Hay algo curioso que ocurre cada vez que alguien planifica una visita a una bodega. En la superficie, el motivo parece claro: probar vinos, conocer variedades, recorrer viñedos, aprender sobre procesos de elaboración. Sin embargo, cuando la experiencia realmente sucede, lo que queda no siempre se reduce a lo enológico. Muchas personas recuerdan el silencio del paisaje, la amplitud del cielo, la lentitud de los recorridos, la conversación sin apuro y esa sensación difícil de nombrar que aparece cuando el entorno deja de exigir y empieza a acompañar. En ese punto, el vino deja de ser solo un producto y empieza a funcionar como un puente hacia otra experiencia: la del tiempo vivido de otra manera.

El enoturismo, en ese sentido, no puede entenderse únicamente como una actividad gastronómica. En las últimas décadas se ha consolidado como una de las formas de turismo de experiencia más relevantes a nivel global, impulsada por una búsqueda creciente de contacto con la naturaleza, autenticidad y bienestar. Diversos estudios en psicología ambiental y neurociencias han mostrado que la exposición a entornos naturales contribuye a la reducción del estrés, mejora la recuperación de la atención y favorece estados emocionales más estables y positivos (Berman et al., 2008; Kaplan & Kaplan, 1989). En ese marco, no resulta extraño que los paisajes vitivinícolas tengan un efecto particular en las personas: no solo por lo que producen, sino por el tipo de entorno que los rodea.

Porque una bodega no es solamente un lugar de producción. Es un espacio donde el tiempo se manifiesta de otra manera. La vid crece en ciclos que no pueden acelerarse, la cosecha depende de estaciones que no se negocian y la crianza del vino exige paciencia, espera y transformación gradual. En contraste con la lógica contemporánea de la inmediatez, el vino introduce una temporalidad distinta, más cercana a los ritmos naturales que a los ritmos digitales. Y quizás por eso genera tanta atracción: no solo representa un producto terminado, sino un proceso que obliga a reconocer que lo valioso requiere tiempo.

En Argentina, este vínculo entre vino, paisaje y experiencia adquiere formas particularmente significativas. El Valle de Uco, en la provincia de Mendoza, se ha convertido en uno de los epicentros del enoturismo sudamericano. Ubicado al pie de la Cordillera de los Andes, combina bodegas de arquitectura contemporánea con viñedos de altura y un entorno natural dominado por montañas y cielos abiertos. Distintos organismos turísticos provinciales destacan que el atractivo del lugar no se limita a la calidad de sus vinos, sino a la experiencia sensorial completa que ofrece el paisaje, donde la contemplación del entorno se vuelve parte central de la visita (Mendoza Turismo, Argentina).

Algo similar sucede en el norte argentino, donde el vino se entrelaza con territorios de fuerte identidad cultural y geográfica. En Cafayate, Salta, los viñedos conviven con formaciones geológicas milenarias y paisajes semiáridos que modifican la percepción del tiempo y del espacio. Allí, el vino parece expresarse no solo como resultado de la uva, sino como traducción líquida de un entorno que imprime carácter. La experiencia no es únicamente degustativa: es también visual, corporal y emocional.

Pero si hay un caso donde esta relación entre vino, territorio y conciencia se vuelve especialmente interesante, ese es La Rioja. A diferencia de regiones más internacionalizadas, el vino riojano conserva una dimensión más íntima, donde la producción vitivinícola convive con la vida cotidiana de los pueblos, las tradiciones familiares y una geografía que aún mantiene cierta distancia de la masividad turística. La Ruta del Vino Riojano integra valles como Famatina y zonas productivas de Chilecito, donde la historia del vino está profundamente ligada a la identidad local y al desarrollo cultural de la provincia (Turismo La Rioja, Argentina). En estos paisajes, el vino no aparece como un objeto aislado, sino como parte de una trama más amplia que incluye montaña, trabajo, memoria y comunidad.

En el Valle de Famatina, por ejemplo, la presencia de los Andes, los cultivos tradicionales y la escala humana de las bodegas generan una experiencia donde el visitante no solo observa, sino que también se desacelera. El entorno invita a otra relación con el tiempo, una en la que la atención deja de estar fragmentada y comienza a reorganizarse en torno a lo sensorial y lo presente. Algo similar ocurre con el Torrontés Riojano, variedad emblemática de la región, cuya identidad está profundamente vinculada al clima, la altitud y las condiciones únicas del territorio, convirtiéndose en una expresión directa del lugar más que en un producto estandarizado.

Desde esta perspectiva, el viaje al mundo del vino puede entenderse como algo más que turismo o consumo. Puede pensarse como una experiencia de reconfiguración de la percepción. En un contexto donde la vida cotidiana tiende a la aceleración constante, estas experiencias ofrecen un espacio de desaceleración involuntaria, donde el entorno, el paisaje y el ritmo natural de los procesos obligan, casi sin proponérselo, a otra forma de estar.

Y quizás ahí radique el verdadero sentido del viaje interior del vino. No en el desplazamiento geográfico, sino en el cambio de estado. No en la cantidad de vinos degustados, sino en la calidad de la presencia. No en el recorrido externo, sino en la posibilidad de volver, aunque sea por un momento, a una experiencia más consciente del tiempo y de uno mismo.

Hoy, a sus casi sesenta años, se convirtió en una de las voces más activas en la divulgación de la sinestesia en Argentina. Su trabajo de concientización fue uno de los motores que impulsaron la creación del Día de la Sinestesia en la Ciudad de Buenos Aires, una iniciativa que busca visibilizar una condición neurológica que aún permanece subdiagnosticada.

Detrás de las definiciones científicas y los reconocimientos institucionales hay una historia profundamente humana. La de un hombre que pasó décadas intentando comprender aquello que le ocurría y que todavía hoy se sigue sorprendiendo frente a una realidad que percibe de una manera distinta.

Durante muchos años no sabías que lo que percibías tenía un nombre. Mirando hacia atrás, ¿hay alguna escena de tu infancia que hoy entiendas de una manera completamente distinta?

Sí. Cuando era chico me daba cuenta de que los colores siempre estaban presentes, pero pensaba que todo el mundo veía lo mismo. Hay muchos ejemplos, pero hay uno que siempre recuerdo. Cuando circulaban las bicicletas yo veía colores y pensaba que tal vez era una cuestión de la fricción o del contraste con el sol. Pero hubo una escena muy fuerte para mí. Un amigo mío, Luciano, se cayó cuando estaban arreglando el asfalto. En ese momento tuve uno de esos brotes de colores, sabores y texturas que me acompañaron toda la vida.

Recuerdo que me acercaba y después me quedaba reflexionando. Me preguntaba si realmente estaba viendo lo que veía. Con el tiempo, cuando ya tuve el diagnóstico y entendí que era sinestesia, comprendí que aquello era lo que hoy se conoce como espejo sensorial no táctil.

