Felipe Varela nació en Huaycama, actual departamento Valle Viejo, en la provincia de Catamarca. La documentación genealógica y los registros bautismales más recientes sitúan su nacimiento el 11 de mayo de 1821, aunque durante décadas diversas obras mencionaron el año 1819. Hijo de Javier Varela e Isabel Rearte, pertenecía a una familia de tradición federal que pronto se vería involucrada en las guerras civiles argentinas.

Durante su juventud participó en los enfrentamientos que marcaron la lucha entre unitarios y federales. Tras la derrota de la Coalición del Norte debió emigrar a Chile, donde desarrolló actividades comerciales y llegó a incorporarse al ejército chileno, alcanzando el grado de capitán en las fuerzas de Atacama. Aquella experiencia le permitió adquirir conocimientos militares que luego resultarían decisivos en su carrera política.

A mediados de la década de 1850 regresó a la Argentina y se sumó a las fuerzas de la Confederación encabezadas por Justo José de Urquiza. Poco después estrechó una profunda relación política y militar con el caudillo riojano Ángel Vicente «Chacho» Peñaloza, de quien sería uno de sus principales lugartenientes.

El heredero del Chacho

La derrota de la Confederación en la Batalla de Pavón, en 1861, modificó para siempre el equilibrio político del país. El triunfo de Bartolomé Mitre permitió consolidar la hegemonía porteña sobre las provincias, un proceso que muchos dirigentes del interior interpretaron como una violación del espíritu federal de la Constitución de 1853.

Varela acompañó a Peñaloza en los levantamientos de 1862 y 1863. Tras el asesinato del Chacho, ocurrido el 12 de noviembre de 1863, la resistencia federal quedó prácticamente desarticulada. Sin embargo, el caudillo catamarqueño asumió el liderazgo de aquella causa y desde el exilio en Chile comenzó a preparar una nueva insurrección.

La Guerra del Paraguay y el nacimiento del caudillo panlatino

El estallido de la Guerra de la Triple Alianza fue el acontecimiento que transformó a Felipe Varela en una figura continental.

Mientras el gobierno argentino participaba de la alianza con Brasil y Uruguay contra Paraguay, Varela consideraba que el conflicto enfrentaba a pueblos hermanos y beneficiaba intereses ajenos a la región. En diciembre de 1866 lanzó su célebre proclama, conocida como «Viva la Unión Americana», un documento político excepcional para su tiempo.

En ese manifiesto llamaba a defender la Constitución Nacional, denunciaba la concentración de las rentas en Buenos Aires, reclamaba la paz con Paraguay y proponía la unión de las repúblicas americanas. Su programa sostenía que el futuro del continente dependía de la solidaridad entre sus pueblos y de la defensa conjunta frente a cualquier forma de dominación extranjera.

Aquellas ideas lo convierten en uno de los primeros dirigentes argentinos en formular explícitamente un proyecto de integración latinoamericana, varias décadas antes de que surgieran los grandes movimientos americanistas del siglo XX.

La Revolución de los Colorados

Con el apoyo de sectores federales de Cuyo y el Noroeste, Varela encabezó la llamada Revolución de los Colorados, el último gran levantamiento de las provincias interiores contra el gobierno nacional.

Llegó a reunir cerca de cuatro mil hombres y avanzó sobre varias provincias andinas con el objetivo de reconstruir un sistema verdaderamente federal. Su ejército estuvo integrado por gauchos, pequeños productores y antiguos soldados de las guerras civiles.

El momento decisivo de la campaña ocurrió el 10 de abril de 1867 en la Batalla de Pozo de Vargas, librada en las cercanías de la ciudad de La Rioja. Allí las fuerzas de Antonino Taboada derrotaron a las montoneras federales tras un combate que la tradición popular inmortalizaría en la célebre «Zamba de Vargas».

Aunque Varela logró reorganizar sus tropas y obtuvo algunas victorias posteriores, la superioridad logística y material del ejército nacional terminó inclinando definitivamente la balanza.

El exilio y la muerte

Perseguido por las tropas nacionales, Felipe Varela cruzó nuevamente la cordillera y buscó refugio en Chile. Se instaló en Copiapó, donde pasó sus últimos años alejado de la actividad militar y afectado por una grave enfermedad pulmonar, identificada por la mayoría de los historiadores como tuberculosis.

Murió el 4 de junio de 1870, a los 49 años, lejos de la tierra por la que había luchado durante gran parte de su vida.

Su fallecimiento marcó simbólicamente el final de las grandes guerras civiles argentinas y de la etapa clásica de los caudillos federales.

De bandolero a símbolo histórico

Durante décadas, gran parte de la historiografía liberal presentó a Felipe Varela como un caudillo rebelde que se oponía a la construcción del Estado nacional. Sin embargo, el revisionismo histórico y numerosos estudios posteriores propusieron una interpretación diferente: la de un dirigente que defendía el federalismo constitucional frente a la centralización política y económica de Buenos Aires.

Su pensamiento también fue revalorizado por su temprana defensa de la integración sudamericana. Intelectuales como José Pablo Feinmann y Norberto Galasso destacaron que el programa de Varela anticipó muchos de los debates contemporáneos sobre soberanía, distribución de recursos y unidad regional.

En 2012 el Estado argentino dispuso su ascenso post mortem al grado de General del Ejército Argentino, un reconocimiento institucional a una figura largamente relegada de la memoria oficial.

Más de siglo y medio después de su muerte, su figura continúa despertando debates. Para algunos fue el último montonero; para otros, el último gran caudillo federal. Pero quizás su definición más justa sea aquella que surge de su propio manifiesto: un hombre que soñó con una patria grande, donde los pueblos americanos compartieran un destino común.

Luis Coita Civit es ingeniero agrónomo y enólogo nacido en Mendoza, con experiencia en distintas regiones vitivinícolas de Argentina y proyectos que abarcan desde grandes bodegas hasta emprendimientos de autor. Actualmente se desempeña como responsable enológico de Bodega La Macarena y Finca La Seis, donde desarrolla líneas como Tinkunaco y Virtuoso, enfocadas en expresar la identidad del valle de Anguinán, en La Rioja. También impulsa proyectos personales como CoeurSair, centrados en variedades no convencionales y elaboraciones experimentales. Su trabajo se caracteriza por una mirada que combina conocimiento técnico, creatividad y una búsqueda constante de la expresión genuina del terroir.

