Daniela, ingeniera agrónoma, y Gabriel, reconocido enólogo, eran asesores e insistían en trabajar para conseguir un vino capaz de satisfacer a los más exigentes paladares. A la gran mayoría les pareció más que una idea alocada. Tuvieron que escuchar que ya fuera por las condiciones del suelo, humedad o amplitud térmica entre tantos etcéteras, esa idea resultaría imposible. Pero Mansilla insistía en que si terroir de otras latitudes similares lo habían conseguido, por qué no intentarlo. Pudieron convencer a sólo tres productores para aportar las uvas. Mientras Daniela invirtió todos sus ahorros en comprar las barricas, el resto se encargó de los demás insumos.

Para la ingeniera, la rebeldía está en el ADN cordobés: “Nosotros en parte representamos eso. Cuando nos dijeron que en Caroya no podían hacerse vinos de alta gama o por qué no nos dedicábamos a otra cosa como plantar soja, nos tocaron esa fibra cordobesa. Más allá de eso, veníamos trabajando hacía tiempo en el tránsito de la vitivinicultura convencional hacia la agroecología y la mayor calidad. Nuestra ambición era llevar el vino cordobés al máximo nivel internacional”.

Comprendieron que serían vinos diferentes pero que debían sacar su máximo potencial de esa característica y no buscar imitar a otras regiones. Tras el autoconvencimiento de factibilidad y la posterior mejora de la tecnología, pusieron literalmente manos a la obra y reinvirtieron hasta hoy cada ganancia generada.

“Siempre decimos que tenemos un vino de barrio porque nos gusta la idea de la comunidad y de la colaboración entre vecinos, queremos aportar herramientas para que otros hagan sostenibles toda la vitivinicultura en Caroya”.

El nombre conecta inmediatamente con “lo cordobés”: “Es esa patente con la X adelante que otrora nos provocaba emoción cuando íbamos por la ruta de otras provincias y nos gritábamos entre auto y auto: ‘aguante Córdoba’ como si fuéramos hermanos”, destaca Mansilla. Hay clientes a los que llaman “patenteros”, porque son tan fans de su vino que lo han llevado a diferentes países o portan remeras de la marca en sus redes sociales.

En una cata a ciegas con un sommelier muy reconocido, “Patente X” superó todas las calificaciones y la gran mayoría descreía sobre la procedencia cordobesa. Para ellos, una de las claves es no producir cosechas que no obedezcan a sus estándares de calidad. “No tenemos producción tras cada añada, sino que elaboramos los vinos que nos parecen adecuados que entren a botella. Hubo añadas que decidimos no hacerlo, como les pasa a otros lugares del mundo similares a nuestro terroir”, dicen.

Cuando nos dijeron que en Caroya no podían hacerse vinos de alta gama o por qué no nos dedicábamos a otra cosa como plantar soja, nos tocaron esa fibra cordobesa. Más allá de eso, veníamos trabajando hacía tiempo en el tránsito de la vitivinicultura convencional hacia la agroecología y la mayor calidad.

Danilo aporta el don de la paciencia y presencia en la Finca, Gabriel es “el Messi de los enólogos” y Daniela es multitasking: desde la comunicación hasta las ventas, todo pasa por sus manos. “Cada paso que damos es elegido por nosotros, nadie nos obliga, lo hacemos puramente por placer y confianza en el proyecto. Hoy ya no tenemos que demostrar nada y hacemos el vino que nos gusta”, cuentan sin dejar de mostrar preocupación porque actualmente hay viñedos que se están perdiendo “porque el esquema de la producción está bajo una presión extrema”.

Sus sueños son: rescatar varietales, la gran historia caroyense y los saberes de sus productores más antiguos. “Siempre decimos que tenemos un vino de barrio porque nos gusta la idea de la comunidad y de la colaboración entre vecinos, queremos aportar herramientas para que otros hagan sostenibles toda la vitivinicultura en Caroya”. Hoy trabajan en la confección de eventos para cada estación del año para mostrar la finca y culminar el proceso del valor agregado a través del enoturismo.

Consultados sobre las características de los sabores cordobeses que aglutina el proyecto Utuco, Daniela se la juega por lo dulce: “el cordobés toma mate dulce, come la empanada dulce o toma el vino ‘pritiau’. Le mete lo dulce a todo”. Pero aclaran que es en relación al cordobés en general porque “el caroyense es una fiesta de sabores de todo tipo, desde la picada de la mañana hasta la roñosa de la madrugada, siempre con vino”. Y, desde hace un tiempo, también con un buen vino de por medio.

Durante años, los grandes eventos deportivos reservaron sus momentos ceremoniales para leyendas del deporte, figuras institucionales o personalidades estrechamente vinculadas con la historia de cada disciplina. En la actualidad, ese mapa cultural parece haber cambiado. Los músicos, creadores de contenido y artistas con impacto global comenzaron a convertirse en representantes simbólicos de una generación entera, capaces de dialogar con públicos que atraviesan fronteras, idiomas y disciplinas.

Bizarrap es probablemente uno de los casos más representativos de ese fenómeno surgido en América Latina. Lo que comenzó como un proyecto nacido en una habitación y potenciado por internet terminó convirtiéndose en una de las plataformas musicales más influyentes del planeta. Sus sesiones acumulan miles de millones de reproducciones, sus colaboraciones reúnen artistas de distintos continentes y su estética se volvió reconocible incluso para quienes nunca escucharon una canción completa de su catálogo.

La Copa del Mundo siempre funcionó como un gigantesco termómetro cultural. Allí confluyen las figuras que mejor representan el espíritu de una época. En otras décadas fueron estrellas de cine, íconos del deporte o grandes celebridades televisivas. Hoy, entre esos nombres, aparecen productores musicales que construyeron su relevancia desde plataformas digitales y que lograron convertir su identidad en una marca global.

Lo verdaderamente significativo es que, en medio del evento deportivo más importante del planeta, una figura nacida en el ecosistema digital argentino haya sido elegida para protagonizar uno de los momentos más emblemáticos de la ceremonia previa

La historia de Bizarrap tiene algo que explica por qué su aparición en un Mundial genera tanta identificación. Antes de llenar estadios, romper récords de reproducciones y colaborar con algunas de las figuras más importantes de la música global, era simplemente un adolescente obsesionado con producir canciones en su computadora.

En distintas entrevistas recordó que, durante sus primeros años, muchas personas de su entorno no terminaban de comprender aquello que estaba construyendo. En diálogo con GQ, llegó a contar que para familiares y amigos él era “un delirante” por imaginar un camino profesional que todavía parecía inexistente. Sin embargo, estaba convencido de que existía un espacio para que un productor argentino pudiera abrirse camino en la escena internacional.

Esa convicción terminó siendo una de las claves de su recorrido. Mientras otros soñaban con escenarios tradicionales de éxito, Bizarrap apostó por un formato propio, una identidad visual inconfundible y una manera distinta de entender la industria musical. El resultado es conocido: una carrera que logró trascender idiomas, mercados y fronteras.

Curiosamente, el fútbol también forma parte de esa historia. El propio productor contó alguna vez que muchas tardes elegía quedarse trabajando en nuevas producciones en lugar de salir a jugar con sus amigos. Años después, esa misma dedicación lo llevó a aparecer en el centro de la escena del deporte más popular del planeta.

