La cuenta regresiva ya comenzó para una nueva edición de Símbolos y Vinos, uno de los encuentros más destacados para los amantes del vino, la gastronomía y las experiencias culturales de calidad. El próximo 6 de junio, el emblemático Palacio Balcarce abrirá sus puertas para recibir una velada que promete reunir lo mejor de la escena enológica y artística de la Ciudad de Buenos Aires.

Desde las 19 hasta las 23 horas, los asistentes podrán disfrutar de una propuesta que trasciende la tradicional degustación. La experiencia combina vinos premium, propuestas de alta gastronomía, música y expresiones artísticas en un entorno especialmente diseñado para celebrar el placer de compartir. Cada detalle ha sido pensado para generar una atmósfera elegante, relajada y profundamente sensorial.

Entre las principales novedades de esta edición se destaca la participación de Folko, reconocido artista y escultor especializado en arte en metal. Sus obras formarán parte del recorrido durante toda la noche, aportando una dimensión visual que dialoga con los aromas, sabores y emociones que caracterizan al evento. La presencia de sus creaciones refuerza la identidad de una propuesta donde el arte y el vino encuentran un punto de encuentro natural.

En el plano enológico, las bodegas Finca Los Funes y Los Pinicos serán parte de la experiencia con una selección de etiquetas que invitarán a descubrir distintos perfiles, estilos y expresiones del terroir argentino. La propuesta se complementará con una cuidada oferta de gastronomía gourmet, diseñada para potenciar cada copa y enriquecer la experiencia de los visitantes.

El escenario elegido también ocupa un lugar central. El histórico Palacio Balcarce, ubicado en el corazón de la ciudad, aporta su riqueza arquitectónica, elegancia y valor patrimonial para transformar la noche en una experiencia única. Sus espacios y detalles convierten cada rincón en parte fundamental del recorrido.

Con cupos limitados y una creciente expectativa entre los aficionados al vino y la cultura, todo indica que esta nueva edición de Símbolos y Vinos volverá a consolidarse como una de las citas imperdibles de la agenda porteña.

Datos del evento
📅 6 de junio
🕖 19:00 a 23:00 hs
📍 Palacio Balcarce – Av. Pres. Manuel Quintana 161, CABA
🎫 Entradas disponibles en granlogiaargentina.tiendup.com

Inicié mi formación con una orientación estrictamente académica, sumergiéndome en el complejo mundo de la guitarra clásica. Aunque respetaba la disciplina de las partituras, sentía que no alcanzaba aquello que mi espíritu necesitaba. Fue entonces cuando el jazz apareció en mi camino. En ese género encontré, finalmente, el puente que une la intuición con los sentidos, las emociones y la razón.

El jazz no es el caos que muchos imaginan; es la libertad absoluta para hacer, pensar y ejecutar dentro de una estructura definida. Son esos parámetros justos los que permiten que, dentro de ellos, ocurra un universo entero de decisiones. He aprendido que improvisar puramente por intuición no es lo mismo que improvisar con conocimiento. El conocimiento es lo que realmente te hace libre y feliz. Cuando solo dependes de la intuición, la falta de conexión entre lo que piensas y lo que finalmente suena genera una frustración profunda.

Para mí, el jazz se ha convertido en un estándar de vida donde el saber es un deber cotidiano. Recuerdo siempre las palabras de un gran maestro: “En el jazz y en la vida, si no sabes dónde estás parado, eres un mediocre”. Comprender nuestra posición y dominar nuestro lenguaje es lo único que nos permite convertir el pensamiento en sonido y la vida en arte.

Del 15 al 26 de abril llega la edición número 27 del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, y los números hablan solos antes de que empiece la primera función.

El récord que nadie esperaba

En un contexto de crisis cultural sostenida, donde los presupuestos para el cine nacional se recortan y los debates sobre el financiamiento público de la cultura se vuelven cada vez más ásperos, BAFICI 27 marcó un nuevo récord de inscripciones: 4.637 películas de 113 países, con 1.014 producciones argentinas, un salto notable frente a las 860 del año anterior.

Eso no es un dato administrativo. Es una señal política. Es el cine independiente del mundo votando con sus películas a favor de un festival que, a pesar de todos los vientos en contra, sigue siendo una ventana genuina hacia lo que el mercado no quiere mostrar.