¿Por qué elegiste estudiar Ingeniería Agronómica? ¿Cómo fue tu llegada al mundo del vino?

Fue un accidente, como muchas de las cosas que pasan en la vida y que terminan siendo trascendentales o definiendo aspectos importantes. Fui a un colegio técnico donde hice una tecnicatura en Enología y conocí a un profesor que me cambió la forma de ver las profesiones a las que podía dedicarme.

Era un docente con una vocación enorme, un ingeniero agrónomo que nos transmitía mucho cariño por el mundo agrícola. En ese colegio también hacíamos vino, conservas y otras actividades que me generaron un cambio de paradigma. Yo estaba entre estudiar dos carreras muy distintas y, gracias a este hombre, terminé rindiendo para ingresar a Ingeniería Agronómica.

Recuerdo que en los últimos años de facultad un profesor dijo algo que me quedó grabado: que el primer trabajo formal probablemente condicionaría gran parte de nuestra vida profesional. Uno de los primeros trabajos que tuve fue haciendo vino. Y acá estamos todavía.

¿Esto fue en Mendoza?

Sí, en Luján de Cuyo.

En el corazón del vino mendocino.

Literalmente.

Si mirás hacia atrás, ¿qué diferencias encontrás entre aquel Luis que empezaba y el Luis de hoy?

Somos personas totalmente distintas, como creo que nos pasa a todos. La universidad es una especie de burbuja, un lugar muy estimulante donde uno descubre constantemente cosas nuevas y posibles caminos laborales.

Cuando uno sale al mundo profesional se encuentra con algo mucho más concreto: estructuras empresariales, roles definidos, responsabilidades claras y sistemas de evaluación. Ahí hay que aprender a funcionar sin perder la creatividad.

En el caso del vino, estamos hablando de un producto donde existe una clara expresión artística. Hay una parte técnica, como en cualquier arte, pero también creatividad. El desafío es lograr que esa creatividad florezca dentro de un sistema que también es un negocio y tiene limitaciones.

Creo que una de las cosas más interesantes de esta profesión es aprender a trabajar con esas limitaciones. La experiencia y la generosidad de quienes te enseñan ayudan muchísimo a encontrar ese camino.

¿Tus gustos también fueron cambiando con los años?

Sí. No sé si podría nombrarte una marca puntual, pero sí estilos o variedades.A medida que uno prueba más cosas, descubre un abanico enorme de experiencias que ni siquiera sabía que existían. Sin embargo, cuando vuelvo a probar algunos de esos vinos que me gustaban al principio, me pasa algo muy especial.

Cuando empecé a hacer vino le llevaba muestras a mi papá. Él tomaba vino todos los días con las comidas, pero no estaba inmerso en el mundo del vino. Conocía tres o cuatro bodegas y tenía su vino favorito.

Yo le llevaba vinos que me parecían increíbles y él los probaba, me decía “muy rico” y después abría el vino que le gustaba a él. En ese momento pensaba: “¿Qué está pasando?”.

Con el tiempo entendí que tenía un paladar muy acostumbrado a ese vino. Hoy, cuando encuentro una botella de ese estilo, la vuelvo a probar porque me conecta con mi viejo, pero también con la inocencia de aquella época. Ahora descubro complejidades que antes no veía.

Creo que uno nunca abandona esos primeros descubrimientos. Los redescubre desde otro lugar.

Es como regresar hacia adelante.

Sí, totalmente.

Una cosa es trabajar para una bodega y otra muy distinta es poner tu nombre en un proyecto propio. ¿Cómo fue esa experiencia con CoeurSair?

Es un camino muy distinto porque aparece la necesidad de encontrar una identidad propia y que esa identidad funcione también como producto.

Uno puede hacer algo que le parezca extraordinario desde lo personal, pero después tiene que enfrentarlo a la evaluación de quienes lo consumen. Para que un vino exista en una vinoteca o en un restaurante tiene que haber demanda.

Entonces aparece un desafío interesante: a veces uno quiere explorar lugares muy específicos del espectro del vino y eso no siempre coincide con lo que busca el mercado.

La parte más linda es que podés llevar una idea hasta el extremo de lo que te gustaría hacer. CoeurSair, por ejemplo, está construido casi exclusivamente sobre vinos blancos y rosados elaborados con variedades poco convencionales y técnicas que difícilmente podrían aplicarse en una bodega grande.

Pero también hay desafíos enormes. No existe una estructura detrás. Todo se hace a pulmón.

Y ahí aparece algo muy lindo: la familia, los amigos, los hijos. Mis hijos van a la bodega, me ayudan a rellenar barricas, han visto cómo funciona todo. Se transforma en algo mucho más íntimo y cotidiano.

¿Cómo fue el encuentro con La Rioja y con el terroir de Anguinán?

La Rioja es un lugar extremadamente diverso. La cordillera tiene un desarrollo mucho más ancho que en Mendoza y eso genera una enorme cantidad de microrregiones con características muy distintas.

Yo ya había estado antes trabajando para una empresa que tenía bodegas desde Mendoza hasta Salta. Habían pasado varios años hasta que volví a encontrarme con la familia Herrera para hablar del proyecto.

Recuerdo que entré a La Rioja por la Ruta 40 y cuando llegué a Guandacol vi una geología completamente distinta. Había formaciones montañosas, colores y movimientos del terreno que no existen en Mendoza.

Ahí tomé conciencia de que estaba entrando a un lugar diferente y que había una identidad por descubrir.

Porque el vino lo hace, en gran parte, la región. El clima y el suelo son los factores más importantes. Nosotros interpretamos eso y tratamos de arruinarlo lo menos posible.

Fue un proceso de descubrimiento que continúa hasta hoy.

El Torrontés de Tinkunaco me pareció un vino bisagra. ¿Cómo nace ese proyecto?

Tinkunaco es una celebración muy importante del noroeste argentino que hace referencia al encuentro de los pueblos. Toda la línea está inspirada en esa idea.

Los vinos no son varietales completamente puros. Siempre tienen algún pequeño secreto, algún juego de cortes que aporta complejidad.

En el caso del Torrontés, incorporamos entre un 3% y un 5% de Viognier, una variedad francesa que se adapta muy bien a las condiciones de la finca.

El Torrontés es una variedad criolla fascinante. Es parte de la identidad argentina y particularmente de la identidad riojana.

Bien riojana: resistente.

Sí, resiliente. Hay distintas variantes, pero el que conquistó al mundo fue el Torrontés Riojano. Si uno encuentra el punto exacto de madurez, logra algo extraordinario: aromas florales intensos, frutas blancas y una acidez que mantiene el vino vivo y equilibrado.