La aparición de Bizarrap en la previa del encuentro también llegó en un momento particularmente activo de su carrera. Recientemente presentó nuevo material junto a Myke Towers, reafirmando una dinámica creativa que lo mantiene entre los artistas latinoamericanos con mayor alcance internacional.

Lo que comenzó como un proyecto nacido en una habitación y potenciado por internet terminó convirtiéndose en una de las plataformas musicales más influyentes del planeta.

Lo verdaderamente significativo es que, en medio del evento deportivo más importante del planeta, una figura nacida en el ecosistema digital argentino haya sido elegida para protagonizar uno de los momentos más emblemáticos de la ceremonia previa. No se trata solamente de popularidad. Se trata de representatividad. Así como en otros momentos los Mundiales buscaron asociarse con artistas capaces de condensar el espíritu cultural de una generación, la presencia de Bizarrap parece responder a la misma lógica. Su figura conecta con la música, pero también con la moda, el universo digital, las nuevas formas de comunicación y una manera distinta de construir influencia global.

En la previa del encuentro, el productor lució un conjunto desarrollado junto a adidas, incluyendo la camiseta de la Selección Argentina, una gorra de su colaboración con la marca y las zapatillas Forum2000 BZRP. La imagen sintetizó tres mundos que hace tiempo dejaron de caminar por separado: el deporte, la música y la cultura pop. Por eso, más allá de la acción puntual, la escena dejó una postal difícil de ignorar.

Si los Mundiales suelen servir para identificar quiénes son los grandes protagonistas de cada época, la imagen de Gonzalo Conde caminando hacia el centro del campo con el balón oficial parece dejar un mensaje bastante claro. Hace tiempo que Bizarrap dejó de ser solamente un productor musical. Hoy es una de las figuras culturales argentinas con mayor capacidad para dialogar con el mundo, y su presencia en una Copa del Mundo es, quizás, la confirmación más visible de ese recorrido.

Hace casi diez años, una clase de jazz unió a dos músicos que apenas se conocían. Lo que comenzó como una corazonada terminó convirtiéndose en un proyecto que hoy recorre escenarios de todo el país y que ha sabido construir una relación muy cercana con su público. Lejos de los caminos tradicionales de la industria, Koino Yokan fue creciendo paso a paso, de manera independiente y con una búsqueda artística cada vez más definida.

En esta charla con Revista Random, Tomás Otero repasa ese recorrido con la misma naturalidad con la que escribe sus canciones: habla de la amistad con Jeremías Oro -la otra mitad de este proyecto-, de las influencias que marcaron al dúo, del valor de la humildad y de la importancia de seguir aprendiendo incluso cuando los sueños empiezan a hacerse realidad.

Vamos a hablar un poco del fenómeno de Koino Yokan. Han tenido un crecimiento enorme, irrumpieron con fuerza en las redes sociales, participaron en grandes eventos y cada vez llegan a más público. ¿Cómo comenzaron? ¿Cómo se formó Koino Yokan? ¿Cómo fueron sus inicios?

Empezó de una forma totalmente inesperada. Yo estaba estudiando mucha música y, hace casi diez años, decidí seguir una corazonada e ir a tomar clases de jazz con un músico que había visto tocar por internet y que me parecía increíble. Ese profesor resultó ser Jeremías Oro, que hoy es mi compañero, mi amigo y mi socio.

En la primera clase nos conocimos, pegamos muy buena onda y empezamos a tocar canciones que nos gustaban. Muy poco tiempo después me propuso armar un proyecto de canciones. Los dos éramos muy amantes de la canción popular. Le dije que sí. Recién nos habíamos conocido y ya estábamos armando un proyecto que, por suerte, sigue en pie hasta hoy.

¿Cómo llegaron al nombre «Koino Yokan»? ¿Es una expresión japonesa? .

Sí, es una expresión japonesa. Habla de esa sensación de conocer a alguien que hasta ese momento no conocías y sentir que, inevitablemente, va a surgir una conexión muy importante entre los dos.

Nos gustaba mucho la cultura oriental y, sobre todo, esas expresiones que no tienen una traducción literal al español. Hay palabras en otros idiomas que condensan un montón de emociones en un solo término. Eso siempre nos pareció fascinante y, cuando apareció este concepto, sentimos que era un nombre muy lindo para la banda.

Ya mencionaste el jazz y la canción popular, ¿qué otras influencias conspiraron para para encontrar el sonido de Koino Yokan?

Me da un poco de pudor decirlo porque son músicos que siento completamente inalcanzables. Después la gente escucha nuestra música y puede decir: «No se parece en nada», y está perfecto. Pero, para mí, son referencias enormes. Sin dudas, Charly García. También Fito Páez, especialmente El amor después del amor. En general, mucho del rock nacional de los años setenta, ochenta y noventa. Nosotros respiramos mucho esa música.

¿Y de afuera? ¿Qué escuchás?

Escucho mucha música uruguaya y también muchísima música brasileña. Me encanta Djavan; para mí es como un Charly García brasileño, un compositor impresionante de canciones populares. Después también escucho artistas británicos. Me gusta mucho King Krule, por ejemplo. Siempre está bueno recorrer músicas distintas porque, al final, todo eso termina formando parte del ADN de uno como músico.

Hoy están atravesando uno de los momentos más importantes de su carrera. Tienen casi medio millón de seguidores en Instagram y un crecimiento muy fuerte. ¿Son conscientes de lo que les está pasando?

La verdad es que sí. Tenemos dimensión porque todo nuestro camino fue muy progresivo y muy independiente. Entonces fuimos siendo conscientes de cada pequeño logro, de cada persona nueva que empezó a escucharnos, de cada paso que dimos.

Al mismo tiempo es muy loco parar un momento, mirar para atrás después de tantos años y decir: «Qué increíble todo lo que pasó».

Uno muchas veces sueña con vivir de la música, pero no sabe realmente qué significa eso. No sabés todo lo que implica. Lo vas descubriendo en el camino, te pegás un montón de golpes, aprendés muchísimo y también vivís situaciones completamente inesperadas.

Por ejemplo, un día estoy en mi casa grabando una sesión con La Bersuit, cantando canciones que escuchaba durante toda mi infancia, y ahí decís: «Esto es un sueño cumplido». Lo curioso es que nunca lo soñaste exactamente así. Lo que soñabas era vivir cosas que te hicieran sentir algo parecido a esto.

Entonces sí, somos muy conscientes de todo lo que está pasando y estamos profundamente agradecidos.

¿Qué les cambió desde aquellos comienzos hasta este presente? ¿Qué descubrimientos hicieron en el camino?

Buena pregunta. Creo que lo primero tiene que ver con crecer. Cuando empezamos teníamos poco más de veinte años. Al principio uno piensa que la tiene clarísima, que entiende cómo funciona todo. Después descubrís que vivir de la música, convertirse en un músico profesional y sostener eso todos los días es muchísimo más difícil de lo que parece.

Con el tiempo empezás a valorar muchísimo más el trabajo de otros artistas y de otras personas. Cuanto más sé, cuanto más vivo la música y cuanto más adentro estoy de este mundo, más valor le doy a todo y más me doy cuenta de que no sé nada.

