disfruto mucho. Si apareciera un proyecto interesante, que realmente me entusiasme, lo evaluaría con muchísimo gusto. Hoy estoy enfocada en la música, pero siempre me gusta desafiarme y explorar nuevos caminos cuando aparece la oportunidad adecuada.

La canción funciona como una explosión contenida. Escrita junto a Justin Tranter, Eren Cannata, Daniel Crean, Jason Gill, Amanda «Kiddo» Ibanez y Skyler Stonestreet, combina una producción de impronta pop-rock con una interpretación mucho más vulnerable de lo habitual en Perry. No busca la euforia inmediata sino construir una tensión que termina liberándose en un estribillo donde el fuego deja de ser una amenaza para convertirse en símbolo de transformación.

Esa idea encuentra su mejor traducción en el videoclip. La historia comienza en un hospital, donde la cantante descubre que de su cuerpo emerge una cola de escorpión imposible de controlar. A partir de allí, la narrativa se vuelve cada vez más surrealista: incendios, destrucción, persecuciones y un recorrido que culmina con una escena de bautismo. Lejos de proponer una lectura literal, el video utiliza esas imágenes para representar la convivencia con una parte de uno mismo que durante demasiado tiempo permaneció reprimida.

La elección del escorpión tampoco parece casual. Diversos medios estadounidenses interpretan esa figura como una referencia tanto a la intensidad emocional asociada al signo zodiacal de Perry como a la necesidad de aceptar su costado más incómodo en lugar de seguir ocultándolo. El desenlace, con una imagen de renacimiento, termina reforzando la idea de que el verdadero cambio no llega después de negar la oscuridad, sino de atravesarla.

La propia cantante explicó recientemente que la canción nació después de un período especialmente difícil de su vida. Contó que durante años nunca se permitió sentir enojo y que escribir «Watch It Burn» significó aceptar esa emoción sin caer en el lugar de víctima. Más que alimentar el resentimiento, el objetivo era atravesarlo para seguir adelante.

El entusiasmo de los seguidores también tiene su historia. Desde que el título apareció escondido como un guiño dentro del universo visual de «Bandaids», la canción se convirtió en uno de los lanzamientos más esperados por los fanáticos de Perry, que durante meses especularon sobre cuándo llegaría este segundo capítulo.

En las primeras horas tras el estreno, la recepción fue mayormente positiva. Entre los seguidores y en comunidades dedicadas al pop, muchos destacaron que el sencillo recupera parte de la energía de las grandes producciones que marcaron la carrera de Perry, mientras otros celebraron que la artista haya optado por una narrativa más oscura y menos complaciente que en trabajos recientes.

Con «Watch It Burn», Katy Perry no propone quemarlo todo por impulso. Lo que arde son las máscaras, la necesidad de agradar permanentemente y los silencios acumulados. El incendio, en definitiva, no destruye su identidad: la revela.

Lejos de las estrategias tradicionales de lanzamiento, Sartorio eligió que el público descubra Antifaz paso a paso. Cada jueves aparece una nueva pieza del rompecabezas que terminará de completarse con un disco de doce canciones inéditas, permitiendo que cada tema tenga su propio recorrido y encuentre su espacio entre los oyentes.

Ahora llega el turno de “Tengo”, una composición que profundiza el universo emocional y personal que atraviesa este nuevo trabajo. Con una impronta íntima y reflexiva, la canción vuelve a mostrar a un artista dispuesto a exponer sus sentimientos sin filtros, una característica que ha acompañado gran parte de su carrera y que en esta etapa adquiere una dimensión aún más personal.

El lanzamiento se inscribe en un momento de intensa actividad creativa para Sartorio. Después de la publicación de 1973, su primer álbum como solista, el músico reafirma una identidad artística que convive naturalmente con su historia al frente de La Beriso, pero que al mismo tiempo le permite explorar nuevas sonoridades, relatos y emociones.

La recepción de este proyecto ha sido especialmente significativa para sus seguidores. La decisión de compartir las canciones semana a semana generó una relación más cercana con el público, que acompaña cada estreno como un nuevo capítulo de una historia en construcción. En tiempos donde la inmediatez domina el consumo musical, Sartorio apuesta por recuperar la expectativa y el encuentro periódico con las canciones.