Después sumamos complejidad mediante el uso de barricas usadas, que no aportan aromas agresivos de madera, pero sí permiten una microoxigenación muy beneficiosa para el vino.

Otro vino que me llamó mucho la atención es el Petit Verdot.

Es una variedad interesantísima. Históricamente era utilizada para aportar estructura en cortes de otras variedades. La analogía clásica era que el Petit Verdot era como la pimienta en un plato. Nadie come un plato de pimienta a cucharadas, pero una pequeña cantidad puede transformar completamente una receta.

Hay lugares donde la variedad se vuelve demasiado agresiva. En este clima encontramos un equilibrio muy interesante entre estructura, fruta y frescura. Creo que el Petit Verdot de Tinkunaco representa muy bien lo que esta variedad puede lograr en La Rioja.

Pasemos a Virtuoso. Uno de los aspectos más novedosos es el Carmenere. ¿Cómo llegaron a esa variedad?

El Carmenere es casi un accidente histórico.

Es una variedad originaria de Burdeos, muy sensible a la filoxera. Con el tiempo prácticamente desapareció y fue redescubierta en Chile, donde durante décadas había sido confundida con Merlot.

Cuando llega a Argentina encuentra algo muy particular en La Rioja.

Todo lo que era una dificultad en Burdeos —su ciclo largo, la necesidad de mucha maduración— acá se transformó en una virtud. La variedad llega perfectamente a madurez, desarrolla taninos redondos y una expresión única.

La familia Herrera la había plantado hacía años y durante mucho tiempo esa uva se vendía como producción primaria.

Cuando comenzamos a elaborar vinos propios descubrimos que en todas las degustaciones de cosecha siempre había un Carmenere destacándose.

Ahí nació la idea de hacer un Carmenere 100% de finca y desarrollar una identidad propia para esa variedad.

¿Cómo trabajan la línea Virtuoso Gran Vino?

Son vinos pensados para guarda.

No trabajamos con un único tanque. Tenemos diferentes momentos de cosecha y distintas partidas que funcionan como una paleta de colores.

Después seleccionamos los vinos con mayor estructura para llevarlos a barricas de roble francés de 200 y 500 litros.

La crianza suele durar hasta ocho meses, pero lo más importante sucede después.

Una vez que hacemos el corte definitivo, el vino pasa al menos seis meses en botella. Ahí los componentes comienzan a integrarse y aparece la armonía.

Es cuando la fruta, la madera, la acidez y los aspectos herbales dejan de ser elementos separados para convertirse en una obra completa.

Si armamos un asado, ¿cómo ordenarías los vinos?

Arrancaría con el Blend de Blancas de Finca La Seis para la picada y mientras se prende el fuego. Después, para una entraña, iría con el Malbec de Finca La Seis. Y cuando salga el costillar, sin dudas, Virtuoso Carmenere.

¿Y con una molleja?

Ahí me gusta romper las reglas. Iría con el Virtuoso Viognier. Tiene estructura, algo de madera, especias y funciona muy bien con grasas, carnes blancas y achuras.

¿Y para el postre?

Podríamos volver al Torrontés de Tinkunaco, especialmente si hablamos de un postre fresco. Pero si aparece un clásico argentino como queso y dulce, perfectamente podríamos volver a un tinto. Un Virtuoso Malbec con queso y dulce de membrillo funciona espectacular.

¿Qué es lo que te hace levantarte cada mañana y seguir adelante?

No tengo una respuesta demasiado clara. Creo que tiene que ver con descubrir cosas nuevas de manera colectiva. Porque esto no es un trabajo individual. Nos pasa seguido que hacemos vinos de parcelas de las que no esperábamos demasiado y nos sorprenden. Entonces llamamos a un colega y le decimos: “Vení a probar esto porque hay algo interesante”. Todo empieza ahí: en la experimentación.

Después aparecen las etiquetas, las botellas, los equipos de trabajo, la gente que está detrás de cada proyecto y hace posible que las cosas sucedan. Ese juego de experimentar, descubrir y tratar de hacer cada vino un poco más fino, más delicado y más estimulante para quien lo prueba es un motor enorme.

Salud.

En un barrio suburbano y siestero de La Rioja, la casa de Néstor Vildoza apenas se distingue de las demás salvo por un detalle imposible de ignorar: una escultura monolítica plantada en la vereda, como una marca territorial, una sugerencia muda de que ahí vive alguien que piensa el mundo en volumen y formas. La obra y algunas modificaciones artísticas en las paredes, alcanzan como presentación.

Adentro, el panorama es el esperado y, no por ello deja de sorprender. El living, los rincones, los pasillos y hasta los espacios de transición están ocupados por esculturas de todos los tamaños: pequeñas piezas de metal oxidado, estudios en madera, dibujos, figuras equinas, formas abstractas, torsiones imposibles. No están acomodadas como en una galería sino convividas, habitadas. Son parte de la casa. Falta, claro, la escala más monumental que caracteriza buena parte de su trayectoria, pero incluso en formatos reducidos las obras conservan esa tensión física que define su lenguaje.

Nacido en Catamarca y formado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, Vildoza es uno de los escultores argentinos de mayor trayectoria en simposios y encuentros internacionales. Trabajó con piedra, mármol, madera, hierro y acero inoxidable; enseñó durante años en La Rioja y participó en bienales y concursos en distintos países. Este 2026 volverá a representar a la Argentina en la Bienal Internacional de Escultura del Chaco, uno de los encuentros escultóricos más importantes del mundo. Pero lejos de un tono solemne, habla de su obra como quien habla de un juego serio: uno donde la intuición, el error y el descubrimiento todavía importan más que las certezas.

Néstor, hay una frase que suele repetirse sobre la escultura: que es el arte de descubrir las formas ocultas en la materia. ¿Coincidís con esa definición?

Sí. Bueno, en la época de la escultura en piedra se decía mucho eso de “hay que sacar lo que sobra”. Entonces aparece la forma. Pero la escultura tiene diversidad de técnicas. Lo de la piedra sería una forma sustractiva, de quitar. Y después está lo aditivo: agregar, sumar materiales. Cuando uno pone metal, madera o mezcla técnicas, la escultura tiene una riqueza enorme.