Soy simplemente alguien que sigue aprendiendo y que siente una enorme pasión por esto. Y eso es muy lindo porque también te aleja del ego y te hace entender el verdadero valor de las cosas.

Es interesante eso que decís. No todos llegan a esa conclusión.

No sé si se trata de humildad. Creo que simplemente entendés cómo son realmente las cosas.

Muchas veces uno piensa: «Quiero hacer algo distinto», pero después te das cuenta de que escribir una buena canción, producirla para que suene bien, tocarla en vivo y sostener una carrera lleva muchísimo más trabajo del que parece desde afuera.

Eso termina sirviendo para todo en la vida. Empezás a entender que detrás de cualquier cosa bien hecha hay muchísimo esfuerzo.

Hablando de ese trabajo, ¿cómo es el proceso creativo entre ustedes? ¿Cómo se distribuyen los roles? ¿Quién compone? Escuchando las canciones da la sensación de que las letras conectan con emociones muy íntimas.

Sí, muchas veces pasa eso porque, por lo menos en mi caso, escribo mucho desde mi propia experiencia emocional.

Hay distintas maneras de componer y todas me parecen válidas. Jeremías, por ejemplo, muchas veces trabaja desde la ficción. Se pone en la piel de un personaje y dice: «¿Qué pasaría si fuera un marinero en altamar?», o cualquier otra situación. Son ejercicios creativos hermosos porque te permiten vivir experiencias humanas que en realidad nunca viviste.

Yo, en cambio, suelo escribir desde cosas que realmente me pasaron o desde emociones muy personales.

En cuanto a las canciones de Koino Yokan, hay muchas que son de Jere, muchas que son mías y otras que hicimos entre los dos, aunque esas son menos porque normalmente cada uno compone por su cuenta.

Yo puedo estar en mi casa, agarrar la guitarra, encontrar una idea que me gusta, grabarla y después mostrársela. Si a él le entusiasma, la seguimos desarrollando juntos. Él hace exactamente lo mismo conmigo. Nos vamos mostrando canciones, completando partes que el otro todavía no terminó y así se va armando todo de una manera muy natural.

¿Cómo es la relación de ustedes con el público? Aprovechando el crecimiento que tuvieron en redes sociales y también en los shows en vivo, ¿son de interactuar mucho con la gente?

Sí, muchísimo. Para mí un show no existe sin el público. Somos distintas personas ocupando distintos roles, pero todos formando parte de una misma experiencia.

La interacción es espectacular. Cuando toda la gente canta una canción, cuando se genera esa comunión entre el escenario y el público, pasa algo muy fuerte. Es una energía muy especial y a mí me encanta darle lugar a eso. Siempre tratamos de que los recitales sean un espacio donde la gente también participe y se sienta parte.

Hablemos del último lanzamiento, «Morirme con Vos», la colaboración con Cruzando el Charco. ¿Cómo nació esa canción y cómo surgió la idea de grabarla juntos?

Esa canción la habíamos hecho hace varios años. Siempre estuvo guardada, como muchas otras. Nosotros componemos muchísimo. Debemos tener más de cien canciones hechas y después vamos eligiendo cuáles grabar y cuáles quedan esperando.

Con «Morirme con Vos» siempre nos pasó algo muy particular: sentíamos que tenía mucho del espíritu de Cruzando el Charco. Nos imaginábamos que esa canción podía ser de ellos.

Nosotros ya teníamos muy buena relación con los chicos. Había amistad, nos habíamos cruzado muchas veces, compartido escenarios y siempre hubo muy buena onda.

A principios de este año dijimos: «Nunca hicimos colaboraciones. ¿Por qué no les proponemos a algunos amigos y colegas con los que tenemos buena relación?». Pensábamos que algunos nos iban a decir que sí y otros que no, porque todos están con muchísimo trabajo. Pero la verdad es que todos aceptaron.

Les mandamos la canción, les encantó, nos juntamos a terminar la letra entre todos, la grabamos y todo fluyó de una manera muy natural. Como ya había amistad, fue un proceso muy divertido.

¿Cómo se viene el futuro de Koino Yokan? ¿Qué proyectos tienen por delante?

Lo más importante para nosotros ahora es el disco que estamos terminando.

Es un disco al que le estamos dedicando muchísimo tiempo. Por primera vez decidimos no hacer todo al mismo tiempo. Antes grabábamos mientras girábamos, tocábamos, viajábamos… Las giras también son las que nos permiten financiar las grabaciones.

Pero esta vez dijimos: «Queremos hacer un disco con toda la dedicación que merece».

Además, yo fui papá hace poco y eso también cambió completamente mis tiempos. Entonces decidimos concentrarnos en terminar el álbum y después salir a tocar.

La idea ahora es publicar varios sencillos como adelantos y, cuando salga el disco, arrancar una nueva gira.

Al comienzo del año me topé en los estantes de novedades de una librería costera con “Los nuevos” de Pedro Mairal y no lo dudé ni un instante. De este autor me gustó mucho “Salvatierra”, la historia de un pintor contada con mucha ternura y que también recomiendo, con más convicción aún. Por supuesto que “La uruguaya” es uno de sus hits y puede funcionar para días así, porque cuando todo se congela es buena opción escaparse a otros lugares donde la gente lleva poca ropa. “Los nuevos” arranca en verano, en unas vacaciones de “nuevos ricos con Osde” –un tema poco abarcado en nuestra literatura pese a ser un sector aspiracional tan seductor, salvaje y protagonista de las renovadas crisis económicas- y enseguida logra que viajes a esas playas. Se le agradece al autor ese detalle porque el oasis del Mundial no alcanza.

Los nuevos hace su epicentro en una playa hippiada de Buenos Aires, con dos protagonistas principales y otro que se lo menciona en ocasiones pero recién se sumará en la segunda parte de la novela y con su propia voz, trasladando luego al lector hacia las peripecias de un argento en una Universidad Yanqui (ahí si con el frío de estos días). Está muy bien lo que propone Mairal durante prácticamente toda la novela, quizás cierto juego de quién la termina contando entre los protagonistas me la bajó un poco en el tramo final, pero nunca deja de entretener, en el mejor sentido.  

Hace poco escuchando una anécdota de Caro Dueck en el programa Vuelta y media de Urbana Play me quedó rebotando el libro que mencionó. En esa columna ella contaba una discusión que tuvo en el Subte con una señora. Caro venía leyendo un libro y entró al vagón repleto porque era hora pico y no le importó quedar en el medio de la marea de gente absorta en su lectura mientras rozaba a alguna que otra persona. Su anécdota en ese gran programa incluso terminó tipo sketch con la recreación de lo sucedido y con Sebastián Wainrach, Oblak y Julieta Pink justificando a la señora, como calculo todos los oyentes.

Ojalá al menos tanto frío regale algunas nevadas tranqui para el recuerdo, pero mientras tanto es bueno pispear otras latitudes y temperaturas, al calor de autores/as que nos movilicen a salir un rato del sillón.  