La presentación oficial de Antifaz tendrá lugar el próximo 1 de agosto en The Roxy Live, escenario elegido para mostrar por primera vez en vivo el repertorio completo del disco. Será una noche especial en la que también habrá espacio para repasar algunas de las canciones más importantes de una trayectoria que supera los veinticinco años.

Una voz que marcó a toda una generación

Nacido en Avellaneda el 27 de enero de 1973, Rolo Sartorio creció con dos sueños: convertirse en futbolista y cantar rock. Fue la música la que terminó imponiéndose cuando en 1998 fundó La Beriso junto a un grupo de amigos, dando inicio a una historia que con el tiempo se transformaría en uno de los fenómenos más convocantes del rock argentino.

Con ocho discos de estudio, tres álbumes en vivo y una extensa lista de escenarios emblemáticos conquistados —entre ellos River Plate, Vélez, Ferro y el Estadio Único de La Plata—, La Beriso construyó una identidad basada en canciones directas, historias cotidianas y una conexión genuina con su público.

A lo largo de los años, Sartorio compartió música con referentes de distintas generaciones como Víctor Heredia, Andrés Calamaro, León Gieco, David Lebón, Coti, Los Auténticos Decadentes y el español Leiva, consolidando una carrera que trasciende géneros y fronteras.

En 2018 también incursionó en la escritura con la publicación de Pararte y dar pelea, libro en el que repasó episodios fundamentales de su vida, desde la infancia hasta el crecimiento artístico y humano detrás del fenómeno de La Beriso. Con “Tengo”, Rolo Sartorio suma un nuevo capítulo a esta etapa de reinvención y búsqueda personal. Una canción que funciona como otra pieza de ese antifaz que, paradójicamente, parece revelar más que ocultar.

El primer adelanto, My Guy, funciona como una puerta de entrada a ese universo. La canción, escrita en Nueva York junto a amigos cercanos, se aleja de los excesos de producción para abrazar una sensibilidad cálida y luminosa. Hay algo reconfortante en su propuesta: una celebración del amor correspondido en tiempos donde las canciones suelen encontrar inspiración en la pérdida, la ruptura o el desencanto.

El título mismo, Hazel Eyes («ojos color avellana»), remite a una imagen profundamente humana. No habla de conceptos abstractos ni de grandes declaraciones. Habla de una mirada. De alguien concreto. De la intimidad. De esos pequeños detalles que suelen sobrevivir en la memoria cuando todo lo demás desaparece.

Canciones que sugieren refugio

Aunque todavía no conocemos el álbum completo, el listado de canciones permite intuir algunos de los caminos emocionales que recorrerá. Temas como Everlasting Love, Constant Companion o Hold On parecen orbitar alrededor de la permanencia, la compañía y la necesidad de aferrarse a aquello que nos sostiene cuando el mundo se vuelve incierto.

Por otro lado, títulos como When He’s Gone y Thief sugieren zonas más ambiguas. Hablan de ausencias, pérdidas y quizás de aquellas heridas que inevitablemente acompañan cualquier historia de amor. Especial atención despierta Oh Mother, grabada junto al coro The TwoCity Chorus. El nombre invita a pensar en una canción vinculada a los afectos primarios, la familia y la identidad. Mientras que To Be Free, presentada recientemente por Smith en una toma minimalista de voz y guitarra, parece condensar una de las grandes búsquedas que atraviesan toda su carrera: la libertad de ser uno mismo.

«Intenté capturar el brillo y la calidez del amor», explicó Smith al presentar el sencillo. Y esa idea parece expandirse por todo el álbum.

Nueva York como hogar emocional

Gran parte de Hazel Eyes fue concebido en Nueva York, ciudad que Sam Smith reconoce hoy como su hogar. No resulta un dato menor. Nueva York ha sido históricamente un territorio de reinvención para artistas, escritores y músicos. Una ciudad donde las identidades se transforman y donde la libertad encuentra múltiples formas de manifestarse. Quizás por eso las canciones del álbum parecen estar menos preocupadas por demostrar algo y más interesadas en habitar una verdad personal.