Muchas artes hoy incorporaron eso también con la tecnología. Antes la pintura era pincel, tela y color. Ahora podés meter volúmenes, luces, materiales distintos. Y en escultura cada vez aparecen más materiales que pueden usarse para hacer obras tridimensionales, obras luminosas, piezas que incluso pueden quedar debajo del agua sin degradarse.

También están las obras pensadas para degradarse. El arte efímero. El land art, por ejemplo, hecho con madera, piedras, arena. Obras que sabés que tienen un tiempo y que después el viento, la humedad o incluso la intervención humana las van transformando.

¿Cómo llegó la escultura a vos?

Las artes plásticas me gustaron desde muy chico. Dibujar, pintar. Y el trabajo con volumen también. Me acuerdo que hacía caminitos y casitas de barro en el fondo de casa, en Catamarca. Les ponía techitos, caminos y jugaba con los gatos, como si fueran habitantes de esas ciudades. Años después volví y esas casitas seguían ahí.

¿Y por qué no arquitectura? ¿Por qué arte?

Cuando me fui a estudiar a La Plata entré en Agronomía. Pero antes, mientras hacía la secundaria, iba a una escuela de artes plásticas. Nunca terminaba, abandonaba, pero siempre volvía a eso. Hice un año y medio de Agronomía y un día, en el comedor universitario, me encuentro con un amigo de Catamarca y me dice que estudiaba escultura.

Terminamos de comer y fuimos a la facultad. Cuando abrió esa puerta dije: “Acá no me sacan más”. Fue un impacto muy fuerte. Ver las obras grandes, los alumnos trabajando, los talleres. Ahí entendí que quería estar en ese lugar.

¿Dónde sentís que aprendiste realmente el oficio?

En la calle. En encuentros, en talleres de colegas. La facultad te da el ABC. Después depende de los profesores que te toquen. Pero yo aprendí mucho viendo trabajar a otros escultores. Gente muy grosa, con mucho concepto.

A veces iba y les preguntaba directamente: “Che, esta obra no explota, ¿qué pasa?”. Y venían, la miraban, te decían dos palabras y te abrían la cabeza. Esa forma de aprender después la trasladé a mis alumnos.

Veo mucha diversidad de materiales en tu obra. ¿Cómo elegís con qué trabajar?

A veces el mismo material te llama. Pasás al lado de una piedra y decís “qué tal si la ataco”. O ves un fierro oxidado y pensás que puede salir algo de ahí. Otras veces primero aparece el tema y después el material.

Yo trato de manejarme con libertad. Me aburriría hacer siempre lo mismo. En dibujo y pintura también mezclo de todo: tintas, letras, lápices, imágenes. No sé qué pasa exactamente. Me levanto y empiezo a atacar el papel o el material.

Leyendo sobre tu obra aparece mucho la idea de tensión: tensión estructural, tensión de los materiales. ¿Es algo consciente?

A veces yo solamente quiero torcer un material. Que algo rígido se ablande. Lo logro y ahí quedó. Después alguien viene y me dice: “Esto representa el alma humana que se retrae”. Y bueno, gracias. Porque es otra interpretación que me sirve.

Yo sigo pensando que solamente quise doblar algo rígido.

¿Disfrutás esas interpretaciones ajenas?

Sí. Porque a veces pienso: “¿Y si fuera eso?”. Pasa que yo soy muy racional. Cuando voy a ver obra ajena me cuesta emocionarme. Voy a ver cómo está hecha, cómo resolvió las cosas.

Pero hay artistas que me desarman. Me pasó con Constantin Brâncuși. Cuando vi obra de él personalmente me deprimí. Pensé: “¿Cómo un tipo en 1920 podía hacer algo tan moderno?”. Sentía que él ya estaba en el siglo XXI y nosotros seguíamos haciendo obras del siglo XVI.

Se suele decir que el arte es una mezcla de cálculo, intuición y error. ¿Cómo funciona eso en vos?

Yo soy muy lúdico. Me divierto trabajando. Es muy raro que sufra haciendo una obra. Me siento como un niño jugando, pero con más fuerza y herramientas más peligrosas.

A veces sí me pasa algo extraño: estoy trabajando y pienso “esto no parece mío”. Ahí me asusto un poco. Me voy del taller y vuelvo al otro día.

¿Y cuándo sabés que una obra está terminada?

Picasso decía que una obra termina cuando se va del taller. Mientras la tenga acá, siempre le puedo meter mano. Me pasó de romper obras expuestas y sacar otras nuevas de ahí.

Todo lo que está acá puede sufrir cirugía mayor.

Trabajás desde La Rioja, lejos de los grandes centros artísticos. ¿Sentís que eso te deja fuera de ciertas conversaciones?

Sí, totalmente. Afuera te relacionás distinto. Vas a muestras seguido, conocés gente, sponsors, colegas. Acá era otra cosa. Durante mucho tiempo éramos muy pocos escultores trabajando en serio.

Pero también eso te obliga a construirte de otra manera.

La Bienal Internacional de Escultura del Chaco, realizada en la ciudad de Resistencia, comenzó en 1988 como un encuentro nacional impulsado por la Fundación Urunday y con el tiempo se transformó en uno de los eventos escultóricos más prestigiosos del mundo. Su particularidad es única: los escultores trabajan al aire libre, frente al público y bajo condiciones reales de producción, convirtiendo el proceso creativo en espectáculo y experiencia colectiva.

La edición 2026 reunirá artistas seleccionados entre decenas de países y volverá a convertir a Resistencia —conocida como la “ciudad de las esculturas”— en un punto central de la conversación artística internacional. Vildoza, que participa desde los primeros años del encuentro y posee varias obras emplazadas en calles y plazas chaqueñas, volverá este año como representante argentino con un proyecto en acero inoxidable elegido por un jurado internacional.

Vos participaste muchas veces de la Bienal del Chaco. ¿Qué tiene de particular trabajar ahí?

Es una experiencia muy fuerte. Son casi ocho horas diarias al aire libre, con frío, calor, lluvia, lo que toque. Y la obra hay que terminarla sí o sí.

Ahora voy a hacer una pieza grande en acero inoxidable. Son chapas enormes. Hay que cortar, doblar, soldar, pulir. Es un trabajo pesado pero hermoso.

¿Cómo fue tu relación con la Bienal a lo largo de los años?

Muy intensa. Estoy desde los primeros encuentros nacionales. Después fui seleccionado varias veces y terminé dejando varias obras en calles y plazas del Chaco.