La memoria como acto de resistencia

Pero si hay un gesto que define el espíritu de esta edición, es la retrospectiva que el festival eligió para su sección Focos. BAFICI 27 dedicará una retrospectiva completa a Pere Portabella —Portabella-100—, en el marco del centenario del cineasta catalán, organizada junto al Ministerio de Cultura de España y la Generalitat de Catalunya.

Veinte años después de aquella primera retrospectiva fuera de España que el propio BAFICI organizó en 2006 y que sorprendió al mundo cinéfilo, el festival regresa a Portabella. No es nostalgia: es coherencia. Es recordarle al público que el cine político, el que interpela, el que no pide permiso, tiene una genealogía y un peso específico que conviene no olvidar.

¿Quién es Pere Portabella? Una vida al borde del sistema

Para quienes no lo conocen, el nombre puede sonar lejano. Para quienes sí, suena como una contraseña. Pere Portabella nació en Figueras en 1927 y es director, guionista y productor; desde sus inicios fue propietario de la productora Films 59, desde la que impulsó algunos de los títulos más importantes del cine moderno español. Su figura excede cualquier definición cómoda.

Como productor, fue artífice de obras tan relevantes como Viridiana de Luis Buñuel —que ganó la Palma de Oro en Cannes en 1961—, Los golfos de Carlos Saura y El cochecito de Marco Ferreri. Eso solo ya sería suficiente para garantizarle un lugar en la historia del cine. Pero Portabella fue más lejos.

Alejada de las premisas del cine argumental, su filmografía como director es una experimentación constante que mezcla poesía, música, teatro y medios audiovisuales, y es también una negación de la anécdota como elemento organizador de la trama. Títulos como Vampir-Cuadecuc (1970), Umbracle (1972) o Die Stille vor Bach (2007) son obras que no se «consumen»: se habitan, se discuten, se recuerdan.

Su trayectoria, además, nunca estuvo separada de la política. En 1977 fue elegido senador en las primeras elecciones democráticas tras la dictadura de Franco y formó parte de la Comisión para la redacción de la Constitución Española. Para Portabella, el cine y la política nunca fueron territorios distintos. Lo dijo él mismo con una claridad que pocos se permiten: «yo vivo mezclado, para mí es imposible separar la política del cine, del teatro, de la música.»

El reconocimiento institucional llegó tarde, como suele ocurrir con los que no se rinden al sistema. El MACBA, el Pompidou, el MoMA y el Museo Reina Sofía cuentan con películas de Portabella en sus colecciones permanentes. En 2024 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, otorgada por el gobierno español. Cien años después de su nacimiento, el mundo del arte parece estar poniéndose al día con alguien que siempre estuvo varios pasos adelante.

Que el BAFICI lo traiga a Buenos Aires en este contexto no es un capricho de programación. Es una declaración de principios sobre qué tipo de cine vale la pena celebrar y por qué.

Lo que el BAFICI le dice a la ciudad

Buenos Aires tiene una relación particular con su festival de cine independiente. No es solo un evento cultural de calendario: es parte de la identidad cinéfila de una ciudad que se piensa a sí misma como capital cultural latinoamericana. El BAFICI es, en ese sentido, también un espejo. Cuando crece, cuando bate récords de participación, cuando trae retrospectivas de cineastas que siguen siendo incómodos y vigentes a los cien años, la ciudad también se afirma.

Que el festival reúna a cineastas, críticos, productores y público en un evento que convoca al cine independiente de la región y del mundo no es poca cosa en el año 2026. Es, en cierta medida, un acto de fe colectivo: la convicción de que todavía vale la pena hacer cine que no se rinde al primer algoritmo de recomendación.

Faltan pocas semanas. Las butacas esperan.

Ese momento de 2025 no solo se viralizó por la vehemencia de sus palabras, sino porque ponía de manifiesto una tensión más profunda entre tecnología y artesanía, entre automatización y humanidad.

Un artesano que nació con los sueños perforados por la guerra

Hayao Miyazaki nació el 5 de enero de 1941 en Tokio, en plena Segunda Guerra Mundial, un contexto que marcó no solo su infancia, sino la raíz de su sensibilidad artística. Su obra posterior estaría atravesada por recuerdos de todo lo que vio y escuchó en un Japón devastado y humillado y por la reconstrucción urgente; de ahí proviene la profundidad emocional y moral de sus narrativas, que rara vez se limitan a la al mero entretenimiento o espectáculo visual.