También me pasaba cuando tocaba un instrumento o cuando cantaba. Cantaba en el baño, con el vapor, observando esos colores muy suaves que aparecían casi imperceptibles. Al final, todos esos pequeños sucesos fueron los que terminaron mostrándome que aquello que veía no era un delirio ni una ilusión. Era sinestesia.

El descubrimiento de una percepción diferente

La mayoría de las personas damos por sentado que todos perciben la realidad de forma parecida. ¿Hubo algún momento puntual en el que descubriste que tu experiencia del mundo era diferente a la de los demás?

Sí, desde muy chico. En aquel momento no se hablaba de empatía como se habla ahora, pero había algo que me atraía hacia ciertas personas, ciertos objetos o determinados momentos. Era como un imán. Recuerdo observar a los vecinos, mirar detenidamente los ojos de las personas y notar cosas que parecían pasar inadvertidas para los demás. Veía el brillo cuando alguien se emocionaba.

Uno de los momentos más marcantes fue cuando mi papá comenzó a sentirse mal. Fumaba mucho y tenía una tos persistente. Yo veía cómo exhalaba y percibía una especie de vapor que para mí tenía una presencia muy concreta. Después vino la neumonía y todo aquello se volvió más intenso. Siempre fueron los momentos de fragilidad los que me permitieron percibir cosas que me impactaban profundamente. Cada vez volvía a hacerme las mismas preguntas y cada vez aparecía el mismo asombro.

“…Cuando un amigo se cayó, entendí años después que eso era sinestesia…”

Has contado que los estímulos pueden desbordarte. En una sociedad cada vez más ruidosa y acelerada, ¿qué cosas te ayudan a encontrar equilibrio y refugio?

La música, el arte y una buena lectura. También los paisajes. Me gusta encontrar serenidad en lugares donde hay luz, rocío, aromas suaves. El olor del jazmín, por ejemplo, me lleva directamente a la felicidad.

Una caminata bajo los árboles, los colores de las hojas, la lluvia golpeando una ventana. Todo eso me calma. Hay algo que siempre digo: me hago muy amigo de la soledad. En esos momentos me reencuentro conmigo mismo. Respiro distinto. Me aíslo un poco del ruido.

Un abrazo, la consolación, la lectura y la respiración. Y después hay un camino más profundo, que lo hablo muy poco, que tiene que ver con la Fe, a veces es como entregarme y decir: «Héctor es lo que hay, lo que vivo». Escribo, dibujo mucho, esa soledad conmigo me da paz, un día lluvioso con aromas de torta, llevándome a recuerdos de mamá, de mis hermanos cuando eran jóvenes. Todo eso lo plasmo en una visión, como siempre digo, tener un visor, un monitor, un televisor activo. Eso es lo que me calma, y mi nena Fiorella también, cuando era chiquitita, las fotos, esos recuerdos me mantienen feliz, que la felicidad es un instante ¿no?

“La sinestesia es como caminar hacia la belleza y descubrir el abismo detrás”

Si pudieras compartirle a otra persona, aunque fuera durante un minuto, tu forma de percibir la realidad, ¿qué experiencia elegirías mostrarle?

Le propondría caminar conmigo por una playa inmensa o por la orilla de un río. Al principio todo sería maravilloso. El sol, el viento, el sonido del agua, la arena bajo los pies. La sensación de bienestar sería total. Pero después llegaría el momento de regresar. Te darías vuelta y descubrirías que detrás tuyo hay una profundidad enorme. Lo que antes parecía un pequeño charco ahora tiene un metro de agua. Entonces aparece la desesperación.

Ahí empiezan mis desequilibrios, mis miedos, mi sensación de estar atrapado. Es una experiencia muy difícil de explicar. Para mí la sinestesia es exactamente eso. Es hermosa. Es profundamente fascinante. Pero también puede ser frustrante y todavía hoy sigue sorprendiéndome y asustándome muchísimo.

La sinestesia suele asociarse a dones o capacidades extraordinarias, pero pocas veces se habla de las dificultades. ¿Cuál es el aspecto menos visible o más difícil de convivir con esta condición?

La reacción de la sociedad. Vivimos en un contexto donde todavía existe la discriminación y donde muchas veces lo diferente es etiquetado rápidamente. Los sinestésicos tenemos dos cosas muy presentes: la duda y la sospecha. Siempre dudamos y siempre sospechamos de aquello que percibimos. Nos preguntamos constantemente si lo que vemos es real o si estamos interpretándolo mal.

La ciencia ya demostró que estas experiencias existen y tienen una base neurológica. Sin embargo, la sorpresa de los demás sigue estando presente. Y lo curioso es que todavía me sorprendo yo también. Después de casi sesenta años sigo intentando comprender algunas cosas de lo que vivo.

«…Hay algo que siempre me preocupa: no me gusta que me traten como un monstruo. No lo soy. Soy más humano de lo que muchas personas imaginan…»

Una capacidad para comprender al otro

Tu historia está atravesada por la búsqueda de respuestas y por la necesidad de explicar algo que durante mucho tiempo fue incomprendido. ¿Qué aprendiste sobre vos mismo en ese proceso?

Aprendí que se puede comprender al otro desde una perspectiva mucho más profunda. Para mí la sinestesia no es un trastorno. Es una capacidad. Una habilidad distinta para conectar con las personas y con el entorno. Lo difícil es que somos muy pocos. Y cuando uno intenta trasladar ciertas reflexiones al mundo en el que vivimos, se encuentra con muchas barreras.

Yo veo un planeta profundamente desigual. Veo recursos que desaparecen, personas que se alejan unas de otras y una humanidad que muchas veces parece haber perdido el rumbo. Por eso insisto tanto en la necesidad de un cambio de paradigma. No desde una religión ni desde una ideología, sino desde una manera más humana de vincularnos.

La ley que reconoce el Día de la Sinestesia me dio esperanza. Tal vez ahora algunas cosas puedan empezar a cambiar.

Una comunicación más allá de las palabras

Decís que el futuro podría traer formas de comunicación más sensoriales que verbales. ¿Cómo imaginás ese mundo?

Creo que la comunicación humana todavía tiene mucho por evolucionar. La tecnología avanzó, la ciencia avanzó, pero seguimos utilizando formas muy limitadas para comprendernos. Si existen personas capaces de percibir información de maneras distintas, tal vez haya caminos que todavía no exploramos.

No hablo de algo paranormal. Hablo de nuevas formas de interpretación de los sentidos. Hay culturas que se comunican mediante sonidos, vibraciones o señales que para otros resultarían extrañas. Quizás el futuro tenga que ver con ampliar nuestras herramientas para conectar con el otro. Al final, si no es la vista será el oído. Si no es el oído será el tacto. Y si no es ninguno de ellos, será algo más profundo que todavía estamos aprendiendo a comprender.

Más allá de la sinestesia, cuando termina el día y se apagan las explicaciones, las entrevistas y la divulgación, ¿quién es Héctor Maduri?