Y ahora volver a representar a la Argentina me dio mucha alegría. Presentás un proyecto, fotos, vistas aéreas, planos. Eso va a un jurado internacional. Se presentan escultores de muchísimos países y eligen solamente diez.

Vos viste crecer la Bienal desde el comienzo. ¿Qué sentís cuando ves lo que se convirtió hoy?

Me sorprende cada vez más. Yo viajé mucho afuera y siempre me preguntaban por Chaco. “¿Cómo hacemos para llegar?”. Porque lo que generó la Bienal es muy difícil de explicar.

No hay nada parecido. Ni en Argentina ni afuera.

Hablábamos antes de la periferia y de quedar fuera de ciertas conversaciones. Pero en algún punto Chaco generó una conversación propia.

Claro. Ahí la conversación pasa por otro lado. Y para mí fue muy importante porque acá en La Rioja éramos pocos escultores. De golpe llegar allá y encontrarte con 50 o 100 artistas hablando de lo mismo era impresionante.

La primera vez que volví me sentí triste. Pensé: “Ahora vuelvo a quedarme solo”. Pero después seguí yendo, empecé a sacar premios, eso me abrió puertas y terminé viajando por muchos lugares gracias a esos encuentros.

Para cerrar: ¿qué balance hacés hoy de tu carrera?

Me divertí mucho. Muchísimo. Me tomo algunas cosas en serio, pero si te dijera que vivo todo con solemnidad sería mentira. Yo me divierto trabajando.

¿Y creés que hay que tomarse así también la vida?

Claro. Incluso cuando vienen malas. Yo soy creyente y estoy muy convencido de que hay algo más grande. Y eso hace todo mucho más fácil.

La fecha remite al histórico olivo conocido como el “Padre de la Olivicultura”, un árbol centenario ubicado en Aimogasta y declarado Monumento Histórico Nacional. Según distintas investigaciones históricas, desde allí comenzó la expansión del cultivo hacia otras regiones del continente durante la época colonial.

La Rioja, cuna de la olivicultura argentina

La combinación de clima seco, gran amplitud térmica y abundante sol convirtió a La Rioja en un territorio ideal para el desarrollo del olivo. Con el paso del tiempo, el departamento Arauco se consolidó como uno de los principales polos productores del país.

En torno a esta actividad creció gran parte de la economía regional. La producción de aceitunas y aceite de oliva pasó de ser artesanal a convertirse en una industria clave para la provincia, generando empleo y desarrollo agrícola.

Uno de los mayores símbolos de esta tradición es la variedad Arauco, considerada la cepa olivícola autóctona argentina y reconocida internacionalmente por la calidad e intensidad de sus aceites.

Una industria que sigue creciendo

Durante el siglo XX, la olivicultura riojana incorporó sistemas de riego, mecanización y nuevas tecnologías que permitieron ampliar la producción y mejorar la calidad. Actualmente, La Rioja se mantiene entre las provincias líderes del sector junto a San Juan, Mendoza y Catamarca.

Además del impacto económico, el olivo forma parte de la identidad cultural riojana. La tradicional Fiesta Nacional de la Olivicultura, realizada en Aimogasta, celebra cada año la historia y el trabajo de generaciones de productores.

Hoy, la industria enfrenta desafíos vinculados al clima y al uso eficiente del agua, pero continúa siendo una de las actividades regionales más importantes del noroeste argentino. En ese escenario, La Rioja conserva su lugar como corazón histórico de la olivicultura argentina, una tradición que une producción, cultura e identidad.

Entre gigantescos cañones rojizos, silencios desérticos y formaciones rocosas esculpidas durante millones de años por el viento y el agua, Talampaya se convirtió en uno de los símbolos naturales más importantes de Argentina. El nombre del parque provendría de la lengua cacana, hablada por pueblos originarios de la región, y suele interpretarse como “río seco del tala” o “río del árbol tala seco”, una definición profundamente ligada al paisaje árido riojano. Cada aniversario del parque revaloriza no solo su inmensa belleza paisajística, sino también su relevancia científica y cultural a nivel mundial.

Ubicado en el oeste de la provincia de La Rioja, el parque protege más de 213.000 hectáreas de la ecorregión del Monte de Sierras y Bolsones. Fue creado originalmente como parque provincial en 1975 y obtuvo la categoría de Parque Nacional en 1997 mediante la Ley 24.846. Tres años más tarde, en 2000, la UNESCO lo declaró Patrimonio Mundial junto al vecino Parque Provincial Ischigualasto, conformando uno de los complejos fósiles triásicos más importantes del planeta.

La relación entre Talampaya e Ischigualasto es inseparable. Aunque hoy pertenecen administrativamente a dos provincias distintas —La Rioja y San Juan—, ambos territorios integran la misma cuenca geológica triásica. Esa división provincial responde a límites políticos modernos, ya que millones de años atrás toda la región formaba parte de un mismo ecosistema prehistórico. Los investigadores consideran que el conjunto Ischigualasto-Talampaya contiene el registro continental más completo conocido del período Triásico, etapa fundamental para comprender el surgimiento de los dinosaurios y la evolución de los vertebrados terrestres.

El paisaje actual comenzó a modelarse hace unos 250 millones de años, cuando la fragmentación del supercontinente Pangea alteró profundamente la geografía del planeta. Las capas sedimentarias rojizas de Talampaya registran millones de años de cambios climáticos, inundaciones, movimientos tectónicos y procesos erosivos. Sus paredones alcanzan cerca de 150 metros de altura y fueron tallados lentamente por antiguos cursos de agua y por la acción constante del viento desértico.

Dentro del parque aparecen algunas de las geoformas más famosas del país. El imponente Cañón de Talampaya es la postal emblemática, pero también destacan figuras naturales como “El Monje”, “La Catedral Gótica”, “El Rey Mago”, “El Cóndor”, “El Tótem” y “La Botella”, esculturas pétreas moldeadas naturalmente durante millones de años.

Sin embargo, el verdadero valor mundial de Talampaya está bajo la roca. El parque alberga fósiles fundamentales para entender el origen de los dinosaurios y de los mamíferos. Entre los hallazgos más relevantes aparece el Lagosuchus talampayensis, un pequeño arcosaurio considerado cercano a los ancestros de los dinosaurios. También se encontraron restos de antiguas tortugas triásicas como Palaeocheris talampayensis, además de plantas fósiles y reptiles mamiferoides que permitieron reconstruir cómo evolucionó la vida terrestre después de una de las mayores extinciones masivas de la historia del planeta.

