Nacido en Buenos Aires en 1990, Federico Luis Tachella estudió Ciencias de la Comunicación Social en la Universidad de Buenos Aires. Sus primeros trabajos comenzaron a circular en festivales independientes argentinos durante la década de 2010, construyendo rápidamente una identidad autoral ligada al realismo social y a los márgenes urbanos.

Su cortometraje La siesta tuvo su estreno internacional en la Competencia Oficial de Cortometrajes de Cannes en 2019 y recibió además premios en el BAFICI y menciones en Toronto. Desde entonces, el director mantuvo una presencia constante en el circuito internacional de festivales.

En 2023 obtuvo el premio al Mejor Cortometraje en el IDFA con En el mismísimo momento, mientras que su primer largometraje, Simón de la montaña, ganó el Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes 2024.

El premio en Cannes por Para los contrincantes

El nuevo reconocimiento llegó con Para los contrincantes, un cortometraje ambientado en Tepito, uno de los barrios más populares y complejos de Ciudad de México. La historia sigue a un niño que sueña con convertirse en campeón de boxeo, utilizando el deporte como vía de escape frente a la dureza de su entorno social.

La obra fue elegida entre más de 3.000 cortometrajes presentados en la competencia oficial del festival y terminó obteniendo la máxima distinción de la categoría.

Durante la ceremonia de premiación, el director argentino también hizo referencia a la situación social y económica de Argentina, en un discurso atravesado por una mirada crítica y humanista.

La relación de Federico Luis con México

Aunque su formación y producción inicial fueron argentinas, Federico Luis desarrolló en los últimos años una fuerte conexión artística con México. Para los contrincantes fue rodada en Ciudad de México y coproducida entre México, Chile, Francia y Argentina.

La elección de Tepito no fue casual. El barrio mexicano, históricamente asociado a la marginalidad y a la cultura popular, funciona en el cortometraje como escenario de resistencia y supervivencia. Allí, Federico Luis vuelve a explorar uno de los temas centrales de toda su filmografía: jóvenes y niños atravesados por la exclusión social, pero también por el deseo de pertenecer y construir identidad.

Su cine evita el golpe bajo y apuesta por una mirada cercana, casi documental, donde los personajes suelen moverse entre la ternura, la violencia cotidiana y la búsqueda de afecto.

Las infancias vulnerables como núcleo de su obra

Uno de los rasgos más distintivos del cine de Federico Luis es su interés por las infancias vulnerables y las juventudes periféricas. Tanto en La siesta como en Simón de la montaña y ahora en Para los contrincantes, sus protagonistas suelen ser adolescentes o niños enfrentados a contextos de pobreza, exclusión o desprotección.

Sin embargo, sus películas no se enfocan únicamente en el sufrimiento social. El director construye relatos donde también aparecen el juego, la amistad, el deseo y la imaginación como formas de resistencia emocional. Esa combinación entre crudeza y sensibilidad es una de las razones por las que su obra comenzó a ganar reconocimiento en festivales internacionales.

Con apenas 36 años, Federico Luis ya aparece como una de las voces más importantes del nuevo cine latinoamericano. Su reciente triunfo en Festival de Cannes confirma el creciente interés mundial por una filmografía que pone el foco en quienes pocas veces ocupan el centro de la escena: los chicos y jóvenes que viven en los márgenes sociales de América Latina.

El adiós a Luis Brandoni es el cierre de una era. A los 86 años, tras permanecer internado por un hematoma subdural producto de una caída doméstica, falleció en Buenos Aires, dejando un vacío imposible de llenar en el teatro, el cine y la televisión argentina.

Nacido como Adalberto Luis Brandoni en Dock Sud en 1940, su historia artística comenzó temprano, casi como un destino inevitable. Debutó en teatro en 1962, en televisión en 1963 y en cine en 1966, iniciando una carrera que se extendería durante más de seis décadas sin interrupciones.

Su participación en La tregua (1974, dirigida por Sergio Renán) lo vinculó con un cine introspectivo y sensible, mientras que La Patagonia rebelde (1974, dirigida por Héctor Olivera) lo posicionó dentro del cine político más comprometido. Esta última película, por su fuerte contenido social e histórico, fue uno de los factores que derivaron en su persecución y posterior exilio, en el contexto de creciente violencia política en la Argentina de los años 70.

Años más tarde, en Darse cuenta (1984, dirigida por Alejandro Doria), su actuación acompañó el clima de recuperación democrática, consolidándolo como un actor clave del período.

Pero si hay una obra que lo volvió eterno es Esperando la carroza (1985, dirigida por Alejandro Doria). Allí, su personaje trascendió la pantalla para instalarse en el lenguaje cotidiano, convirtiéndose con el tiempo en fuente inagotable de memes virales y referencias culturales.

Su filmografía siguió creciendo con títulos que exploraron distintas facetas del país y del propio actor. En Made in Argentina (1987, dirigida por Juan José Jusid) abordó las heridas del exilio y el regreso, mientras que en Cien veces no debo (1990, dirigida por Alejandro Doria) reafirmó su talento para la comedia dramática.

Ya en una etapa más reciente, volvió a destacarse en Mi obra maestra (2018, dirigida por Gastón Duprat) y La odisea de los giles (2019, dirigida por Sebastián Borensztein), confirmando su vigencia como actor protagonista incluso en el cine contemporáneo.