Es una de las preguntas más difíciles. Hay algo que siempre me preocupa: no me gusta que me traten como un monstruo. No lo soy. Soy más humano de lo que muchas personas imaginan. Lo que pasa es que resulta muy difícil explicar cómo funciona mi mente. Percibo la música, el arte, los colores, las emociones y también las contradicciones de las personas.

¿Sabés qué es lo que más me afecta? La mentira. Una vez me preguntaron qué color tenía la mentira. Para mí es una mezcla extraña. Un color que nace cuando algo noble se distorsiona. Y quizás ahí esté parte de la respuesta. La verdad es que no sé exactamente qué soy. A veces me siento más humano que cualquiera. Y otras veces me siento muy lejano, como un observador que contempla el mundo desde cierta distancia.

No tenemos la verdad de nada. No somos superiores a nadie. Sólo tenemos una forma distinta de encontrarnos con los demás y con la realidad. Somos raros. Tal vez esa sea la mejor definición. No sé si más felices o más infelices. Pero definitivamente somos raros.

Con colaboraciones junto a Six Sex, Ángela Torres, Callejero Fino, Gabito Ballesteros, Loyaltty y Doble P, el álbum propone un recorrido sonoro y visual que se mueve entre la pista de baile y una dimensión más introspectiva. Producciones agresivas, climas oscuros y momentos de sensibilidad emocional aparecen entre letras cargadas de ironía, deseo y simbolismo.

“No hablo solo de sexo y fiesta, eso parece… pero en realidad hablo de una profundidad mayor. Una profundidad que el no herido desconoce, la catarsis, lo que hacemos con lo que nos queda, esa procesión por dentro que no hablamos con nadie”, expresó Joaqui durante la pre escucha del álbum en Casa Spotify.

Desde hace años, La Joaqui viene consolidando una identidad propia dentro de la música urbana argentina, combinando crudeza barrial, sensibilidad emocional y una fuerte construcción estética. En ELECTRA, esa búsqueda encuentra una nueva dimensión: más futurista, intensa y conceptual.

El álbum abre con “TURR0LOGÍA”, una especie de manifiesto artístico donde Joaqui define sus propios códigos y deja en claro el tono del proyecto. Luego aparecen canciones como “JAMÓN”, una de las puertas de entrada más provocadoras del disco, y “PALETA”, junto a Six Sex, donde el universo sonoro se vuelve todavía más experimental y oscuro.

Un trabajo que reafirma su lugar dentro de la escena urbana actual, pero que también la muestra decidida a incomodar, mutar y reinventarse

La lista de canciones completa refleja la amplitud del proyecto:

01 TURR0LOGÍA

02 KAMIKAZE ft. Doble P

03 JAMÓN

04 KANAM

05 PALETA ft. Six Sex

06 TOKAME ft. Loyaltty

07 STRIPPER

08 TL

09 MIRAME ft. Callejero Fino

10 FINGÍA ft. Ángela Torres

11 NADA PERSONAL ft. Gabito Ballesteros

Entre los adelantos más destacados, “FINGÍA” junto a Ángela Torres mostró una faceta más melancólica e introspectiva, mientras que “NADA PERSONAL”, con Gabito Ballesteros, expandió el sonido de Joaqui hacia el corrido tumbado y reforzó su intención de romper fronteras dentro de la música urbana latinoamericana.

En el plano visual, ELECTRA funciona también como una obra conceptual. Cada videoclip desarrolla distintas capas del imaginario del álbum a través de performances, tensión dramática, teatralidad y referencias cargadas de simbolismo. La narrativa visual se completa además con teasers y piezas digitales que Joaqui fue compartiendo antes de cada lanzamiento, construyendo una experiencia profundamente conectada con las nuevas formas de consumo cultural, la moda y la estética de internet.

Más que un simple disco, ELECTRA parece presentarse como una experiencia inmersiva donde la artista lleva su identidad al límite. Un trabajo que reafirma su lugar dentro de la escena urbana actual, pero que también la muestra decidida a incomodar, mutar y reinventarse constantemente.

Desde el inicio con “Gritas”, una de las canciones de su reciente álbum SECO, Arjona marcó el tono del espectáculo: íntimo, reflexivo y profundamente humano. Pero también monumental. Porque aunque el concepto de la gira propone cercanía, el despliegue técnico tiene dimensiones internacionales. Pantallas gigantes, visuales cinematográficos, luces diseñadas al detalle y una narrativa teatral convierten cada canción en una escena distinta.

Durante más de dos horas y media, el público acompañó absolutamente todo. Sonaron clásicos inevitables como “Te Conozco”, “Marta”, “Mujer de Lujo”, “Acompáñame a Estar Solo”, “Minutos”, “Mujeres” y “Señora de las Cuatro Décadas”, canciones que parecen haberse transformado en parte de la memoria sentimental latinoamericana. Y en paralelo, Arjona fue presentando temas de SECO, un disco donde vuelve a mostrarse más introspectivo, más autobiográfico y más cercano a sus raíces.

Si algo atraviesa esta nueva etapa artística del guatemalteco es justamente eso: volver al origen. El propio Arjona lo explicó meses atrás al anunciar la gira con una frase que funciona casi como declaración de principios: “Las cosas que se escriben… hay que salir a gritarlas por los techos”. Y eso hizo en Córdoba. Gritó canciones, historias, recuerdos y emociones frente a un estadio completamente entregado.

La primera noche también tuvo una invitada especial que provocó una de las ovaciones más grandes del show: Euge Quevedo apareció sobre el escenario para interpretar junto a Arjona “Fuiste Tú”.

Uno de los momentos más celebrados llegó cuando “Historia de Taxi” se transformó inesperadamente en versión cuarteto. El guiño local, interpretado por sus músicos y bailarines, hizo estallar a Instituto en una mezcla perfecta entre sorpresa y fiesta popular. Córdoba respondió como responde siempre: cantando fuerte y bailando todavía más fuerte.

La primera noche también tuvo una invitada especial que provocó una de las ovaciones más grandes del show: Euge Quevedo apareció sobre el escenario para interpretar junto a Arjona “Fuiste Tú”. El cruce entre ambos artistas generó uno de esos momentos espontáneos que quedan grabados más allá del repertorio.

Pero hubo además escenas pequeñas que terminaron convirtiéndose en recuerdos gigantes. Según relataron medios locales, durante uno de los shows el público comenzó a lanzar bufandas al escenario debido al intenso frío cordobés. Arjona, entre risas, se las fue colocando y terminó compartiéndolas con sus músicos, en una escena descontracturada que desató carcajadas y aplausos.