La riqueza paleontológica de Talampaya comenzó a estudiarse sistemáticamente hacia fines de la década de 1950, aunque exploradores y científicos ya habían documentado la zona desde el siglo XIX. Desde entonces, las investigaciones realizadas allí ayudaron a convertir a Argentina en uno de los países más importantes del mundo en estudios sobre dinosaurios y fauna triásica.

Pero Talampaya no solo habla de tiempos prehistóricos. Mucho antes de la llegada española, distintos pueblos originarios habitaron la región. En varios sectores del parque aún sobreviven morteros comunitarios, restos de viviendas y petroglifos de enorme valor arqueológico. Muchos de esos grabados pertenecen a grupos agroalfareros que ocuparon el área entre aproximadamente los años 120 y 1180 de nuestra era.

Uno de los sectores arqueológicos más importantes es “Los Pizarrones”, donde pueden observarse grabados rupestres realizados sobre grandes superficies rocosas. Las figuras representan formas humanas, animales y diseños geométricos vinculados a cosmovisiones indígenas prehispánicas. En la región habitaron pueblos relacionados con la cultura diaguita y grupos hablantes del idioma cacán.

Actualmente, Talampaya es uno de los destinos turísticos más importantes del norte argentino. Miles de visitantes llegan cada año para recorrer el cañón principal, realizar excursiones en vehículos autorizados, caminar entre paredones gigantescos o contemplar un cielo nocturno casi intacto gracias a la baja contaminación lumínica de la región. El parque también protege fauna adaptada al ambiente árido, como guanacos, maras, zorros grises, cóndores y numerosas especies de reptiles y cactus.

En tiempos recientes, las autoridades reforzaron las campañas de conservación y turismo responsable para preservar un sitio extremadamente frágil. La protección del patrimonio arqueológico y geológico se volvió una prioridad creciente, especialmente tras algunos episodios de vandalismo que generaron fuerte repudio social y denuncias judiciales.

A casi tres décadas de su creación como Parque Nacional y a 25 años de su reconocimiento por la UNESCO, Talampaya sigue siendo mucho más que un paisaje espectacular. Es un archivo natural gigantesco donde la Tierra conserva escrita parte de su historia más antigua. Un lugar donde conviven dinosaurios, pueblos originarios, desiertos rojizos y millones de años de memoria geológica en pleno corazón de La Rioja.

El sol empezaba a caer detrás de las sierras riojanas y una luz dorada se desparramaba sobre la pista del Polideportivo Carlos Saúl Menem, en la capital de La Rioja. Los chicos daban las últimas vueltas, algunos con más entusiasmo que técnica, otros ya insinuando ese pulso competitivo que define a los riojanos. A un costado, entre bicicletas apoyadas y padres conversando, Matías Montenegro terminaba su jornada como profesor. Recién entonces se permitió bajar el ritmo, acercarse, sonreír y empezar a contar. Posó para las fotos, mostró algo de su habilidad y nos abrió la puerta de una historia que mezcla talento, sacrificio y una certeza: en La Rioja el BMX no es un deporte más.

“Empecé a los 6 años más o menos… fue una coincidencia. Venía a jugar al fútbol acá y veía a los chicos andar en la pista”, recuerda. La escena, que podría ser una anécdota más de infancia, es en realidad el primer eslabón de una cadena que ya lleva más de 25 años. Porque Montenegro no solo se quedó: creció, compitió, ganó y, sobre todo, entendió el pulso de un deporte que en esta provincia tiene algo distinto.

Ese ascenso fue vertiginoso. “El primer año corrí en novicios… y al siguiente salí campeón argentino. Después pasé a expertos y también fui campeón argentino, campeón latinoamericano, campeón panamericano…”, enumera sin grandilocuencias, como si repasara una lista ajena. Pero no lo es. A los 17 ya estaba en la órbita de la Selección Argentina, donde permaneció casi una década. En ese recorrido, acumuló resultados de peso en la categoría elite: top 30 del ranking mundial, podios sudamericanos y panamericanos, y hasta el rol de suplente en los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Un camino largo, de constancia, que tuvo un corte abrupto.

Porque antes del mayor logro de su carrera hubo silencio. Cinco años de inactividad. “Fueron varios factores… estaba terminando el profesorado de educación física, llegó la pandemia, no había competencias… y también el trabajo”, explica. Sin calendario, sin objetivo, el motor interno se apagó. El BMX quedó en pausa. Hasta que volvió.

“Cuando regresé, la pasión que estaba apagada se encendió muy rápido”, dice. Y ahí aparece el punto de quiebre. Montenegro volvió a subirse a la bici en 2024, compitió lo justo y en 2025 decidió ir a fondo. “La cabeza funciona las 24 horas para un objetivo… no es solo lo físico, es lo mental, la alimentación, el descanso”. Todo alineado para un solo disparo.

Ese disparo fue el Campeonato Mundial de BMX en Dinamarca. Y dio en el centro. “Fui a hacer lo que quería, lo disfruté al 100% y di mi máximo”, asegura sobre la consagración que lo convirtió en campeón del mundo en la categoría mayores. Un logro que no solo lo consagró a él, sino que volvió a poner a La Rioja en el mapa grande del BMX. Y que, días atrás, tuvo continuidad con su título en el Campeonato Sudamericano de Bogotá, confirmando su vigencia en la elite internacional.

Lo curioso es que todo ese proceso se gestó sin salir de casa. “Entrené acá en La Rioja, en la pista local. El gimnasio también lo hago acá y los trabajos de velocidad en el parque de la ciudad”, explica. En tiempos donde la alta competencia suele estar asociada a estructuras internacionales, y más si se tiene en cuenta que el predio de entrenamiento de La Rioja no hace mucho que fue convertido de un circuito de pura tierra a uno con cemento y largadores profesionales.

Pero esa misma pista donde se formó es un semillero de talentos. Mientras habla, los chicos siguen girando. “Hay entre 90 y 120 chicos practicando de manera constante”, cuenta. Y no es casualidad. “La Rioja tiene algo particular… es una ciudad chica, pero con muchos pilotos. El nivel siempre es alto porque constantemente salen campeones”. La ecuación parece simple: formación constante, competencia frecuente y acceso a la pista.

Pero hay algo más difícil de medir ¿Por qué una provincia de tan solo 400 mil habitantes es capaz de producir tanto talento?. “El riojano es muy pasional. Siempre hago la comparación: como el argentino con el fútbol, acá pasa con el BMX”, asegura Montenegro. Esa pasión explica por qué, en cada certamen en el que participan, los representantes de La Rioja son protagonistas. No es solo cantidad: es nivel competitivo sostenido.