En televisión, su impacto fue igual de contundente. Mi cuñado (1993–1996) lo convirtió en una figura masiva junto a Ricardo Darín, consolidando una dupla icónica de la televisión argentina. Décadas más tarde, en Nada (2023), volvió a destacarse en una producción contemporánea que lo acercó a nuevas audiencias.

Su vida estuvo atravesada por la política. Militante de la Unión Cívica Radical, cercano a Raúl Alfonsín, fue también diputado nacional, llevando su compromiso más allá del arte. Esa militancia, sumada a su participación en obras de fuerte contenido social como La Patagonia rebelde, lo expuso a persecuciones, amenazas y al exilio en México, una experiencia que marcaría profundamente su vida.

En sus últimos años, lejos de retirarse, volvió a sorprender. En Nada (2023) compartió escena con Robert De Niro, un cruce inesperado que simbolizó el reconocimiento internacional de una trayectoria profundamente argentina.

Al mismo tiempo, su figura se resignificó en la era digital. Escenas de Esperando la carroza y otras apariciones se transformaron en memes, gifs y referencias constantes en redes sociales, acercándolo a nuevas generaciones.

Luis Brandoni fue, en definitiva, mucho más que un actor: fue una forma de contar la Argentina. Sus películas no solo narran historias, sino que construyen identidad, memoria y emoción.

Hoy su partida deja un vacío inmenso, pero también una certeza: en cada escena, en cada frase repetida, en cada imagen que vuelve a circular, seguirá vivo como uno de los grandes pilares de la cultura argentina.

La apertura estuvo marcada por Orgullo y prejuicio, de Matías Szulanski, una película que reinterpreta el clásico literario desde una sensibilidad contemporánea y local, jugando con el humor, los vínculos y una puesta en escena minimalista. No es solo una elección simbólica, sino también una declaración de principios: el cine argentino puede dialogar con los grandes relatos universales desde su propia identidad. En el cierre, la apuesta cambia de tono con Power Ballad, del irlandés John Carney, una historia atravesada por la música y las relaciones humanas, con ese estilo emocional que caracteriza al director de Once y Sing Street.

A partir de ahí, el BAFICI despliega una constelación de películas que justifican por sí solas la atención del público cinéfilo. Dentro de la Competencia Internacional, uno de los títulos más comentados es Misericordia, del francés Alain Guiraudie, una obra que mezcla thriller, erotismo y tensión psicológica en un relato inquietante sobre secretos y deseo en un entorno rural. También genera expectativa The Human Hibernation, de la española Anna Cornudella, una propuesta de ciencia ficción contemplativa que imagina una sociedad donde los humanos hibernan para sobrevivir, construyendo una experiencia sensorial más cercana al ensayo visual que al relato tradicional.

En el terreno del cine asiático, Stranger Eyes, del singapurense Yeo Siew Hua, aparece como uno de los thrillers más intrigantes del festival. La película explora la vigilancia, la intimidad y la paranoia en la era digital, con una narrativa fragmentada que mantiene al espectador en constante tensión. Desde América Latina, en tanto, destaca Los delincuentes, del argentino Rodrigo Moreno, que si bien ya tuvo recorrido internacional, se presenta como una oportunidad clave para el público local de redescubrir esta historia sobre crimen, rutina y libertad, contada con un tono tan lúdico como reflexivo.

La Competencia Argentina también ofrece títulos concretos que empiezan a generar conversación. Algo viejo, algo nuevo, algo prestado, de Hernán Rosselli, se posiciona como una de las apuestas más sólidas, combinando documental y ficción para retratar el mundo de las apuestas clandestinas en el conurbano bonaerense. Por otro lado, Las fiestas, de Ignacio Rogers, propone un drama íntimo que se mete en los vínculos familiares a lo largo del tiempo, con una estructura fragmentada que acompaña la evolución emocional de sus personajes.

En las secciones más arriesgadas aparecen verdaderas joyas para quienes buscan experiencias fuera de lo convencional. De noche los gatos son pardos, de la suiza Valentina Maurel, combina coming of age con una estética cruda y provocadora, mientras que Sleep, del surcoreano Jason Yu, mezcla terror psicológico con drama de pareja, construyendo una atmósfera inquietante a partir de lo cotidiano.

El recorrido documental también tiene nombres fuertes. La memoria infinita, de la chilena Maite Alberdi, vuelve a conmover con una historia sobre el amor y el paso del tiempo atravesado por el Alzheimer, mientras que otras propuestas menos conocidas apuestan por relatos experimentales, donde la forma narrativa es tan importante como el contenido.

Todas estas películas encuentran su lugar en un circuito de salas que es parte fundamental de la experiencia. El Teatro General San Martín funciona como el corazón del festival, concentrando varias de las funciones más esperadas y generando ese clima único donde el cine se vive de manera colectiva. A su alrededor, otras sedes en distintos puntos de la ciudad amplían el alcance del evento y convierten al BAFICI en un recorrido urbano donde cada traslado es también parte de la experiencia.

En este contexto, el BAFICI 27 se reafirma como mucho más que un festival: es un espacio donde las películas, en su diversidad y singularidad, construyen una identidad propia. No se trata solo de ver cine, sino de encontrarse con obras que interpelan, incomodan o emocionan, muchas veces por primera vez. Y en esa posibilidad de descubrimiento, en ese cruce entre títulos consagrados y nuevas voces, es donde el festival vuelve a demostrar por qué sigue siendo una cita imprescindible para entender el presente y el futuro del cine independiente.