Ese tipo de gestos explican parte del fenómeno Arjona. Porque más allá de las discusiones eternas sobre su estilo, sus metáforas o sus letras, hay algo indiscutible: pocos artistas logran una conexión emocional tan inmediata y transversal con el público latinoamericano. Y esa conexión tiene mucho que ver con la historia que carga detrás. Nacido en Guatemala, hijo de maestros rurales, criado entre mudanzas y dificultades económicas, Arjona atravesó una vida marcada por contrastes. Fue maestro de escuela, jugador de baloncesto —llegó a integrar la selección nacional y conserva el récord de anotación en un partido con 79 puntos— y compositor de canciones sociales mucho antes de convertirse en una estrella internacional.

En distintas entrevistas y textos autobiográficos, el artista habló muchas veces de sus orígenes humildes, de la influencia de sus padres y de cómo la guitarra apareció casi como un destino inevitable. También recordó épocas difíciles de Guatemala atravesadas por la violencia y la desigualdad social, experiencias que terminaron moldeando gran parte de su mirada artística.

Quizás por eso sus shows tienen algo más que canciones románticas. Hay relato, memoria, observación social y cierta filosofía cotidiana que conecta especialmente con varias generaciones que crecieron escuchándolo.

La gira Lo Que El Seco No Dijo ya venía batiendo récords antes de llegar a Córdoba. En Buenos Aires agotó una histórica serie de funciones en el Movistar Arena y volvió a demostrar que el fenómeno Arjona sigue intacto en Argentina.

En Córdoba, esa historia sumó otro capítulo. Uno donde hubo canciones nuevas, clásicos eternos, humor, cuarteto, emoción y miles de personas cantando como si cada tema fuera propio. Con producción de Fenix Entertainment y Quality Producciones, las dos noches en Instituto terminaron confirmando algo que el público cordobés ya sabía desde hace tiempo: Arjona no viene solamente a dar conciertos. Viene a contar historias. Y Córdoba, una vez más, estuvo dispuesta a escucharlas hasta el final.

En el marco de su “50th Anniversary Tour”, el legendario dúo integrado por Graham Russell y Russell Hitchcock agotó completamente su primera presentación en Buenos Aires y este miércoles volverá a subir al escenario para una segunda función también sold out en el Teatro Gran Rex.

Desde los primeros acordes, el clima fue el de una celebración compartida. Con una puesta elegante, sobria y completamente enfocada en las canciones, Air Supply desplegó un repertorio repleto de himnos que marcaron generaciones enteras. “Every Woman in the World”, “Here I Am”, “The One That You Love”, “Making Love Out of Nothing at All” y la infaltable “All Out of Love” fueron algunos de los momentos más ovacionados de una noche atravesada por la emoción.

El público acompañó cada tema como si el tiempo no hubiera pasado. Familias enteras, parejas y fanáticos de distintas edades corearon cada estrofa en un teatro colmado que respondió con aplausos permanentes y una conexión que pocas bandas logran sostener después de cinco décadas de carrera.

Esa relación especial con la Argentina no es casual. A lo largo de los años, Air Supply construyó un vínculo muy fuerte con el público local, algo que los propios músicos destacaron en distintas entrevistas previas a esta gira aniversario. “Una cantidad enorme de adolescentes viene a nuestros shows”, contó Russell Hitchcock recientemente al hablar sobre cómo las nuevas generaciones también descubren y hacen propias sus canciones.

El cantante también recordó que la historia del grupo comenzó en 1975, cuando él y Graham Russell se conocieron durante la producción australiana de “Jesucristo Superstar”, sin imaginar que terminarían convirtiéndose en uno de los dúos más exitosos y queridos del soft rock mundial.

Con más de 20 millones de discos vendidos —y cifras que algunas publicaciones elevan incluso mucho más—, Air Supply logró construir una carrera extraordinaria sostenida por canciones que siguen sonando en radios, plataformas y escenarios de todo el mundo. A lo largo de su historia consiguieron ocho hits dentro del Top 5 de Billboard y llegaron a igualar el récord de The Beatles con cinco sencillos consecutivos en el Top 5 estadounidense.

Además, fueron pioneros en varios hitos musicales internacionales: se convirtieron en una de las primeras bandas occidentales en realizar giras por China y llegaron a convocar multitudes históricas en conciertos masivos en Cuba.

La formación actual que acompaña al dúo mantiene intacta la potencia emocional de sus shows. Bajo la dirección musical del guitarrista Aaron McLain, completan la banda Mirko Tessandori en teclados, Pavel Valdman en batería y Doug Gild en bajo, aportando precisión y sensibilidad a cada interpretación.

Pero el aniversario no solo funciona como una mirada nostálgica hacia el pasado. La gira también llega acompañada por nuevos proyectos que mantienen vigente el universo Air Supply: un biopic titulado “All Out of Love: The Air Supply Story”, un musical de Broadway inspirado en sus canciones, una autobiografía conjunta y un próximo álbum de estudio llamado “A Matter of Time”.

Lo cierto es que, más allá de los números y los récords, el fenómeno de Air Supply parece explicarse en algo mucho más simple: la capacidad de sus canciones para seguir conectando emocionalmente con la gente. Y eso volvió a quedar demostrado en Buenos Aires, donde el dúo celebró 50 años de historia rodeado por un público que convirtió cada canción en una ovación.

Las puertas del MIT Media Lab ya están abiertas para el inicio del EmTech AI 2026. Durante tres días intensos, directivos y expertos se reúnen en Cambridge y vía streaming para definir el futuro de los negocios en la era de la inteligencia artificial.

El eje central de este año es la denominada «Gran Integración«. El mensaje de los especialistas es claro: ya pasó la etapa de la simple experimentación y ahora el reto es la operativización, logrando que la IA se inserte en el corazón de los flujos de trabajo para generar valor real.

En esta primera jornada, titulada «Integrar«, las discusiones giran en torno a la migración de pilotos a sistemas de producción masiva. Gigantes como OpenAI y Microsoft analizan el ascenso de la IA agéntica, sistemas que ya no solo responden preguntas, sino que actúan y deciden de forma autónoma en entornos complejos.

Para el mercado de Argentina, las lecciones de este evento son vitales para superar la actual «brecha de madurez». Aunque el 71% de los trabajadores locales se siente listo para usar estas herramientas, apenas el 38% de las empresas ha logrado escalar sus proyectos, lo que marca la urgencia de una implementación estratégica y profesional.

Finalmente, el liderazgo y el factor humano ocupan un lugar central con la participación de figuras de Walmart. El debate se enfoca en el reentrenamiento masivo de los equipos de trabajo para asegurar que la tecnología sea un multiplicador de la capacidad humana en la nueva economía digital

Hay fechas que van más allá del calendario. El 17 de abril es una de ellas. Cada año en esa fecha se conmemora la llegada del Malbec a la Argentina en 1853, cuando Domingo F. Sarmiento impulsó la creación de la Quinta Normal de Agricultura y encargó al ingeniero agrónomo francés Miguel Pouget la introducción de nuevas variedades de vid. Aquella decisión transformó para siempre el mapa vitivinícola del país.