Montenegro lo ve ahora desde otro lugar, el de formador. “Muchos chicos ven estos logros y creen que ellos también pueden. Eso los motiva”. La referencia no es menor. En una disciplina donde los espejos suelen estar lejos, tener un campeón del mundo dando clases todos los días cambia la perspectiva.

Claro que el camino no es liviano. “Desde chico vas resignando cosas… cumpleaños, salidas, eventos familiares. Después, de grande, es el descanso, el trabajo, los horarios… y entrenar con 40 grados también”, advierte. El alto rendimiento tiene una cara invisible: la del sacrificio constante.

¿Y por qué hacerlo? Montenegro no duda: “Todo por la pasión”. Hace una pausa, mira la pista, a los chicos que siguen girando, y cierra con una definición que resume todo: “El BMX es la vida misma”.

En esa frase se condensa su historia, sus títulos, su regreso y el fenómeno riojano. Porque en La Rioja, el BMX argentino no solo se practica: se vive, se transmite y, como demuestra Matías Montenegro, también se conquista el mundo.

Martín Meza no siempre estuvo entre viñedos. Antes de ser el responsable de producción en la bodega riojana para la familia Chamas, su mundo eran los números y las oficinas en Corrientes. En 2012, a travez del dueño de la bodega, Jorge Chamas, llegó a Chañarmuyo con un plan de apenas seis meses para ordenar la administración, pero el impacto del paisaje y la calidez de su gente lo atraparon por más de 14 años.

El cambio fue radical: del verde litoraleño pasó a la aridez de un desierto riojano extremo. Enfrentó inviernos crudos y un suelo pedregoso que muchos consideraban imposible de cultivar en los inicios del proyecto. Martín entendió rápidamente que la calidad nace en el viñedo, y que esa piedra es en realidad el gran secreto detrás del carácter único de sus uvas.

Desde 2014, lidera la operativa donde la gestión se une a una pasión inexplicable por la industria. Junto al enólogo Matías Prieto, supervisa constantes microvinificaciones buscando perfiles más frescos y frutales. Detrás de etiquetas como Viña Providencia o el exclusivo Cinco Hileras, hay historias de esfuerzo colectivo, como cuando los vecinos ayudaron a enfriar el Chardonnay con hielo de sus propios hogares.

Para Martín, el vino es un momento de disfrute que rompe con todas las estructuras tradicionales. Se anima a recomendar un blanco con madera para acompañar un asado o el innovador Syrah de maceración carbónica para disfrutar bien frío. Su transición de las finanzas al alma de la bodega demuestra que, con un equipo unido, el desierto puede dar frutos extraordinarios.

El Petit Verdot es, por naturaleza, una uva exigente. Necesita sol, calor constante y un clima seco para madurar sus taninos potentes y su color profundo. Mientras que en otras regiones del mundo sufre para llegar a término, en los valles riojanos —desde Famatina hasta el Bermejo— se siente en casa.

Aquí, la cepa no solo «se da bien», sino que se expresa con una nobleza arrolladora. Produce vinos con una estructura envidiable, una acidez natural sorprendente y una paleta aromática que va de las violetas a los frutos negros maduros, con ese toque especiado que solo el sol riojano puede imprimir.

La Filosofía: Sumar Identidad, no Restar Méritos

Proclamar al Petit Verdot como estandarte no es un acto de rebeldía contra nuestras otras cepas, sino un acto de madurez.

• No es «mejor» que el Malbec o el Torrontés: Es una pieza distinta en nuestro rompecabezas de terroir.
• No viene a competir: Viene a demostrar que La Rioja tiene la capacidad técnica y climática de domar a una de las uvas más difíciles y sofisticadas del mundo.

Cuando elegimos un Petit Verdot riojano, no estamos buscando una alternativa; estamos buscando una identidad de un pura sangre. Es un vino que no pide permiso, sino que se impone por su elegancia y su potencia equilibrada.

Bodega La Macarena: El Renacer de un Legado en el Corazón de Anguinán

En el pintoresco valle de Anguinán, Chilecito, donde la tierra roja y el sol generoso de La Rioja se funden en un abrazo eterno, late un proyecto que es mucho más que una bodega: es una declaración de identidad. Bodega La Macarena, liderada por Macarena Herrera, representa la evolución de un legado familiar que hoy se traduce en vinos con alma, historia y una búsqueda profunda de la verdad.

Tinkunaco: Mucho más que un nombre

La línea insignia de la bodega, Tinkunaco, toma su nombre de la celebración más sagrada de los riojanos. Pero en manos de Macarena, el concepto adquiere una dimensión íntima y transformadora. Tinkunaco significa «encuentro», y aquí se propone como un encuentro con uno mismo. Beber una copa de estos vinos no es solo un acto de degustación; es una invitación a pausar el ruido del mundo y conectar con nuestra propia esencia a través del fruto de la tierra.

La Trilogía de la Identidad: Tres Vinos, Tres Emociones

Fiel a la premisa de no comparar, sino de descubrir la virtud de cada expresión, Bodega La Macarena nos ofrece tres perfiles marcados por la excelencia:

• Torrontés (Juventud Perpetua): Es el espíritu del valle embotellado. Un vino que parece detener el tiempo, conservando la frescura, la vivacidad y esos aromas florales tan nuestros que nunca envejecen. Es la frescura de la mañana en Anguinán.
• Malbec (Aterciopelado): Un exponente que abraza el paladar. Con taninos suaves y una redondez impecable, este Malbec refleja la calidez del sol riojano traducida en una textura de seda. Es la amabilidad y la elegancia en su máxima expresión.
• Petit Verdot (Con Profundidad): Aquí es donde la bodega apuesta fuerte por este «pura sangre» riojano. Un vino serio, complejo y con una profundidad que invita a la reflexión. Es el vino del encuentro interno por excelencia, con capas de sabor que se revelan lentamente.

El Liderazgo de Macarena Herrera

Llevar adelante una bodega en estos tiempos requiere coraje, pero llevar adelante un legado familiar requiere, además, sensibilidad. Macarena Herrera ha logrado equilibrar el respeto por las raíces con una visión moderna y profesional. Su liderazgo femenino aporta una mirada detallista y una pasión que se percibe en cada botella que sale de Anguinán. «No buscamos ser mejores que nadie, buscamos ser lo más fieles posible a lo que nuestra tierra y nuestra historia tienen para decir.»