Tras formarse en economía, Miyazaki ingresó en Toei Animation en 1963, donde empezó a forjarse como animador y narrador visual. Su encuentro con Isao Takahata, otro miembro clave de lo que sería Studio Ghibli, y con el productor Toshio Suzuki, sería determinante. Miyazaki se convirtió en director en películas como Lupin III: The Castle of Cagliostro (1979), donde ya comenzaron a brillar los temas que lo acompañarían toda su carrera: el vuelo, los paisajes memorables y la tensión entre tecnología y naturaleza.

Studio Ghibli: la casa de los mundos posibles

La creación de Nausicaä of the Valley of the Wind en 1984 no solo fue un éxito por méritos propios, sino que dio pie a la fundación formal de Studio Ghibli en 1985, un estudio que se volvió sinónimo de excelencia en animación hecha a mano. Miyazaki y sus colaboradores trasladaron a la pantalla historias tan distintas entre sí como My Neighbor Totoro, Princess Mononoke (mi primera experiencia Miyazaki) y Spirited Away, películas que no se limitan a narrar aventuras, sino que exploran la humanidad en toda su complejidad, con ángeles y demonios, bosques y fábricas, corazones rotos y esperanzas renovadas.

Miyazaki mismo ha hablado en varias ocasiones del equilibrio que intenta capturar en sus historias. En una entrevista de 2009, señaló que los personajes deben tener una dualidad, “la urgencia humana tanto de crear como de destruir”, porque en la vida real ningún individuo es completamente bueno o malo. Esta visión se refleja en protagonistas como Chihiro (Spirited Away) o Ashitaka (Princess Mononoke), figuras que navegan mundos donde los grises prevalecen sobre los claros, donde todos, por más villanos que parezcan, tiene sus razones y convicciones; y los mundos mantienen un peligro constante.

El impacto de Miyazaki y Ghibli no se mide solo en premios —aunque Spirited Away y The Boy and the Heron recibieron premios de la Academia de EEUU—, sino en cómo sus películas han cambiado la percepción global de la animación. Studio Ghibli completó cuatro décadas en 2025 como un referente imbatible, cuya obra sigue siendo estudiada y celebrada en todo el mundo por su capacidad de hablar tanto a niños como a adultos de temas que importan: la guerra, la ecología, la identidad, la memoria y el sentido de pertenecer a un mundo frágil y precioso.

Arte, autenticidad y el pulso humano

La anécdota de su reacción frente a la tecnoligía no es simplemente una crítica técnica, sino una ventana a cómo Miyazaki entiende la creación artística: no como una reproducción estilística sino como una experiencia vivida. Para él, ninguna máquina, por más sofisticada que sea, puede tener empatía, dolor o historia propia. Es esa humanidad la que impregna cada cuadro, cada línea y cada sombra de sus películas. Y es esa humanidad, precisamente, lo que muchos encuentran ahora en peligro cuando un algoritmo reproduce estéticas sin emoción, solo por diversión o tendencia viral.

La discusión que comenzó en 2016 se extendió a plataformas como redes sociales en 2025, cuando miles de personas compartieron imágenes “Ghiblificadas” con IA, y se debatió no solo sobre derechos de autor, sino sobre el papel de la sensibilidad humana en el arte. En ese contexto, las palabras de Miyazaki resuenan como una advertencia cultural: el arte no es un producto de algoritmos, sino un espejo de lo que somos y sentimos, y cada vez que tratamos de sustituir ese espejo por un filtro digital, nos preguntamos qué estamos eligiendo perder. Quizá los científicos que invitaron emocionados al maestro Hayao a esa demostración, deberían haber visto de nuevo sus películas.

Cuando te encontrás frente a una obra de James Turrell, la sensación no es solo visual: es corporal. Sus espacios de luz pura —como los que se experimentan en el Museo James Turrell de Bodega Colomé, en Salta, el único en el mundo dedicado exclusivamente a su obra— generan un impacto inmediato. La combinación de color, silencio y percepción activa respuestas de bienestar, calma y hasta euforia suave, como un baño sensorial que transforma tu estado emocional.

Las instalaciones inmersivas de artistas como Olafur Eliasson profundizan esa experiencia. La luz que cambia, la niebla que envuelve y los reflejos que distorsionan el espacio despiertan tus neuronas espejo, haciéndote sentir parte del ambiente. Esa conexión sensorial puede generar asombro, vulnerabilidad o una extraña sensación de expansión. En Colomé, esta percepción se vuelve aún más intensa por la arquitectura aislada del museo y su entorno natural.