Hoy, más de 170 años después, Argentina cuenta con más de 47.000 hectáreas de Malbec cultivadas, el doble que hace 20 años, y en 2024 el Malbec volvió a posicionarse como el varietal más exportado del país. Una cepa que llegó como inmigrante y se convirtió en símbolo nacional.

La revolución silenciosa del Norte

Mientras Mendoza concentra el protagonismo global de la cepa, existe un territorio que desde hace años viene ganando terreno con fuerza propia: el norte argentino. Salta, Jujuy, La Rioja, Catamarca y Tucumán conforman un universo vitivinícola único en el mundo, donde la altitud extrema, la amplitud térmica y los suelos volcánicos y arenosos le imprimen al Malbec una personalidad radicalmente distinta: más austero, más tenso, más mineral, con taninos precisos y una frescura que sorprende copa a copa.

Las bodegas ubicadas en Jujuy, Salta, Tucumán y Catamarca alcanzan una altitud entre los 750 y 3.329 metros sobre el nivel del mar, características que hacen del vino de esta zona algo muy particular. En esas coordenadas de vértigo, el Malbec encuentra una versión de sí mismo que no existe en ninguna otra parte del planeta.

La provincia de La Rioja es la tercera en superficie cultivada del país con el 3,6% del total, seguida por Salta que concentra el 1,8%, mientras que Jujuy, con solo el 0,03%, sigue creciendo en demanda, catas y reconocimientos internacionales.

El enólogo Daniel Heffner de Bodega Dal Borgo en Cafayate lo resume con orgullo: «Lo que nos distingue es la potencia, los colores muy intensos, la nariz y la boca, y taninos muy redondos. Creo que Cafayate no tiene techo y hay que seguir trabajando para dar lo mejor.»

El norte en el radar del mundo

En su recorrida de 2025 por Argentina, el reconocido Master of Wine Tim Atkin incluyó en su itinerario exponentes de Jujuy, Salta, Catamarca y La Rioja, degustando más de 1.700 vinos de casi 300 productores. Una señal inequívoca de que el norte vitivinícola argentino ya está en la mira de los críticos y consumidores más exigentes del mundo.

Germán Di Césare, gerente de enología de Bodega Trivento, explica el éxito global de la cepa por su enorme plasticidad: se adapta con facilidad a distintas regiones, seduce por su perfil aromático y mantiene su prestigio en los mercados más exigentes. Y el norte argentino es quizás el ejemplo más elocuente de esa capacidad camaleónica.

BODEGAS Y VINOS DEL NORTE PARA DESCUBRIR Y ANOTAR

🍷 Bodega Colomé — Molinos, Salta Una de las bodegas más antiguas de Argentina, enclavada en los Valles Calchaquíes a más de 2.200 msnm. Su Malbec de altura es elegante, con notas a fruta oscura y especias. Ganó el premio a Mejor Propuesta de Enoturismo en los premios Winexplorers 2025. Recomendado: Colomé Estate Malbec.

🍷 Bodega Viñedos del Esteco — Cafayate, Salta Emblema de los Valles Calchaquíes, produce Malbecs intensos con identidad de terruño único. El microclima de Cafayate, con días cálidos y noches frescas, genera vinos de color profundo y gran concentración. Recomendado: Don David Malbec Reserva.

🍷 Bodega Dal Borgo — Animaná, Valles Calchaquíes, Salta Su Almandino Reserva Blend 2019 fue considerado por el jurado de expertos como el Mejor Tinto de Argentina en un prestigioso certamen nacional. Un referente del Malbec calchaquí de autor. Recomendado: Almandino Reserva Malbec.

🍷 Bodega La Macarena — Valle de Anguinán, Chilecito, La Rioja Ubicada a apenas 7 kilómetros de la ciudad de Chilecito, entre las sierras de Velasco y la sierra de Famatina, esta bodega moderna y altamente tecnificada rescata el legado familiar de Isidoro, abuelo de Macarena, quien en los años 70 comenzó el cultivo de vid en Famatina. Un proyecto que nació del amor por la tierra riojana y se convirtió en uno de los emprendimientos más prometedores del norte argentino. Bajo la dirección enológica de Luis Coita Civit, su Tinkunaco Malbec es un tinto 100% Malbec de color rubí profundo, con aromas a frutos rojos, notas florales y pimienta negra, y taninos suaves que construyen un final dulce y amable. Tinkunaco significa «encuentro» en quechua, y ese encuentro entre raíces, territorio y nueva generación se siente copa a copa. Recomendado: Tinkunaco Malbec.

🍷 La Riojana Cooperativa — Chilecito, La Rioja Su Raza Argentina Bicentenario Malbec 2021 ganó Medalla Gran Oro en concurso nacional. Una cooperativa que nuclea a pequeños productores riojanos y logra vinos de extraordinaria calidad a precios accesibles. Recomendado: Raza Argentina Bicentenario Malbec.

🍷 Bodega Valle de la Puerta — Valle de Famatina, La Rioja Ubicada en el Valle de Famatina, destaca por su producción de tintos como Malbec y Bonarda. Sus vinos expresan la identidad riojana con estructura y elegancia. Su Collovati Malbec 2020 también se llevó Medalla Gran Oro. Recomendado: La Puerta Malbec Reserva.

🍷 Bodega Amanecer Andino — Quebrada de Humahuaca, Jujuy Una de las primeras bodegas de Jujuy, con viñedos a 2.300 metros de altura. Su propietario destaca que en esa altitud extrema se pueden hacer «vinos de extrema altura, distintos y diferentes». Recomendado: Amanecer Andino Malbec.

🍷 Bodega Las Arcas de Tolombón — Valle Calchaquí, Salta Su Siete Vacas Reserva Malbec – Cabernet Franc 2021 ganó Medalla Gran Oro en certamen nacional. Una bodega boutique que trabaja con viñedos propios en una de las zonas más bellas del norte. Recomendado: Siete Vacas Reserva Malbec.

Una copa por el norte

Celebrar el Día Mundial del Malbec en 2026 es también celebrar la diversidad de una cepa que, lejos de tener un solo rostro, habla en muchos dialectos. El norte argentino ofrece uno de los más fascinantes: vinos de altura, de carácter, de historia. Vinos que saben a tierra colorada, a silencio de quebrada, a cielos sin límite.

Porque el Malbec no es solo un varietal. Es una forma de entender Argentina.

Salud.

El próximo 24 de noviembre, ese pulso eléctrico volverá a sentirse en el Movistar Arena, cuando el trío texano pise suelo argentino tras 16 años de ausencia. No es un regreso más: es un ajuste de cuentas con la memoria del rock, una invitación a reconectar con una música que no pide permiso para quedarse.

Para entender a ZZ Top hay que viajar a Houston, fines de los 60. Un cruce de caminos donde Billy F. Gibbons, Frank Beard y Dusty Hill decidieron unir fuerzas sin imaginar que estaban dando forma a una de las identidades más reconocibles del rock. No inventaron el blues, pero lo electrificaron a su manera. Lo hicieron más filoso, más directo, más físico. En su música hay rutas interminables, bares de neón gastado y una sensación de libertad que se vuelve casi tangible.