Nadie se puso del lado de Caro y ahora supongo que tampoco estoy de acuerdo, pero siendo más joven me ha pasado algo parecido en colectivos porque descubrir ciertos libros apasionantes te impulsa a lecturas en lugares incómodos. Ella contó que estaba leyendo los cuentos de un escritor chileno llamado Andrés Montero. Dijo rápido que estaba leyendo “La muerte viene estilando” y que de algún modo los cuentos se conectaban. Eso me llamó la atención y me quedó resonando varios días. Como al tiempo no me acordaba el nombre el libro y hasta había olvidado el apellido del autor, sabía que era una Andrés y chileno, busqué el recorte en Spotify y luego encontré el ejemplar a buen precio en la web, para que el envío sea gratis y que no me de culpa comprar un segundo libro.

En fin, La muerte viene estilando arranca con un cross a la mandíbula (Roberto Arlt dixit), te atrapa sin dudas -y si Dueck estaba leyendo el principio justifico su intromisión en el subte-, después hay otros cuentos con menos intensidad, se agradece cierto realismo mágico que evoca al gran Gabo pero con esas cosas hay que tener cuidado. Me dio la sensación que Montero arriesgó demasiado al punto de casi caer en su propia trampa de imitación pero termina zafando porque hay otros cuentos que están bien logrados. Y consigue transportarte a esos macondos del sur del país trasandino casi obligándote a saber qué está pasando.

El tercero que les iba a recomendar es uno de Milena Busquets pero esta autora me gusta demasiado y me temo que debo dedicarle otra columna pero a ella sola.

Todavía no leí una de sus novelas y ahí podré tener el panorama completo pero reconozco que es un escritor para seguir de cerca y se entiende su fenómeno de reediciones y de venta en otros países, además de proceder de una editorial sin el marketing de los dos grandes grupos editoriales.

El tercero que les iba a recomendar es uno de Milena Busquets pero esta autora me gusta demasiado y me temo que debo dedicarle otra columna pero a ella sola. Vamos entonces con “La edad frágil” de la italiana Donatella Di Pietrantonio de quién no había leído nada. Esta novela que editó Duomo Nefelitaba logra que no te pases todo el día maratoneando con una seria. A ver, si uno dispone todo el día para el ocio, más el friazo que está haciendo es más que tentador y seguro ir por una serie de plataforma, incluso un thriller, pero a quienes nos cuesta ver más de tres episodios seguidos, sumergirse en esta historia que sucede en Los Apeninos es buena opción.

La autora logra una mirada acorde, es ágil y consigue que viajes con ella a esas montañas para seguir de cerca lo sucedido muchos años atrás en una especie de camping de verano. Al igual que con Mairal parte de la historia sucede en una vacaciones pero acá el evento trágico es más protagonista y se irá develando de a poco. Es un libro que tiene potencial de adaptación para plataforma y quizás también la termines mirando en alguna de las pantallas, aunque claramente es una historia más chiquita, de miniserie y hay realizadores –sobre todo los españoles- que te la estirarían como chicle con romances del entorno innecesarios. Por eso, casi siempre es mejor el libro.

Ojalá al menos tanto frío regale algunas nevadas tranqui para el recuerdo, pero mientras tanto es bueno pispear otras latitudes y temperaturas, al calor de autores/as que nos movilicen a salir un rato del sillón.   

En esta conversación con RANDOM, Bauzá reflexiona sobre el atractivo de la incertidumbre, el humor negro como herramienta para abordar temas complejos, la potencia del teatro para interpelar a la sociedad, el valor de los equipos creativos y el diálogo permanente entre la dirección escénica y la música, disciplina que también forma parte de su identidad artística. Lejos de las definiciones cerradas, el director reivindica el escenario como un espacio de encuentro donde cada espectador completa la experiencia desde su propia sensibilidad. Al fin y al cabo, quizás el teatro siga siendo uno de los pocos lugares donde todavía es posible detenerse a cuestionar aquello que parecía indiscutible.

Actualmente tenés en cartel dos obras muy distintas en tono, pero que parecen compartir cierta inquietud por aquello que se oculta detrás de la normalidad. ¿Encontrás un hilo común entre El alma de la noche y Mental?

Bueno, precisamente el hilo en común entre las dos obras es eso, es donde está el límite de la normalidad. En las dos obras se atacan esos temas desde distintos ángulos, una de manera muy cruda como Mental, directamente metiendo la situación en un neuropsiquiátrico y con gente diagnosticada con patologías psiquiátricas, y luego, por otro lado, en El alma de la noche, un poquito más solapada en la comedia, pero sí, desde un chico que tiene un retraso mental y una cierta discapacidad, aparentemente puede tener más cordura que el resto de los personajes que lo rodean, que están bajo una aparente normalidad.

En El alma de la noche trabajás desde el humor negro y en Mental desde el thriller psicológico. ¿Qué te atrae de esos géneros que se mueven en los bordes entre la risa, el miedo y la incomodidad?

Sí, precisamente un poco eso es lo que me atrae (o nos atrae) a hacer teatro, que es poner un poco de duda sobre las certezas que hay y empezar a generar preguntas, y cuando conocemos las respuestas, que esas preguntas cambien, que sean nuevas, y que estemos constantemente en ese loop de preguntarnos cosas, de que los personajes transiten por esos caminos de preguntas y de incertidumbre. Es lo más atractivo, lo más lindo del teatro.

Ambas obras ponen en crisis las certezas de los personajes: una desde los vínculos domésticos y la otra desde una institución psiquiátrica. ¿Te interesa particularmente explorar esos espacios donde la realidad deja de ser confiable?

No, me atraen todos los géneros. Creo que más que analizarlo desde un género, que ahora que lo decís, sí, probablemente revisitando un poco las obras que dirigí a lo largo de los años, el humor negro es una de las cosas que está ahí como bandera. Probablemente sí sea una de las que más me atraiga o me divierta. Es la forma de contar ciertas situaciones que pueden ser muy profundas y demasiado inentendibles para la comprensión humana, hacer humor de eso.

Entonces el humor negro me atrae un poco por ese lado y sí, lo que tiene que ver con el humor me manejo con un poquitito más de comodidad ahí. Pero más que nada uno busca material que te genere cosas, que te genere preguntas, que no sepas cómo abordarlo. Eso es un desafío desde lo artístico, de cómo pensar algo. Hay algo en una lectura que te atrae más allá del género y luego ahí nos metemos, nos metemos de lleno, sea cual sea el género. El desafío a la hora de elegir una obra va más por otro lado.

Uno quiere contar una historia y que la gente la pase bien. La gente hace su esfuerzo, sale de su casa, viaja, paga una entrada. Eso es muy valorado por nosotros.

«…Queremos darle al espectador una buena experiencia en líneas generales, un espectáculo de calidad por donde se lo mire…»

Como director, ¿cómo construís una atmósfera que mantenga al espectador en estado de alerta sin perder el vínculo emocional con los personajes?

Bueno, creo que van de la mano, es como una especie de combo de dos por uno. Si logramos que el espectador conecte emocionalmente con los personajes, eso va a dejar que se deje guiar por ese camino de la historia que estamos contando. Entonces, al permitirse conectar, hacer ese camino es mucho más llevadero para ambas partes.

Ahí es donde entra tener al espectador, como decís, en estado de alerta, o lo llamaría más como prestarse a jugar este juego que le proponemos, de transitar esta ficción como si fuera lo más real posible. Luego la atmósfera se va creando, no sólo trabajando y pensando en eso previamente, sino que se va construyendo en el camino de acuerdo a cómo van los ensayos y cómo se desarrollan los personajes, la idea que yo puedo tener como director con las propuestas de los actores y cómo esa comunión deviene en una nueva forma de ese personaje.