La participación de colaboradores como Simon Aldred, Feist y Shahzad Ismaily contribuye a construir un paisaje sonoro que combina folk, pop barroco, country alternativo y R&B contemporáneo. Un cruce de estilos que promete acompañar el relato emocional sin eclipsarlo.

El sonido de una nueva etapa

A lo largo de su carrera, Sam Smith convirtió la vulnerabilidad en una de sus principales fortalezas artísticas. Sin embargo, en Hazel Eyes esa vulnerabilidad parece asumir una forma diferente.

Ya no se trata únicamente de cantar sobre la tristeza o el desamor. Hay una sensación de aceptación. De madurez. De alguien que sigue haciéndose preguntas, pero que ya no necesita encontrar todas las respuestas. Quizás por eso este nuevo trabajo despierta tanta expectativa. Porque detrás de cada canción parece existir una invitación sencilla y profundamente humana: volver a mirar aquello que amamos, reconocer quiénes somos y descubrir que, a veces, la verdadera libertad consiste precisamente en eso.

La banda liderada por Emanuel Noir inició su nueva gira europea con una presentación en el Cabaret Sauvage de París, donde confirmó que su conexión con el público trasciende idiomas, fronteras y geografías. En una noche cargada de emoción, cumbia y canciones coreadas de principio a fin, Ke Personajes desplegó un repertorio que recorrió tanto los éxitos que la llevaron a la masividad como las composiciones de su reciente álbum, Corazón Ausente.

El show parisino fue una muestra del presente artístico que atraviesa el grupo. A lo largo de más de veinte canciones, convivieron clásicos como “Adiós amor”, “Oye mujer”, “Ya no vuelvas” y “Pobre corazón” con temas de su nuevo trabajo, entre ellos “Corazón Ausente”, “Debió ser así”, “Echar de menos”, “Se hace difícil” y “Celosa”. El resultado fue una celebración colectiva donde la nostalgia, el desamor y la esperanza encontraron un mismo lenguaje.

La gira también pasó por Bruselas, donde la banda se presentó en La Madeleine ante una audiencia que respondió con la misma intensidad. La escena se repite ciudad tras ciudad: públicos diversos que encuentran en las canciones de Ke Personajes una forma de identificación emocional que trasciende cualquier etiqueta musical.

Un recorrido que confirma que el fenómeno ya no pertenece únicamente a Argentina

El tour europeo continuará por Ámsterdam, Hamburgo, Roma, Frankfurt, Berlín, Londres, Madrid, Copenhague, Estocolmo, Múnich, Zúrich, La Palma y Gran Canaria, consolidando una expansión internacional que parecía impensada apenas unos años atrás para una banda de cumbia nacida lejos de los grandes centros de la industria musical.

En paralelo, Corazón Ausente marca un punto de inflexión en la trayectoria del grupo. Más que una colección de canciones, el álbum funciona como una obra conceptual que propone un recorrido emocional. Cada tema forma parte de una misma historia, una travesía que comienza en el caos, la obsesión y el dolor para avanzar hacia la aceptación y el amor propio.

La canción que da nombre al disco sintetiza ese espíritu. Allí conviven dos miradas sobre la pérdida: la fragilidad de quien no logra dejar atrás una ausencia y la soberbia de quien cree haber amado como nadie más podrá hacerlo. Esa dualidad atraviesa todo el trabajo y se convierte en el hilo conductor de una narrativa íntima y personal.

La gira también pasó por Bruselas, donde la banda se presentó en La Madeleine ante una audiencia que respondió con la misma intensidad. La escena se repite ciudad tras ciudad: públicos diversos que encuentran en las canciones

El álbum también cuenta con colaboraciones de figuras internacionales como Los Ángeles Azules y J Balvin, una señal del alcance que ha conseguido el proyecto y de la nueva etapa creativa que atraviesa la banda, cada vez más enfocada en desarrollar repertorio propio.

El crecimiento de Ke Personajes durante los últimos años parece no encontrar techo. En 2026 la banda fue una de las protagonistas del Festival Internacional de Viña del Mar, donde obtuvo las Gaviotas de Plata y Oro, y también formó parte del Vive Latino de México, compartiendo cartel con algunos de los artistas más importantes de la escena iberoamericana.