El primer gran golpe llegó con Tres Hombres, donde “La Grange” empezó a delinear ese ADN inconfundible: riffs secos, groove arrastrado y una economía sonora que dice más con menos. Pero el salto definitivo vino una década después con Eliminator, un disco que no solo sonó: se vio. La irrupción en la era del videoclip los convirtió en íconos globales. Autos, chicas, estética futurista y un sonido que, lejos de diluirse, se volvió aún más potente. ZZ Top entendió antes que muchos cómo dialogar con una nueva época sin perder su esencia.

En una industria donde todo cambia, ZZ Top apostó siempre por la permanencia. Durante más de 50 años, la banda fue una estructura casi inalterable. No hubo giros bruscos ni reinvenciones desesperadas. Hubo coherencia.

Billy F. Gibbons se transformó en un símbolo en sí mismo: su forma de tocar, su tono de guitarra, su presencia escénica. A su lado, Frank Beard —paradójicamente, el único sin barba— sostuvo el pulso con una precisión quirúrgica. Y Dusty Hill fue durante décadas el ancla perfecta: bajo firme, voz justa, presencia silenciosa. Esa química no se ensaya. Se construye con años, con rutas compartidas, con escenarios repetidos hasta que cada gesto se vuelve instintivo.

En 2021, la historia sufrió un quiebre inevitable: la muerte de Dusty Hill. Para cualquier banda, un golpe así puede significar el final. Para ZZ Top, fue una prueba de identidad. El elegido para ocupar ese lugar fue Elwood Francis, alguien que llevaba décadas siendo parte del engranaje invisible del grupo. Técnico de guitarras, confidente sonoro, testigo directo de cada etapa. No se trató de reemplazar, sino de sostener. De seguir adelante con respeto, pero sin nostalgia paralizante. Porque si algo define a ZZ Top es el movimiento.

el salto definitivo vino una década después con Eliminator, un disco que no solo sonó: se vio. La irrupción en la era del videoclip los convirtió en íconos globales.

Hay bandas que existen mejor en estudio. ZZ Top no es una de ellas. Su verdadero idioma es el escenario. En vivo, las canciones respiran distinto. Se estiran, se tensan, se vuelven más crudas. El groove —ese pulso difícil de explicar— aparece con una naturalidad que no admite impostaciones. El cuerpo responde antes que la cabeza.

El propio Billy F. Gibbons lo sintetiza con una frase que funciona casi como manifiesto: cuanto más giran, más sienten que ese es su lugar. Y hay algo profundamente honesto en esa idea. No hay épica forzada, no hay despedidas anunciadas. Hay disfrute.

Su última visita a la Argentina, en 2010, fue una de esas noches que quedan suspendidas en el recuerdo colectivo: un Luna Park colmado, riffs imposibles de ignorar, luces rojas y una comunión inmediata con el público. Dieciséis años después, la expectativa no es menor: es otra generación la que se suma a ese ritual.

Sí, están en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Sí, fueron declarados Héroes del Estado de Texas. Sí, vendieron millones de discos y giraron por el mundo entero. Pero nada de eso explica del todo a ZZ Top. Lo que los define es otra cosa: la capacidad de mantenerse fieles a una idea sin volverse previsibles. De sostener un estilo sin caer en la repetición vacía. De hacer del minimalismo una forma de potencia.

En tiempos donde todo parece acelerarse, su música funciona casi como un acto de resistencia. Un recordatorio de que el groove necesita espacio. De que el silencio también es parte del sonido. El 24 de noviembre en el Movistar Arena no será solo un concierto. Será una experiencia atravesada por el tiempo: pasado, presente y futuro conviviendo en un mismo escenario.

Para quienes estuvieron en 2010, será un reencuentro. Para quienes nunca los vieron, una especie de iniciación. Para todos, una oportunidad rara: ver a una banda legendaria que no vive de su leyenda, sino que la sigue escribiendo. Porque ZZ Top no vuelve para despedirse. Vuelve para hacer lo único que sabe hacer: tocar, sonar, vibrar. Y recordarnos —aunque sea por un par de horas— que hay músicas que no pasan de moda.

Reconocida por Vogue como una de las artistas latinas menores de 30 años que están redefiniendo la escena global en 2026, Ela no llega a este punto por casualidad. Su presente es el resultado de una evolución que viene gestándose desde lo emocional hasta lo artístico.

Con “La Gente Cambia”, Ela Taubert inaugura una etapa donde lo personal y lo artístico se alinean en una misma dirección: crecer, soltar y volver a empezar. “Ya no soy la misma persona de hace unos años”, dice. Y no suena a frase hecha: suena a verdad. Ese punto de quiebre —íntimo, incómodo, necesario— es el que atraviesa “La Gente Cambia”, un single que funciona como declaración emocional y carta de presentación de una nueva era.

Cambiar también es decir basta. La canción se mete en un terreno tan universal como difícil: el reencuentro con el pasado desde una identidad transformada. Personas que vuelven. Historias que intentan repetirse. Expectativas que ya no encajan. “Es una canción sobre cambios e inicios que, aunque sean dolorosos, son muy necesarios”. Lejos de romantizar lo que fue, Ela propone otra cosa: aceptar que crecer implica dejar atrás versiones propias que ya no representan quiénes somos. Y en ese gesto, hay algo profundamente generacional.

En lo musical, la artista se permite correrse. Explora nuevos sonidos, texturas y climas que amplían su universo pop hacia un lugar más maduro, más expansivo. No es un cambio abrupto, sino una evolución consciente. “Una canción que habla de crecimiento, de cerrar ciclos y de entender”. Esa búsqueda no solo se escucha: se siente en cada capa del tema. El cuerpo también habla: del rosa al titanio

Si durante años el cabello rosado fue una marca registrada, hoy esa identidad visual queda atrás. La nueva Ela aparece completamente rubia, con tonos plateados y efecto titanio. No es solo estética. Es símbolo.

“Es una canción sobre cambios e inicios que, aunque sean dolorosos, son muy necesarios”.

Fuerza. Resiliencia. Una identidad que se reconstruye desde otro lugar. Como si el mensaje de la canción hubiera encontrado también su traducción visual. El momento no podría ser más preciso. Ela Taubert fue destacada por Vogue como una de las artistas latinas menores de 30 años que están redefiniendo la escena global en 2026.

Además, acumula cinco nominaciones a Premio Nuestra Tierra, incluyendo Artista del Año, y se prepara para presentarse en Noches del Botánico el próximo 28 de junio, consolidando su proyección internacional. Mientras tanto, en redes, el fenómeno ya está en marcha: miles de creaciones acompañan el adelanto del tema, amplificando un mensaje que resuena fuerte.