Y ese personaje, cómo lo vamos metiendo dentro de la escena, trabajando también con los creativos que se encargan de escenografía, vestuario, iluminación, música. Todo eso apoya y hace que el espectador se entregue más fácilmente a este juego que le proponemos.

En Mentalaparece una crítica al sistema y a las estructuras de poder, mientras que El alma de la noche parece observar las pequeñas violencias de la vida cotidiana. ¿Creés que el teatro sigue siendo una herramienta eficaz para interpelar a la sociedad?

Sin duda. El teatro, no sé si es eficaz, pero sí que es una herramienta poderosísima para interpelar a la sociedad y es también una de sus grandes tareas. Además de entretener, hay espectáculos que trascienden ese mero entretenimiento e interpelan a la sociedad.

Es poderosísima porque te pone delante de tus narices un montón de verdades y, bueno, desde ahí interpela. No sé si es eficaz porque no sé si logra siempre su cometido, pero ahí está. Depende de las sociedades y de las personas que los vean. Nosotros desde el teatro sí tratamos de hacer eso, de poder interpelar y que la sociedad se haga preguntas al respecto.

«…poner un poco de duda sobre las certezas que hay y empezar a generar preguntas, y cuando conocemos las respuestas, que esas preguntas cambien, que sean nuevas, y que estemos constantemente en ese loop de preguntarnos cosas…»

Repetís colaboradores en ambas producciones, especialmente en áreas como arte, vestuario e iluminación. ¿Qué valor tiene para vos consolidar equipos creativos que te acompañen en distintos proyectos?

Sí, es muy importante para mí formar un buen equipo de trabajo en general, en todas las disciplinas, pero especialmente en esta parte creativa que compone los distintos elementos de la puesta en escena. Hace mucho más fácil el trabajo de uno.

Seleccionar y elegir las personas idóneas me parece que es la tarea más difícil, pero con estos compañeros de ruta de hace muchos años, con quienes hemos trabajado en muchísimas obras, este año coincidimos en tres producciones: El alma de la noche, Mental y también Tú y yo somos tres.

Trabajamos con todo el diseño de arte, escenografía y vestuario de Sabrina López Hovhannessian y el diseño de iluminación de Claudio del Bianco, que además de ser personas fantásticas con las que se puede trabajar muy cómodo, son creativos increíbles que, como te decía antes, nos hacen la tarea mucho más fácil y nos permiten contar la historia de una manera más poética, más linda. Me parece muy importante esta formación de un buen equipo de trabajo.

Además de dirigir, en Mental componés la música original. ¿Cómo dialogan en tu proceso creativo la dirección escénica y la construcción sonora de una obra?

Lamentablemente los músicos tenemos un poquito una cabeza que todo va relacionado al sonido y a las cuestiones musicales, entonces estamos siempre pensando. En este caso dialogan muy bien y muy genuinamente porque es un ejercicio que tengo hecho: pensar la obra también con el apoyo de la música.

Después es otra tarea, otra complejidad, ponerse a trabajar en las composiciones, pero a medida que uno va trabajando las escenas se imagina los distintos aportes musicales, qué música corresponde o qué leitmotiv puede corresponder a cada personaje, con qué colores. Son cuestiones más musicales.

Entonces se dialoga muy fácil. Está constantemente fluyendo un diálogo entre el músico y el director porque mi cabeza va naturalmente hacia ahí. Después la composición es otro tema bastante más complejo y ahí empiezan las trabas, porque hay que ver si uno puede lograr expresar con música eso que tiene en la cabeza y que sea suficiente para lo que está pensando. Pero ese ya es otro tema.

«…Si logramos que el espectador conecte emocionalmente con los personajes, eso va a dejar que se deje guiar por ese camino de la historia que estamos contando. Entonces, al permitirse conectar, hacer ese camino es mucho más llevadero para ambas partes…»

Después de enfrentarse a estas dos experiencias tan diferentes, ¿qué te gustaría que el público se lleve al salir de la sala: preguntas, emociones, incomodidad, reflexión o algo más?

No, no lo tengo tan claro, honestamente. No pienso por ahí en esos términos. Uno quiere contar una historia y que la gente la pase bien. La gente hace su esfuerzo, sale de su casa, viaja, paga una entrada. Eso es muy valorado por nosotros.

Queremos darle una buena experiencia en líneas generales, un espectáculo de calidad por donde se lo mire, desde el momento de ingresar a la sala hasta el momento en que se va. Que sea una buena experiencia.

Después nosotros contamos la historia y cada persona es muy distinta. Si a algunos les genera cuestiones emocionales, a otros incomodidades, o empiezan a hacerse preguntas, todo lo que les suceda es válido. Incluso es válido que alguien diga que no le gustó o que no era para él. No es lo que uno quiere, porque justamente uno quiere agradecer ese esfuerzo que hizo el espectador para venir, pero puede pasar.

Lo que sí trato de no resignar es que sea un espectáculo, para lo que yo entiendo, de calidad. Ese sería el objetivo principal: ofrecer una experiencia de calidad y contar la historia que queremos contar.

Pese a que Mental y El alma de la noche transitan caminos estéticos diferentes, la charla deja entrever una misma búsqueda artística. Para Sebastián Bauzá, el teatro no parece ser un espacio destinado a impartir lecciones ni a ofrecer conclusiones definitivas. Su interés está puesto en abrir puertas, generar interrogantes y construir experiencias capaces de involucrar al espectador desde la emoción, la reflexión o incluso la incomodidad.

En tiempos donde abundan las respuestas inmediatas, sus obras apuestan por algo menos frecuente: la duda. Ya sea desde la oscuridad del humor negro o desde la tensión de un thriller psicológico, Bauzá invita al público a mirar de nuevo aquello que creía conocer. El resto del recorrido, como ocurre siempre en el mejor teatro, queda en manos de quien se sienta frente al escenario.

El alma de la noche se presenta los sábados a las 20:30 horas en el Teatro Ñaca (Julián Álvarez 924, CABA), mientras que Mental puede verse los viernes a las 20:30 horas en el Teatro Área 623 (Pasco 623, CABA). Las entradas para ambas propuestas están disponibles a través de Alternativa Teatral.

El film, protagonizado por Teresita Sánchez, Hugo Ramírez, Enrique Arreola y el debut de Bastian Escobar, retoma una de las obsesiones más persistentes del cine de Eimbcke: los vínculos humanos en estado de fragilidad. Pero esta vez lo hace desde un punto de partida que carga una intensidad particular: la soledad no como paisaje emocional, sino como estructura de vida.

Olga, la protagonista, vive en un enorme conjunto residencial donde el tiempo parece repetirse sin sobresaltos. Su rutina está hecha de hábitos que funcionan como defensa, una forma de sostener un orden íntimo que evita cualquier tipo de fisura. Pero ese equilibrio se quiebra cuando, por necesidad económica, decide alquilar una habitación de su departamento. Lo que parece una decisión práctica abre una grieta mayor: su nuevo inquilino ingresa al espacio con un secreto, la presencia oculta de su hijo de nueve años.