En el mundo del vino, tradicionalmente dominado por figuras masculinas, cada vez más mujeres ocupan espacios de decisión y creación, aportando nuevas miradas al viñedo y a la bodega. En este contexto, dos vinos argentinos permiten explorar cómo sensibilidad, formación y territorio se combinan para dar origen a proyectos con identidad propia: Zun Zun Rosado, de Bodega Lamadrid, y Tinkunaco Torrontés, de Bodega La Macarena.

Zun Zun Rosado: un rosé distinto desde Medrano

El vino Zun Zun Rosado nace en los viñedos que la familia Lamadrid posee en Medrano, un distrito del este mendocino dentro del departamento de Rivadavia. Este terruño se distingue por sus suelos aluviales, profundos y de buen drenaje, junto con un clima seco de gran amplitud térmica entre el día y la noche. Estas condiciones favorecen una maduración equilibrada de la uva y conservan acidez natural, dos factores clave para la elaboración de vinos frescos y expresivos, especialmente en estilos rosados.

Detrás del proyecto se encuentran dos mujeres con trayectorias complementarias. Por un lado, Gabriela Garcia Hopgood, quien continúa el legado de la bodega familiar. Nacida en Puerto Rico y formada internacionalmente como sommelier, García Hopgood ha impulsado una visión moderna de la bodega, enfocada en la identidad de cada viñedo y en la experimentación con nuevos estilos.

Junto a ella trabaja la enóloga principal de la casa, Angelica Yañez. Su trabajo combina precisión técnica y sensibilidad por el origen de las uvas, buscando siempre que el vino exprese su lugar de procedencia con la menor intervención posible.

Esa colaboración dio lugar a una decisión poco habitual en la producción local de rosados. En lugar de recurrir al tradicional Malbec —variedad dominante en Argentina para este estilo—, el equipo eligió Cabernet Franc, una cepa que aporta mayor complejidad aromática y un perfil más herbal y fresco.

El resultado es un rosado de color delicado y brillante, con aromas que combinan frutas rojas frescas, notas florales y sutiles matices herbales característicos del Cabernet Franc. En boca se presenta ágil y refrescante, con buena acidez y un final limpio, pensado para una degustación versátil que acompañe desde aperitivos hasta cocina mediterránea o platos livianos de verano.

Tinkunaco Torrontés: tradición riojana con impulso joven

El segundo vino de este recorrido proviene del noroeste argentino. Tinkunaco Torrontés se produce en Anguinan, localidad situada en el valle de Chilecito, una de las zonas vitivinícolas históricas de la provincia de La Rioja.

El valle se ubica a los pies de la Sierra de Famatina, con viñedos cultivados a altitudes que superan los 1.000 metros sobre el nivel del mar. La combinación de clima desértico, gran radiación solar y suelos franco-arenosos crea condiciones ideales para el desarrollo del Torrontés Riojano, cepa emblemática del noroeste argentino y especialmente ligada a esta provincia.

El proyecto está dirigido por Macarena Herrera, creadora y directora de Bodega La Macarena. Herrera continúa una tradición familiar de más de medio siglo en la elaboración de vinos, combinando el conocimiento transmitido por generaciones con nuevas herramientas tecnológicas y una mirada contemporánea sobre la viticultura regional. Su trabajo busca preservar el carácter del valle de Chilecito, pero también proyectarlo hacia estilos más precisos y elegantes.

El vino Tinkunaco Torrontés refleja esa intención. La palabra “tinkunaco”, de origen quechua, remite a la idea de encuentro, concepto profundamente arraigado en la cultura riojana. En copa, el vino presenta aromas intensos de flores blancas, cítricos y frutas tropicales, rasgos típicos del Torrontés cultivado en altura. En boca se muestra aromático y fresco, con buena acidez y un final delicadamente floral, que conserva la identidad varietal sin caer en excesos de perfume o dulzor.

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La Chaya no es solo un festival musical: es una fiesta con un origen ancestral ligadísimo a las tradiciones indígenas y rurales de la región. Su nombre proviene de la palabra quichua que significa rocío o mojar, en referencia al agua que simboliza vida y renovación.

Según la leyenda local, una joven llamada Chaya, enamorada y desilusionada, se internó en las montañas hasta convertirse en nube, regresando cada verano para bendecir la tierra con su agua. Esta historia recorre los corazones de las y los riojanos como reflejo del amor, la naturaleza y la conexión con la Pachamama.

La celebración mezcla rituales, relatos y símbolos que hablan de comunidad, igualdad y hermandad, elementos que desde siempre han sido centrales en la cultura de la provincia.

Colores, harina y albahaca: la fiesta en las calles

Durante los días previos y centrales de la Chaya, las calles de La Rioja capital y los barrios se poblan de comparsas, música en vivo, puestos gastronómicos y actividades comunitarias. Uno de los momentos más característicos son los topamientos: encuentros en los que personas de todas las edades se arrojan harina, agua y albahaca, símbolo de purificación, agradecimiento a la tierra y convivencia festiva.

Además, en muchos barrios se organizan peñas, espectáculos callejeros y ferias artesanales que integran generaciones y visitantes bajo una misma tradición.

Música para todos los gustos

El festival principal en el Autódromo es una verdadera pasarela de sonidos que recorre géneros como el folklore, cuarteto, pop argentino y música regional. En 2026, la grilla artística incluye propuestas musicales destacadas de público nacional —como Abel Pintos, Soledad Pastorutti, Sergio Galleguillo, LBC, Euge Quevedo, Ulises Bueno y El Loco Amato— que conviven con músicos y talentos de la región.

Esta mezcla de artistas convierte a La Chaya en un festival abierto a toda Argentina, donde lo tradicional y lo contemporáneo se abrazan en cada canción y baile bajo el cielo riojano.

Un ritmo que une identidad y turismo

Lejos de ser un simple encuentro musical, la Chaya es una manifestación cultural que fortalece la identidad riojana y sirve como imán turístico para quienes buscan experiencias auténticas en febrero. Más allá de la música, las ferias, la gastronomía típica, la danza, las historias y las ritualidades convierten esta festividad en una verdadera muestra del folclore vivo argentino.

Además, su creciente visibilidad —con transmisiones en vivo y una apuesta por difundir la cultura regional— ha permitido que cada vez más personas de todo el país y el extranjero se sumen a la fiesta.