En tiempos donde todo cambia —los vínculos, las certezas, las formas de amar—, Ela Taubert encuentra una idea simple pero poderosa: “La gente cambia.” Y en esa frase, más que una afirmación, hay una invitación. A soltar. A crecer. A no pedir permiso para convertirse en alguien nuevo.

“Una canción que habla de crecimiento, de cerrar ciclos y de entender”.

Ela Taubert no solo lanza una canción. Lanza una idea: cambiar no es perderse, es encontrarse. En tiempos donde todo muta —los vínculos, las identidades, las certezas—, “La Gente Cambia” aparece como banda sonora de esa transformación inevitable. Y también como recordatorio: crecer duele, pero quedarse igual, a veces, duele más.

El 10 de abril se celebra cada año el Día Internacional de la Homeopatía en homenaje al nacimiento de Samuel Hahnemann, médico alemán considerado el fundador de esta disciplina. La fecha no es un capricho del calendario: fue establecida por asociaciones homeopáticas internacionales para reivindicar la figura de Hahnemann y promover la reflexión en torno a la homeopatía, una práctica que hoy se ejerce en más de 80 países y que, según la Organización Mundial de la Salud, integra el grupo de medicinas tradicionales y complementarias más utilizadas a nivel global.

En Argentina, la homeopatía tiene presencia tanto en hospitales públicos como en clínicas privadas, y las farmacias homeopáticas forman parte del paisaje cotidiano de muchas ciudades. Es un buen momento para detenerse a entender de qué se trata realmente esta disciplina: su historia, sus métodos, lo que la ciencia dice sobre ella y los debates que la rodean.

Pocas disciplinas dentro del universo de la salud despiertan tanto fervor entre sus defensores y tanta resistencia entre sus críticos. Considerada por millones de personas como una medicina eficaz, natural y sin efectos adversos, y cuestionada por gran parte de la comunidad científica como una práctica carente de sustento empírico, la homeopatía ocupa un lugar peculiar: el de un sistema terapéutico con siglos de historia, millones de adeptos y un debate que lejos de cerrarse, se renueva con cada nueva investigación.

Los orígenes: un médico alemán y una idea revolucionaria

La homeopatía nació a finales del siglo XVIII de la mente de Samuel Christian Friedrich Hahnemann, médico alemán nacido en 1755 en Meissen, Sajonia. Hahnemann era un profesional respetado e inquieto intelectualmente, políglota y crítico del estado de la medicina de su época, que incluía prácticas como las sangrías, las purgas y el uso de sustancias tóxicas en altas dosis. Desencantado con esos métodos, comenzó a experimentar con alternativas.

En 1790, mientras traducía al alemán el tratado sobre la quina del médico escocés William Cullen, Hahnemann quedó intrigado por la descripción de cómo esa sustancia —usada para tratar la malaria— producía síntomas similares a la enfermedad en personas sanas. Decidió tomarse quina él mismo y registró que desarrollaba síntomas parecidos a los del paludismo. De esa observación surgió el principio fundacional de todo el sistema: similia similibus curentur, lo similar cura lo similar.

La idea, que Hahnemann llamó «ley de los semejantes», postulaba que una sustancia capaz de provocar ciertos síntomas en una persona sana puede curar esos mismos síntomas en una persona enferma. En 1796 publicó sus primeras reflexiones al respecto y en 1810 editó el Organon de la Medicina, obra en la que sistematizó por primera vez todos los principios de su nuevo sistema terapéutico. La palabra «homeopatía» proviene del griego homoios (similar) y pathos (sufrimiento o enfermedad).

Los pilares del sistema: dilución, dinamización y el paciente como totalidad

La homeopatía se asienta sobre tres principios centrales que la distinguen radicalmente de la medicina convencional.

El primero, ya mencionado, es la ley de los semejantes. Para tratar una enfermedad, el homeópata busca una sustancia que en grandes dosis produciría síntomas similares a los que presenta el paciente.

El segundo principio es la ley de los infinitesimales o de las diluciones. Hahnemann sostenía que cuanto más diluida estaba una sustancia, más potente era su efecto curativo. Las preparaciones homeopáticas se realizan diluyendo la sustancia original —que puede ser vegetal, mineral o animal— de manera sucesiva. Las diluciones más comunes son las centesimales (CH), en las que se mezcla una parte de la sustancia con noventa y nueve partes de agua o alcohol, y se repite el proceso la cantidad de veces que indique el número de la dilución. Así, una dilución 12CH implica doce repeticiones de ese proceso, y una 30CH, treinta. A partir de la dilución 12CH, según la química convencional, es estadísticamente improbable que quede siquiera una molécula de la sustancia original en la solución.

El tercer principio es la dinamización o sucusión. Hahnemann establecía que entre cada paso de dilución debía agitarse vigorosamente el preparado, un proceso al que llamó «dinamización». Según su teoría, este procedimiento activaba o liberaba la «energía vital» o «fuerza espiritual» de la sustancia, transfiriendo su información al solvente.

A estos principios se suma una concepción holística del paciente. La homeopatía no trata enfermedades sino personas: el homeópata realiza una consulta extensa en la que releva no solo los síntomas físicos sino también el estado emocional, el temperamento, los miedos, las preferencias climáticas y hasta los sueños del paciente. El objetivo es encontrar el «remedio simillimum», aquel que mejor corresponda a la totalidad del individuo.

Expansión global: de Europa al mundo

La homeopatía se expandió con notable rapidez. Ya en vida de Hahnemann, que murió en 1843 en París, la práctica se había extendido por Europa y había cruzado el Atlántico hacia Estados Unidos. A mediados del siglo XIX florecieron escuelas y hospitales homeopáticos en varias ciudades norteamericanas. El médico estadounidense Constantine Hering aportó desarrollos propios, como la llamada «ley de curación de Hering», según la cual los síntomas se resuelven de arriba hacia abajo, de adentro hacia afuera y en orden inverso a como aparecieron.

En la India, la homeopatía encontró un terreno especialmente fértil y hoy es parte del sistema oficial de salud del país: el Ministerio de AYUSH (Ayurveda, Yoga, Unani, Siddha y Homeopatía) reconoce y regula la práctica, y el país cuenta con más de doscientas mil personas habilitadas para ejercerla. En Europa, Francia fue históricamente uno de los bastiones de la homeopatía, aunque en 2021 el gobierno decidió excluirla del sistema de salud pública al no encontrar evidencia suficiente de su eficacia.

En Argentina, la homeopatía ha arraigado desde el siglo XIX y se convirtió en una opción complementaria en el sistema de salud, con presencia tanto en hospitales públicos como en clínicas privadas. A nivel global, los productos homeopáticos se venden en más de 80 países y se estima que cuenta con más de 300 millones de pacientes.

El debate científico: ¿qué dicen los estudios?

El núcleo del cuestionamiento a la homeopatía proviene de la ciencia. El problema no es solo que sus mecanismos propuestos —la memoria del agua, la transmisión de información a través de diluciones extremas— no tengan sustento en la física ni en la química conocidas. El problema, según sus críticos, es que tampoco los ensayos clínicos logran demostrar de manera consistente que funcione mejor que un placebo.