A partir de ahí, Moscas se mueve en un terreno donde lo cotidiano deja de ser neutro. La convivencia forzada transforma el hogar en un espacio inestable, donde la cercanía deja de ser abstracta y se vuelve una experiencia inevitable. Olga no enfrenta un conflicto espectacular, sino algo más silencioso y persistente: la irrupción del otro como forma de desorden emocional.

Pero detrás de esa premisa hay una historia mucho más antigua. En diálogo con la prensa, Eimbcke contó que el origen del proyecto se remonta a hace más de dos décadas, cuando escribió un guion para una serie de televisión a pedido de Alejandro González Iñárritu. El proyecto llegó a una etapa de preproducción, pero nunca se concretó por falta de acuerdos con la televisora, y el material quedó archivado durante años. “Alejandro le gustó el guion, entramos en una preproducción, pero después ya no hubo acuerdos con la televisora y se quedó guardado”, recordó el director. Mucho tiempo después, ya en otro momento de su vida y su carrera, Eimbcke volvió a ese archivo casi por casualidad. “Lo leí y la premisa seguía siendo lo suficientemente fuerte. Le hablé a Alejandro y le dije si la podía usar. Me respondió: ‘Es tuya’”.

Eimbcke vuelve a insistir en otra lógica: la del tiempo lento, la observación paciente y la emoción que no se anuncia. Moscas no propone respuestas cerradas

Ese gesto de reencuentro con el material no solo reactivó el proyecto, sino que también, según el propio director, permitió que la historia encontrara su madurez. Eimbcke reconoce que el paso del tiempo fue determinante para poder abordar ciertos temas que atraviesan la película, especialmente el de la pérdida y la transformación emocional que implica el vínculo con otros.

En ese sentido, Moscas no solo habla de la soledad, sino también de cómo esa soledad se redefine cuando aparece la posibilidad del afecto, incluso cuando esa posibilidad incomoda o desestabiliza. Uno de los elementos centrales del film es su tratamiento visual: el blanco y negro. Lejos de ser una decisión meramente estética, Eimbcke lo concibe como una herramienta emocional. “El blanco y negro capta algo muy esencial en la infancia. Hay algo en la mirada y en la sonrisa de los niños que se vuelve muy especial”, explicó. Esa elección, además, refuerza la sensación de aislamiento del personaje principal, construyendo una especie de coraza visual alrededor de su mundo.

“Fortalecía esa idea de una coraza alrededor del personaje”, señaló el director, aludiendo a cómo la fotografía contribuye a delinear el universo emocional de Olga, donde lo externo parece filtrado, distanciado, casi suspendido. Pero quizás uno de los elementos más reveladores de la película sea el lugar del humor dentro de su estructura. Lejos de entenderlo como un alivio externo, Eimbcke lo incorpora como parte del mecanismo interno del relato. “Vanesa Garnica y yo teníamos un parámetro para saber si una escena funcionaba o no: el humor. Es una muestra de respeto hacia los personajes. Incluso en las situaciones más difíciles, el humor ayuda a atravesarlas”, comentó.

En esa tensión entre lo doloroso y lo leve, Moscas encuentra uno de sus tonos más particulares. No se trata de una película que subraya el drama, sino de una que confía en los matices, en las pequeñas fisuras donde lo humano aparece sin aviso.

El recorrido internacional del film refuerza esa lectura. Tras su paso por la Competencia Oficial de la Berlinale en su 76° edición, su presentación en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara como función inaugural y su presencia en el programa Écrans Juniors del Festival de Cannes, Moscas llega a la cartelera con el respaldo de un circuito que reconoce en ella una sensibilidad particular dentro del cine contemporáneo.

En tiempos donde muchas historias parecen buscar el impacto inmediato, Eimbcke vuelve a insistir en otra lógica: la del tiempo lento, la observación paciente y la emoción que no se anuncia. Moscas no propone respuestas cerradas, sino una pregunta sostenida: qué ocurre cuando lo que más tememos —el vínculo, la cercanía, el otro— finalmente sucede. Y en esa pregunta, que nunca se resuelve del todo, la película encuentra su forma más perdurable.

Uno de los regresos destacados será el de The Hunting Party, que estrenará su segunda temporada el próximo 23 de julio. La serie creada por J.J. Bailey profundiza una premisa que combina thriller criminal y conspiración gubernamental: un grupo de investigadores persigue a algunos de los asesinos más peligrosos de Estados Unidos luego de una fuga masiva desde una prisión secreta.

La figura central vuelve a ser Rebecca «Bex» Henderson, interpretada por Melissa Roxburgh, quien deberá enfrentarse a nuevas revelaciones mientras la trama amplía el misterio alrededor de «El Pozo», la inquietante cárcel clandestina que funciona como núcleo de la historia. El atractivo de la serie no reside únicamente en la captura de criminales, sino en la forma en que utiliza cada caso para expandir una red de secretos que amenaza con alterar todo lo que los protagonistas creen saber.

En otro registro completamente diferente, el 27 de julio regresará St. Denis Medical, la sitcom ambientada en un hospital público de Oregón que encontró una identidad propia dentro del formato mockumentary. Creada por Eric Ledgin y Justin Spitzer, la serie se suma a una tradición de comedias que observan el funcionamiento de instituciones desde una mirada tan absurda como humana.

También estarán disponibles títulos fundamentales como Batman Inicia, Batman: El Caballero de la Noche, The Prestige, El Origen, Interestelar y Tenet

Lejos de las representaciones heroicas tradicionales del personal médico, St. Denis Medical encuentra humor en las limitaciones presupuestarias, en los errores cotidianos y en los vínculos entre trabajadores que intentan sostener el sistema sanitario mientras todo parece desmoronarse a su alrededor. La renovación anticipada para una tercera temporada confirma la buena recepción de una producción que logró conectar con el público gracias a personajes reconocibles y situaciones tan incómodas como divertidas. El cierre de mes estará marcado por el desenlace de la primera temporada de CIA, cuyo episodio final llegará el 29 de julio. El spin-off del universo FBI propone un choque permanente entre dos formas opuestas de entender el trabajo de inteligencia.

Por un lado aparece Colin Glass, interpretado por Tom Ellis, un agente dispuesto a quebrar cualquier regla si eso lo acerca al objetivo. Del otro está Bill Goodman, encarnado por Nick Gehlfuss, representante de una mirada mucho más rígida y protocolar. Esa tensión entre pragmatismo y legalidad atraviesa toda la temporada y desemboca en un episodio final donde la identidad de un infiltrado amenaza con cambiar el destino de la operación. El proyecto lleva además el sello de Dick Wolf, uno de los productores más influyentes de la televisión estadounidense, responsable de construir algunas de las franquicias policiales más exitosas de las últimas décadas.

La presencia de Oppenheimer tiene además un peso particular. La película, convertida en fenómeno global durante 2023, obtuvo siete premios Oscar, incluidos Mejor Película y Mejor Director, consolidando definitivamente a Nolan como una de las voces más importantes del cine moderno.

Quizás la incorporación más seductora para los amantes del cine llegue el 7 de julio con la Colección Christopher Nolan, una selección de ocho películas que permite recorrer la evolución artística de uno de los realizadores más influyentes del siglo XXI. La propuesta funciona casi como una retrospectiva condensada de su filmografía. Desde el rompecabezas narrativo de Memento hasta la monumentalidad histórica de Oppenheimer, la colección ofrece un recorrido por las obsesiones que definieron su carrera: el tiempo, la memoria, la percepción de la realidad y la compleja relación entre conocimiento y poder.