Mientras Europa continúa recibiendo su música, la gira también tiene programadas presentaciones en Neuquén, Mendoza, Corrientes, Tucumán, Córdoba y Rosario. Un recorrido que confirma que el fenómeno ya no pertenece únicamente a Argentina: Ke Personajes se ha convertido en una de las expresiones más contundentes de la música popular latinoamericana contemporánea.

«‘She’ fue una de las primeras canciones que aprendí a cantar en mi vida; una pieza que no solo moldeó mi voz, sino que despertó en mí esa pasión por contar historias a través de la música», explicó el artista al anunciar el lanzamiento. La grabación llega en un momento particularmente especial para el cantante argentino. Con más de dos décadas y media de carrera, Rauch atraviesa una etapa de consolidación artística que combina reconocimiento popular, prestigio internacional y nuevos desafíos creativos.

La historia de Gerónimo Rauch es una de las más singulares de la música y el teatro argentino. Su carrera comenzó a principios de los años 2000 como integrante de Mambrú, uno de los grupos surgidos de la televisión que marcó a toda una generación. Sin embargo, tras la disolución de la banda decidió emprender un camino completamente distinto, orientado hacia el teatro musical.

Su apuesta terminó llevándolo a escenarios impensados. Con el tiempo se convirtió en el primer latinoamericano en interpretar a Jean Valjean en Los Miserables y también en protagonizar El Fantasma de la Ópera en el prestigioso West End de Londres. Más aún, es el único artista que ha encarnado ambos personajes tanto en inglés como en español.

Ese recorrido internacional le permitió construir una carrera que hoy conecta Argentina, España y el Reino Unido, consolidándose como una de las figuras más importantes del teatro musical de habla hispana.

Mientras «She» comienza su recorrido en las plataformas, Rauch ya tiene la mirada puesta en otro desafío monumental. El artista fue confirmado como parte del elenco principal del Grand Finale de la gira mundial Les Misérables: The Arena Spectacular, la producción que celebra los 40 años del legendario musical.

El argentino volverá a ponerse en la piel de Jean Valjean en algunas de las funciones más importantes del tour, incluyendo presentaciones en escenarios emblemáticos como el Royal Albert Hall de Londres, el Radio City Music Hall de Nueva York, el 3Arena de Dublín y el Utilita Arena de Birmingham.

Se trata de un regreso especialmente significativo para un intérprete cuya carrera quedó íntimamente ligada a ese personaje y a una obra que lo proyectó definitivamente al circuito internacional. Lejos de limitarse al teatro musical, Rauch también ha desarrollado una sólida carrera discográfica. Su álbum Porque yo te amo obtuvo el Premio Gardel al Mejor Álbum Melódico, mientras que recientemente presentó Chapter One, un proyecto grabado en Sevilla junto al reconocido compositor estadounidense Frank Wildhorn, autor de obras como Jekyll & Hyde y creador de canciones popularizadas por artistas como Whitney Houston.

El disco representa, según sus propias palabras, «el comienzo de la segunda mitad de mi vida» y reúne canciones especialmente seleccionadas entre más de 300 composiciones que Wildhorn puso a su disposición para el proyecto.

Como parte de esta etapa de celebración, Rauch prepara además una serie de conciertos especiales bajo el nombre «26 años en escena», un recorrido musical por los momentos más importantes de su carrera. Las primeras fechas confirmadas serán el 28 de septiembre en el Teatro Calderón de Madrid y el 10 de diciembre en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, con futuras presentaciones previstas también en Londres y Barcelona.

Entre el éxito viral de «She», el regreso a los grandes escenarios internacionales y la revisión de una trayectoria que ya supera el cuarto de siglo, Gerónimo Rauch parece vivir uno de esos momentos poco frecuentes en la carrera de un artista: el punto exacto donde la experiencia acumulada se encuentra con una renovada conexión con el público.

Y si algo demostró la inesperada historia de «She» es que, incluso después de 26 años sobre los escenarios, todavía hay canciones capaces de abrir nuevos capítulos.