Entre los estudios más citados está la revisión sistemática publicada en 2015 por el Consejo Nacional de Investigación Médica y de Salud de Australia (NHMRC), que analizó más de 1.800 estudios y concluyó que no había evidencia confiable de que la homeopatía fuera efectiva para ninguna condición de salud. Ese mismo año, la prestigiosa revista The Lancet republicó y reafirmó una revisión del suizo Matthias Egger, publicada originalmente en 2005, que comparaba homeopatía con placebo en ensayos de alta calidad y llegaba a conclusiones similares.

La Colaboración Cochrane, considerada el estándar de oro en la evaluación de evidencia médica, también ha publicado revisiones sobre homeopatía en condiciones específicas —como el síndrome de intestino irritable, la rinitis alérgica o la inducción del parto— sin encontrar evidencia sólida de beneficio clínico real.

Los defensores de la homeopatía contestan que muchos ensayos clínicos convencionales no son adecuados para evaluar una práctica individualizada: el mismo diagnóstico biomédico puede recibir distintos remedios en homeopatía según las características del paciente, lo que dificulta el diseño de estudios doble ciego estándar. También señalan estudios de menor escala o de metodología diferente que sí habrían mostrado resultados positivos.

La hipótesis de la memoria del agua

Uno de los intentos más audaces de dar base científica a la homeopatía vino del inmunólogo francés Jacques Benveniste. En 1988, su equipo publicó en la revista Nature un estudio que afirmaba que el agua podía retener las propiedades de anticuerpos que habían sido diluidos hasta desaparecer, un fenómeno que denominó «memoria del agua». La publicación generó un escándalo científico sin precedentes: el editor de Nature, John Maddox, envió un equipo de verificación al laboratorio de Benveniste —incluyendo al célebre escéptico James Randi— que no pudo reproducir los resultados bajo condiciones ciegas. El estudio fue desacreditado, aunque Benveniste continuó trabajando en la hipótesis hasta su muerte en 2004.

Más recientemente, el premio Nobel de Medicina Luc Montagnier —codescubridor del VIH— generó controversia al publicar en 2010 investigaciones que afirmaban detectar señales electromagnéticas en diluciones de ADN de alta dilución, lo que algunos interpretaron como una posible base para la homeopatía. Sus trabajos fueron recibidos con enorme escepticismo por la comunidad científica y no lograron replicación independiente robusta.

Las críticas: entre la ineficacia y el riesgo

Los cuestionamientos a la homeopatía se dividen en dos grandes grupos. El primero apunta a la falta de eficacia: si los remedios homeopáticos no contienen moléculas activas y no funcionan mejor que el placebo, entonces el beneficio que reportan los pacientes puede explicarse por el efecto placebo, la historia natural de la enfermedad (muchas dolencias remiten solas con el tiempo), o la atención empática y personalizada que caracteriza a la consulta homeopática.

El segundo grupo de críticas apunta al riesgo. Si bien los remedios homeopáticos en sí son generalmente considerados inocuos por su extrema dilución, el problema es lo que no se hace. Cuando una persona con una enfermedad grave —un cáncer, una infección bacteriana, una enfermedad autoinmune— elige tratar su condición exclusivamente con homeopatía y posterga o abandona el tratamiento convencional, las consecuencias pueden ser serias. Hay casos documentados, particularmente en niños, de complicaciones graves por el reemplazo de vacunas o antibióticos por tratamientos homeopáticos.

En 2017, la Comisión Europea publicó un informe recomendando que los productos homeopáticos no fueran presentados como equivalentes a los medicamentos convencionales. Ese mismo año, la Academia Americana de Pediatría tomó posición oficial en contra del uso de homeopatía en niños.

El efecto placebo y la dimensión del vínculo terapéutico

Un punto que los propios críticos más lúcidos de la homeopatía suelen reconocer es que la consulta homeopática tiene virtudes propias más allá del remedio. La entrevista extensa, la escucha atenta, la construcción de un relato coherente sobre el malestar del paciente y la sensación de ser tratado como una persona completa y no como un síntoma tienen valor terapéutico real. El efecto placebo no es trivial: estudios en neurociencia cognitiva han mostrado que puede aliviar el dolor, mejorar el ánimo y en algunos casos modular respuestas inmunológicas. El debate es si ese efecto requiere engañar al paciente haciéndole creer que está recibiendo un fármaco activo, o si puede obtenerse con mayor transparencia.

Algunos médicos y psicólogos proponen aprender de la homeopatía no sus diluciones sino su modelo de consulta: más tiempo, más atención al paciente como totalidad, más espacio para el relato subjetivo.

La homeopatía hoy: entre la regulación y la popularidad

A pesar de las revisiones críticas, la homeopatía mantiene una presencia considerable en el mercado global de la salud. La Organización Mundial de la Salud la incluye en su atlas de medicina tradicional y complementaria, aunque sin avalarla como tratamiento de primera línea para ninguna condición. En varios países europeos fue históricamente reembolsada por los sistemas de salud pública, aunque esa tendencia se ha revertido en años recientes: Suecia, Dinamarca, el Reino Unido y Francia han reducido o eliminado su cobertura estatal.

En paralelo, el mercado de productos homeopáticos sigue creciendo globalmente, impulsado por la desconfianza en la industria farmacéutica, la búsqueda de opciones naturales y la valoración de modelos de atención más humanizados.

Una efeméride para el debate, no solo para la celebración

El Día Mundial de la Homeopatía es, en ese sentido, mucho más que una fecha para sus practicantes. Es también una invitación a una conversación que la sociedad necesita dar con madurez: sobre qué esperamos de la medicina, cómo evaluamos la evidencia, qué lugar tiene la experiencia subjetiva del paciente en las decisiones de salud y cómo coexisten —o deberían coexistir— los distintos sistemas terapéuticos.

En un contexto en el que cada vez más personas buscan alternativas naturales para el cuidado de su salud, la homeopatía se posiciona como una opción valorada por su mirada holística, que considera tanto los aspectos físicos como emocionales de cada individuo. Pero esa valoración no puede ser ciega a lo que la ciencia señala, ni la crítica científica puede ignorar que millones de personas encuentran en ella un alivio real, sea cual sea su origen.

Ignorar sus dos siglos de historia y los millones de personas que la practican sería tan parcial como ignorar los estudios que no encuentran en ella más que el efecto de creer. El desafío —para pacientes, profesionales y reguladores— es sostener esa tensión con honestidad, sin dogmatismos en ninguna dirección. Y quizás el 10 de abril, cumpleaños de Hahnemann y Día Mundial de la Homeopatía, sea una fecha tan buena como cualquier otra para intentarlo.

*La información de este artículo es de carácter educativo y no reemplaza la consulta con un profesional de la salud.