Frente al arte que desafía la percepción —como las obras envolventes de Yayoi Kusama o las cámaras de luz de Turrell— tu mente busca sentido en lo infinito, lo repetitivo o lo intangible. Esta gimnasia perceptiva potencia la creatividad, abre nuevas conexiones internas y te entrena para convivir con la ambigüedad. En el museo de Salta, donde no se permiten fotos y la atención se vuelve completamente presente, esa exploración es aún más profunda.

La visita a un espacio así funciona también como un ritual de calma. Las obras de Turrell —especialmente el Skyspace, ideal al atardecer— invitan a bajar la respiración y entrar en una especie de meditación visual. El museo, accesible y con ingreso solo mediante reserva, se encuentra en los Valles Calchaquíes, a más de 200 km de la ciudad de Salta, y llegar implica un viaje lento por ripio que ya prepara el ánimo para el silencio. Es un encuentro íntimo entre luz, tiempo y percepción.

El arte que transforma el espacio también te transforma a vos. Ya sea en una sala inmersiva o en la plenitud silenciosa de Colomé, estas experiencias te mueven, te calman y te recuerdan que la percepción también es un camino hacia adentro. Permitite ese momento: a veces la luz es la mejor forma de escucharte.

El relato de las escenas provinciales del NOA en este primer tramo del siglo XXI no se construye sólo con el patrimonio de los grandes centros urbanos y las galerias internacionales, en la última década, en el interior del Norte Argentino, hay una camada de artistas que a la fuerza lograron visibilidad real: ganar salones, integrar selecciones regionales, recibir adquisiciones o convertirse en motores curatoriales de sus propias iniciativas. Esa es la línea que sigue este repaso: reunir a quienes, siendo jóvenes o emergentes, dejaron una huella en la última década.

Lo primero que hay que comprender es que la visibilidad de estos artistas proviene, muchas veces, de la institucionalidad local —salones provinciales, centros culturales y ferias— que, en varios casos, adquirieron obras o impulsaron proyectos. Esta es la realidad del interior, alejado de los centros economicos de poder y de los aeropuertos internacionales. Pero justamente por eso, guardan un tesoro digno de descubrirse.

Eliana y Andrea Bustamante de La Rioja, ilustran bien el fenómeno: hermanas y hacedoras que combinan cerámica, obra tridimensional y proyectos expositivos en circuitos provinciales. La obra de Eliana y Andrea, que se aproximan al arte casi que desde la artesanía, ha sido premiada y seleccionada en el Salónes Regionales del NOA, mostrando cómo uno puede volverse referente a fuerza de presencia sostenida, calidad técnica y creatividad.

En la práctica riojana hubo otros nombres que repetidamente aparecen en circuitos y agendas recientes: artistas señalados en la cobertura de la “Noche de Arte” y en circuitos como la Feria Épica —propuestas que recomponen la tradicional geografía cultural de la ciudad—; por ejemplo, proyectos y piezas de artistas jóvenes como Sol Rondán, Ángeles Luna, Natacha Avellaneda o Ayelen Argañaraz, han destacado por sus logros y reconocimientos, especialmente en la pintura, formado parte de una camada muy especial que surgio en las postrimerías de los combulcionados años 2010. En fotografía y el formato mas audiovisual, se han destacado de manera constante las obras de Karim Ayame e Ismael Fuentes Navarro, ambos de larga trayectoria en el pequeño submundillo del arte riojano.

Catamarca plantea un caso complementario: en los últimos años la provincia consolidó instancias formales (salones provinciales y centros) que La Rioja ya poseía para identificar y premiar al talento joven. El 2° Salón Provincial de Artes Visuales de Catamarca —celebrado recientemente en 2025— publicó su nómina de ganadores, donde Eva Ana Finkelstein obtuvo el Primer Premio Adquisición y otras figuras emergentes (Ada Cigno, Leonardo Seura, Mariana Cendoya Bedin, Cecilia Lobo Romero) recibieron premios y menciones que los posicionan como voces a tener en cuenta en la región y que se suman a la ya consagratoria carrera de artistas como Celina Galera o María Candelaria Traverso.