También estarán disponibles títulos fundamentales como Batman Inicia, Batman: El Caballero de la Noche, The Prestige, El Origen, Interestelar y Tenet, obras que muestran cómo Nolan logró algo poco frecuente en el cine contemporáneo: combinar ambición autoral, experimentación narrativa y éxito masivo de audiencia.

Con estrenos que abarcan desde la investigación criminal hasta la sátira hospitalaria y una selección cinematográfica de primer nivel, Universal+ construye una programación de julio que apuesta tanto por las novedades como por la revisita de obras esenciales. Un mes donde conviven asesinos seriales, médicos desbordados, agentes secretos y algunas de las películas más influyentes de las últimas décadas.

Ese fenómeno volverá a hacerse visible el próximo 5 de diciembre, cuando «Serú Girán por Lebón y Aznar» llegue por primera vez al Hipódromo de La Plata como parte de la programación de Noches Capitales 2026. La cita representa mucho más que una nueva fecha en una gira exitosa: es la confirmación de que el repertorio de una de las bandas fundamentales de la música argentina continúa dialogando con el presente.

La respuesta del público durante los últimos meses parece respaldar esa idea. Las presentaciones realizadas en el Movistar Arena durante junio agotaron localidades en tiempo récord y dieron origen a una serie de funciones que siguió creciendo ante la demanda. Lo que inicialmente podía interpretarse como un reencuentro especial terminó convirtiéndose en uno de los acontecimientos musicales más relevantes del año, impulsado por miles de personas que encontraron en estas canciones una parte de su propia historia.

Sin embargo, reducir el fenómeno a la nostalgia sería una simplificación. La vigencia de Serú Girán tiene raíces más profundas. Desde su aparición, el grupo redefinió los límites del rock argentino combinando sofisticación musical, riesgo artístico y una capacidad poco común para retratar la realidad a través de sus letras. Discos como La grasa de las capitales, Bicicleta, Peperina o Serú Girán no solo marcaron una época: ampliaron las posibilidades creativas de toda una generación de músicos y dejaron canciones que continúan encontrando nuevos significados décadas después de haber sido escritas.

Cuando Serú Girán apareció en 1978, el rock nacional atravesaba uno de los períodos más complejos de su historia. En plena dictadura militar, el grupo construyó un lenguaje artístico que escapaba a cualquier clasificación sencilla. Había rock progresivo, jazz, influencias brasileñas, arreglos sofisticados y una búsqueda estética poco frecuente para la escena local. Pero también existía una mirada aguda sobre la realidad argentina, muchas veces expresada a través de metáforas que lograban sortear la censura de la época.

En cada nueva escala se repite una escena que resume el espíritu de este fenómeno: personas que vivieron el nacimiento de la banda comparten espacio con jóvenes que descubrieron su música décadas después

Canciones como Canción de Alicia en el país se transformaron en símbolos de una generación que aprendió a leer entre líneas, mientras que piezas como Seminare, Eiti Leda o Desarma y sangra demostraron que la sensibilidad poética podía convivir con la ambición musical. A diferencia de otros grupos fundamentales de aquellos años, Serú Girán logró construir una obra que combinó excelencia artística con una llegada masiva, una característica que todavía hoy la distingue dentro de la historia del rock argentino.

Quizás por eso sus canciones continúan despertando la misma emoción en públicos tan diferentes. Son obras que fueron pasando de mano en mano, de padres a hijos, de hermanos mayores a menores, atravesando generaciones sin perder significado. Lo notable es que no sobreviven únicamente gracias al recuerdo: mantienen intacta su capacidad de conmover.

Mucho más que un reencuentro

Hay un detalle que explica por qué este proyecto consiguió evitar la trampa de la nostalgia. Ni David Lebón ni Pedro Aznar plantean estos conciertos como una reconstrucción exacta del pasado. Sería imposible. El valor de estas presentaciones radica, justamente, en comprobar que las canciones siguen respirando por sí mismas.

En distintas entrevistas, Aznar ha destacado la emoción que le genera ver a jóvenes que nacieron décadas después de la separación de la banda cantar de memoria cada estrofa. Para el músico, allí reside una de las mayores pruebas de la trascendencia artística: cuando una obra deja de pertenecer exclusivamente a quienes la crearon y pasa a formar parte de la vida de otras personas.

Lebón, por su parte, suele referirse a estos conciertos desde un lugar profundamente afectivo. Más que una celebración de la propia trayectoria, los vive como un encuentro con el público y con una música que continúa despertando las mismas sensaciones que cuando fue creada. Esa conexión emocional es la que termina convirtiendo cada función en algo más cercano a una celebración colectiva que a un simple recital.

En plena dictadura militar, el grupo construyó un lenguaje artístico que escapaba a cualquier clasificación sencilla. Había rock progresivo, jazz, influencias brasileñas, arreglos sofisticados y una búsqueda estética poco frecuente para la escena local.

El proyecto se completa con una formación integrada por Federico Arreysegor en teclados y voces, Fernando Cosenza en guitarras, Matías Sabagh en batería y Fermín Ferraris en teclados. Juntos recrean uno de los repertorios más complejos y refinados del rock nacional con el respeto que exige una obra de semejante importancia, pero también con la personalidad necesaria para mantenerla viva.

Una gira que confirma la vigencia

La presentacón en La Plata forma parte de un recorrido que seguirá expandiéndose por distintas ciudades argentinas y escenarios de Sudamérica. El éxito de convocatoria transformó a «Serú Girán por Lebón y Aznar» en una de las giras más significativas de 2026, demostrando que la influencia de aquellas canciones sigue creciendo mucho más allá de Buenos Aires.

En cada nueva escala se repite una escena que resume el espíritu de este fenómeno: personas que vivieron el nacimiento de la banda comparten espacio con jóvenes que descubrieron su música décadas después. No se trata solamente de un legado que se conserva; se trata de una obra que continúa generando nuevas experiencias y nuevas formas de identificación.

La fecha del 5 de diciembre en el Hipódromo de La Plata, dentro de Noches Capitales 2026, será una nueva oportunidad para comprobarlo. Porque mientras muchas reuniones históricas encuentran su fuerza en el recuerdo, la obra de Serú Girán sigue sosteniéndose en la vigencia. Sus canciones no regresan porque alguna vez fueron importantes; regresan porque todavía tienen algo para decir.

En una época marcada por la velocidad, las tendencias pasajeras y el consumo inmediato, el éxito de este reencuentro deja una certeza poco frecuente: algunas obras consiguen atravesar las décadas porque fueron creadas para perdurar. Y mientras miles de personas sigan encontrando en ellas una emoción, una memoria o una pregunta vigente, Serú Girán continuará siendo mucho más que una banda histórica. Seguirá siendo una parte viva de la cultura argentina.

El próximo 9 de julio, mientras Argentina celebra un nuevo aniversario de la Independencia, más de 7.000 corredores volverán a encontrarse frente a la Basílica Nacional para participar de una nueva edición de la Carrera de la Virgen, una competencia que dejó de ser únicamente un evento deportivo para transformarse en una experiencia donde conviven el desafío físico, el turismo, el patrimonio y la solidaridad. Con las inscripciones agotadas varias semanas antes de la largada, la edición 2026 confirma el crecimiento de una prueba que ya ocupa un lugar destacado dentro del calendario nacional del running.