Además, la provincia produce artistas que, aunque trabajan desde circuitos más íntimos o autogestivos, logran reconocimiento interprovincial: Claudia Pucheta (nacida en Catamarca) se consagró al ganar el Primer Premio Adquisición del Salón Regional de Artes con su obra “Fundiéndote en la eternidad, un hecho reseñado por prensa y por portales oficiales; ese tipo de cruces (artista catamarqueña premiada en La Rioja) demuestra la movilidad de los emergentes del interior y cómo los salones regionales legitiman carreras.

Santiago del Estero ofrece otra combinación: una institucionalidad fuerte alrededor del Centro Cultural del Bicentenario (y su Museo de Bellas Artes Ramón Gómez Cornet) convive con iniciativas muy jóvenes y periféricas que han conseguido apoyo nacional. Allí conviven proyectos como Mantera Galería —un formato de galería-venta instalado en la feria popular de La Banda, impulsado por María Rocha—, que ganó visibilidad y apoyo (fue beneficiario del Fondo «En Obra»/arteBA) y funciona como una usina de obra contemporánea que dialoga con prácticas populares y feministas. Mantera y su equipo han sido mencionados por proyectos culturales y por la plataforma del Centro Cultural y fundaciones.

En ese mismo ecosistema santiagueño se destaca la figura de Lelé Trabb, artista que ha desarrollado exhibiciones recientes en el CCB y proyectos escultóricos visibles en la programación del museo local, mostrando la continuidad entre una generación que compone obra tridimensional y la escena pública del CCB. Su presencia en la programación oficial del Centro Cultural (visitas guiadas, exhibiciones recientes) la consolida como una de las voces activas en la provincia.

En una época donde el pulgar se mueve más rápido que el pensamiento, ciertos lugares resisten como islas de quietud. El Malba, en Buenos Aires, se ha convertido para muchos en un refugio urbano donde no solo se contemplan obras latinoamericanas, sino donde el tiempo parece expandirse entre sus salas blancas, sus bancos silenciosos y sus recorridos que invitan a la introspección más que al consumo veloz.

Algo similar ocurre en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRo), cuyo emplazamiento junto al río Paraná transforma cada visita en una experiencia sensorial que combina paisaje, arquitectura y obra. Allí, el arte no se impone: acompaña. Se recorre con pausa, con mirada amplia, como si el cuerpo se reeducara para volver a sentir.

En Córdoba, el Centro de Arte Contemporáneo Chateau Carreras propone otra forma de refugio: galpones intervenidos, espacios abiertos y una relación orgánica entre naturaleza y creación artística. No es solo un lugar para ver exposiciones, sino un territorio para desconectarse del ritmo acelerado y reconectarse con la materia, la forma y el silencio.

Fuera del país, espacios como Atelier des Lumières en París o teamLab Borderless en Tokio redefinen la experiencia inmersiva. Proyecciones envolventes, música sutil y entornos contemplativos hacen que el visitante deje de ser espectador para transformarse en parte de la obra. No se trata de espectáculo, sino de tránsito sensorial.

Incluso lugares más pequeños, como galerías independientes o talleres abiertos —como las galerias BARRO en CABA o Rolf Art— funcionan como refugios silenciosos donde la cercanía con el artista recupera lo humano del proceso creativo. Ver un lienzo en construcción, una cerámica aún húmeda o una escultura en proceso es recordar que el arte es tiempo, no instantaneidad.

Estos espacios no compiten con la hiperconectividad: la desafían. Proponen otro ritmo, otra narrativa, otra forma de estar. En ellos, el celular pierde protagonismo y la mirada vuelve a ser protagonista. La experiencia se vuelve íntima, casi ritual.

Más que museos, son pausas. Más que salas, son umbrales hacia una percepción más lenta, más profunda. En tiempos donde todo exige rapidez, estos refugios artísticos nos recuerdan que mirar con calma sigue siendo un acto revolucionario.

Si caminamos por cualquier ciudad moderna, los contrastes saltan a la vista. Por un lado, apartamentos donde cada objeto tiene un propósito, espacios despejados y paredes desnudas que invitan a la calma. Por otro, casas repletas de gadgets, colecciones de arte y muebles que parecen competir por ocupar cada centímetro. Lo que hoy se percibe como tendencia tiene raíces milenarias.

El minimalismo no es una moda reciente: ya los estoicos y budistas proponían reducir lo superfluo para concentrarse en lo verdaderamente importante. Epicuro aconsejaba moderación, y Séneca recomendaba liberarse del exceso de pertenencias para alcanzar la serenidad interior. La filosofía de “menos es más” era, entonces, una vía hacia el equilibrio mental y la libertad personal.

El exceso, por su parte, también tiene su historia gloriosa. Durante el Renacimiento, las cortes europeas competían en esplendor y riqueza material. Las fiestas, las joyas, los banquetes interminables y la acumulación de obras de arte no eran simples caprichos: eran símbolos de estatus, poder y placer de vivir. Hoy, esta misma lógica se refleja en la cultura del consumo, donde adquirir más se traduce en sensación de éxito o satisfacción inmediata.

Disfrutar sin acumular, tener sin depender y simplificar sin renunciar a los placeres de la vida.

El debate moderno combina estas dos visiones. El minimalismo se ha globalizado gracias a libros, documentales y canales de YouTube que enseñan cómo simplificar la vida y reducir la ansiedad. En paralelo, la cultura del exceso se alimenta de redes sociales, shopping online y experiencias de lujo, donde coleccionar objetos, viajes o momentos se considera parte del bienestar.

Lo interesante es que ambas filosofías comparten un objetivo: buscar la felicidad y la plenitud, aunque sus caminos sean opuestos. Para algunos, la satisfacción nace de la austeridad y el orden; para otros, del exceso controlado y la abundancia de estímulos. La clave, como enseñaban los antiguos, podría estar en el equilibrio: disfrutar sin acumular, tener sin depender y simplificar sin renunciar a los placeres de la vida.

Al final, ya sea con pocos objetos cuidadosamente seleccionados o rodeados de caprichos y lujos, la pregunta sigue siendo la misma: ¿qué necesitamos realmente para sentirnos completos? La respuesta puede cambiar con cada época, pero la tensión entre minimalismo y exceso sigue viva, inspirando estilos de vida y debates que atraviesan siglos.

1. El fotógrafo de los tachos

A Leo le gustaban las cámaras tanto como los cables. Pero lo verdaderamente insólito es lo que elegía retratar: ¡contenedores de basura! Nadie sabe si buscaba texturas, metáforas de desecho o simplemente le divertía. Lo cierto es que dejó una colección de fotos de basureros digna de un museo conceptual.

2. Pasión por el agua

Si no hubiera sido por la electrónica, podría haberse dedicado a los barcos. Diseñó algunos modelos como consultor para compañías de la bahía de California. Fender no solo flotaba en la música: también en la náutica.

3. Una vida de pareja, sin herederos

Se casó dos veces: primero con Esther, con quien compartió toda su juventud y madurez, y luego con Phyllis, tras enviudar. Sin embargo, nunca tuvo hijos. Paradójicamente, dejó miles de “descendientes” musicales que siguen girando por el mundo.

4. El contador que no cuadraba

Su título universitario decía “contabilidad”, no “ingeniería”. Antes de enchufarse al mundo de los circuitos, trabajó con números y balances. Esa cabeza meticulosa después fue clave para darle orden y precisión a inventos que parecían pura intuición.

5. El ojo que no veía

Cuando era un niño perdió el izquierdo a causa de un tumor, y lo reemplazaron con una prótesis de vidrio. Eso lo excluyó del ejército en plena Segunda Guerra Mundial. Una baja médica para el frente, pero una alta decisiva para la música moderna.

6. El tío eléctrico

Todo empezó con unos regalos insólitos: piezas de autos enviadas por su tío John West. En lugar de juguetes, Leo recibía bobinas, cables y repuestos. Ese fue el primer chispazo de una curiosidad que terminaría prendiendo fuegos sonoros en todos los continentes.

7. El músico equivocado

Lo más gracioso es que nunca supo tocar guitarra ni afinarla. Su instrumento era el saxofón, y sin embargo diseñó guitarras que tocaron desde Hendrix hasta Clapton. La paradoja máxima: el inventor que no usaba lo que inventaba.

8. De un granero al mundo

Leo Fender nació el 10 de agosto de 1909 en la granja de sus padres, en el condado de Orange, California. De un cobertizo polvoriento a los escenarios más luminosos del planeta: el viaje que hizo su apellido es, en sí mismo, una épica.

Al final, entre fotos de tachos, barcos, un ojo de vidrio y un título de contador, Leo Fender se convirtió en el arquitecto de las guitarras más célebres del planeta. Lo curioso no es solo lo que inventó, sino cómo un tipo tan improbable terminó construyendo el sonido de todo un siglo.