La propuesta tiene un atractivo difícil de replicar. Mientras otras carreras atraviesan avenidas o parques urbanos, el circuito de Luján invita a correr entre algunos de los escenarios más representativos de la historia argentina. La Basílica Nacional, la Plaza Belgrano y el casco histórico dejan de ser simplemente postales turísticas para convertirse en parte del recorrido, ofreciendo una perspectiva diferente tanto para quienes buscan mejorar su marca personal como para quienes simplemente desean vivir una jornada distinta.

No es casual que cada edición reúna a atletas de distintas provincias e incluso de países vecinos. La carrera ha sabido construir una identidad propia, apoyada en una organización que año tras año fue incorporando mejoras logísticas, servicios para los corredores y un circuito urbano cada vez más atractivo. Ese crecimiento sostenido explica que hoy sea considerada una de las pruebas de mayor convocatoria del país.

Otro de los rasgos que explican la identidad de la competencia es su dimensión solidaria. Parte de lo recaudado será destinada a proyectos comunitarios

El intendente de Luján, Leonardo Boto, destacó precisamente ese doble valor que tiene el evento para la ciudad. «Quienes participen van a poder disfrutar no solo de una competencia de primer nivel, sino también de una ciudad que viene transformándose, con la obra del río, los nuevos puentes y un circuito que atraviesa el corazón de Luján. Es una oportunidad para recorrer y apreciar desde distintos puntos la Basílica, Plaza Belgrano y todo nuestro centro histórico.»

Organizada por Pablo Colombo y Estanislao Claisse junto al Municipio de Luján, la competencia ofrecerá cuatro modalidades para que personas de distintas edades y niveles puedan sumarse: la media maratón de 21 kilómetros, la prueba competitiva de 10K, una distancia participativa de 5K y una caminata recreativa de 1 kilómetro, pensada para quienes desean formar parte de la experiencia sin objetivos deportivos.

No es casual que cada edición reúna a atletas de distintas provincias e incluso de países vecinos. La carrera ha sabido construir una identidad propia

Las actividades comenzarán a las 9.30, mientras que la largada oficial será a las 11 horas sobre la Avenida Nuestra Señora de Luján. Desde allí, miles de participantes recorrerán un circuito especialmente diseñado para atravesar algunos de los puntos más representativos de la ciudad. Pero el impacto de la Carrera de la Virgen no termina en la línea de llegada. Con el paso de las ediciones, el evento se consolidó también como un motor del turismo deportivo. La llegada de corredores acompañados por familiares y amigos genera cada año un importante movimiento para hoteles, restaurantes, cafeterías y comercios locales, además de incentivar que muchos visitantes extiendan su estadía para conocer otros atractivos de la ciudad, como el Complejo Museográfico Enrique Udaondo o las renovadas áreas ribereñas.

Otro de los rasgos que explican la identidad de la competencia es su dimensión solidaria. Parte de lo recaudado será destinada a proyectos comunitarios, manteniendo un compromiso social que acompaña al evento desde sus primeras ediciones y que convierte cada inscripción en una oportunidad concreta de colaborar con distintas instituciones.

En tiempos donde el running continúa creciendo como fenómeno cultural y social, la Carrera de la Virgen demuestra que una competencia puede ser mucho más que un cronómetro. Puede convertirse en una manera de conocer una ciudad desde adentro, de recorrer su historia paso a paso y de descubrir que, a veces, el verdadero recorrido empieza mucho antes de cruzar la meta.

Son las siete de la tarde. Estás respondiendo un mensaje mientras revisás una noticia, suena una notificación del celular, entra un correo del trabajo y, casi sin darte cuenta, abrís una red social «solo por un minuto». Cuando levantás la vista pasaron veinte minutos y ya no recordás qué estabas haciendo al principio. Te frustrás. Pensás que estás más distraído que antes. Pero ¿y si el problema no fuera la distracción, sino la sobreestimulación?

Vivimos en una época en la que el cerebro recibe más información de la que fue diseñado para procesar de manera simultánea. Cada notificación, cada video corto, cada cambio de pantalla y cada interrupción compiten por un recurso limitado: nuestra atención. La neurociencia describe este fenómeno como una carga creciente sobre la memoria de trabajo, el sistema que utilizamos para mantener y manipular información mientras resolvemos tareas. Cuando esa capacidad se supera, el rendimiento disminuye y aumenta la sensación de agotamiento mental.

Lo curioso es que muchas veces interpretamos esa fatiga como una falla personal. «No puedo concentrarme», «ya no tengo paciencia para leer» o «mi cabeza no para». Sin embargo, numerosos investigadores sostienen que el problema no siempre está en la persona, sino en el entorno. Nuestro cerebro evolucionó para responder a estímulos importantes y relativamente escasos; hoy convive con una sucesión casi infinita de señales que reclaman atención al mismo tiempo.

La psicología ambiental aporta una mirada complementaria. Desde hace décadas estudia cómo ciertos entornos favorecen la recuperación de la atención mientras que otros la agotan. La llamada Teoría de la Restauración de la Atención, desarrollada por Stephen y Rachel Kaplan, propone que la atención dirigida funciona como un recurso limitado que puede fatigarse cuando debe sostenerse durante mucho tiempo. En cambio, los ambientes naturales permiten que el cerebro descanse porque captan nuestra atención de una manera suave, sin exigir un esfuerzo constante. Estudios posteriores comprobaron que caminar por un entorno natural o incluso contemplar imágenes de la naturaleza puede mejorar el desempeño en tareas de atención y memoria.

Tal vez por eso muchas personas sienten alivio cuando salen a caminar por una plaza, contemplan un paisaje o simplemente se sientan unos minutos junto a una ventana. No es solamente una sensación subjetiva. El cerebro cambia la forma en que distribuye sus recursos cuando deja de responder a un bombardeo permanente de estímulos y encuentra un ambiente que le permite recuperar el equilibrio.

Desde la perspectiva de la Consciencia Aplicada, esta idea abre una reflexión interesante. Solemos buscar soluciones para ser más productivos: aplicaciones para organizar tareas, cursos de concentración o técnicas para aprovechar mejor el tiempo. Pero rara vez nos preguntamos cuántos estímulos innecesarios estamos aceptando cada día. A veces el problema no es que nos falte atención; es que le estamos pidiendo demasiado.

Esto no significa renunciar a la tecnología ni vivir desconectados. Significa empezar a observar cómo interactuamos con ella. ¿Necesitamos responder cada notificación en el instante en que aparece? ¿Hace falta revisar el teléfono mientras conversamos, comemos o descansamos? ¿Cuántas veces cambiamos de tarea sin que realmente sea necesario?

Quizá la verdadera productividad no consista en hacer más cosas al mismo tiempo, sino en recuperar la capacidad de estar plenamente en una sola. Porque cuando disminuye el ruido externo, muchas veces también empieza a ordenarse el interno.

Y tal vez esa sensación de estar constantemente distraídos no sea una señal de debilidad. Tal vez sea el modo en que nuestro cerebro intenta decirnos que necesita menos estímulos y más espacio para pensar.