En un barrio suburbano y siestero de La Rioja, la casa de Néstor Vildoza apenas se distingue de las demás salvo por un detalle imposible de ignorar: una escultura monolítica plantada en la vereda, como una marca territorial, una sugerencia muda de que ahí vive alguien que piensa el mundo en volumen y formas. La obra y algunas modificaciones artísticas en las paredes, alcanzan como presentación.

Adentro, el panorama es el esperado y, no por ello deja de sorprender. El living, los rincones, los pasillos y hasta los espacios de transición están ocupados por esculturas de todos los tamaños: pequeñas piezas de metal oxidado, estudios en madera, dibujos, figuras equinas, formas abstractas, torsiones imposibles. No están acomodadas como en una galería sino convividas, habitadas. Son parte de la casa. Falta, claro, la escala más monumental que caracteriza buena parte de su trayectoria, pero incluso en formatos reducidos las obras conservan esa tensión física que define su lenguaje.

Nacido en Catamarca y formado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, Vildoza es uno de los escultores argentinos de mayor trayectoria en simposios y encuentros internacionales. Trabajó con piedra, mármol, madera, hierro y acero inoxidable; enseñó durante años en La Rioja y participó en bienales y concursos en distintos países. Este 2026 volverá a representar a la Argentina en la Bienal Internacional de Escultura del Chaco, uno de los encuentros escultóricos más importantes del mundo. Pero lejos de un tono solemne, habla de su obra como quien habla de un juego serio: uno donde la intuición, el error y el descubrimiento todavía importan más que las certezas.

Néstor, hay una frase que suele repetirse sobre la escultura: que es el arte de descubrir las formas ocultas en la materia. ¿Coincidís con esa definición?

Sí. Bueno, en la época de la escultura en piedra se decía mucho eso de “hay que sacar lo que sobra”. Entonces aparece la forma. Pero la escultura tiene diversidad de técnicas. Lo de la piedra sería una forma sustractiva, de quitar. Y después está lo aditivo: agregar, sumar materiales. Cuando uno pone metal, madera o mezcla técnicas, la escultura tiene una riqueza enorme.

Muchas artes hoy incorporaron eso también con la tecnología. Antes la pintura era pincel, tela y color. Ahora podés meter volúmenes, luces, materiales distintos. Y en escultura cada vez aparecen más materiales que pueden usarse para hacer obras tridimensionales, obras luminosas, piezas que incluso pueden quedar debajo del agua sin degradarse.

También están las obras pensadas para degradarse. El arte efímero. El land art, por ejemplo, hecho con madera, piedras, arena. Obras que sabés que tienen un tiempo y que después el viento, la humedad o incluso la intervención humana las van transformando.

¿Cómo llegó la escultura a vos?

Las artes plásticas me gustaron desde muy chico. Dibujar, pintar. Y el trabajo con volumen también. Me acuerdo que hacía caminitos y casitas de barro en el fondo de casa, en Catamarca. Les ponía techitos, caminos y jugaba con los gatos, como si fueran habitantes de esas ciudades. Años después volví y esas casitas seguían ahí.

¿Y por qué no arquitectura? ¿Por qué arte?

Cuando me fui a estudiar a La Plata entré en Agronomía. Pero antes, mientras hacía la secundaria, iba a una escuela de artes plásticas. Nunca terminaba, abandonaba, pero siempre volvía a eso. Hice un año y medio de Agronomía y un día, en el comedor universitario, me encuentro con un amigo de Catamarca y me dice que estudiaba escultura.

Terminamos de comer y fuimos a la facultad. Cuando abrió esa puerta dije: “Acá no me sacan más”. Fue un impacto muy fuerte. Ver las obras grandes, los alumnos trabajando, los talleres. Ahí entendí que quería estar en ese lugar.

¿Dónde sentís que aprendiste realmente el oficio?

En la calle. En encuentros, en talleres de colegas. La facultad te da el ABC. Después depende de los profesores que te toquen. Pero yo aprendí mucho viendo trabajar a otros escultores. Gente muy grosa, con mucho concepto.

A veces iba y les preguntaba directamente: “Che, esta obra no explota, ¿qué pasa?”. Y venían, la miraban, te decían dos palabras y te abrían la cabeza. Esa forma de aprender después la trasladé a mis alumnos.

Veo mucha diversidad de materiales en tu obra. ¿Cómo elegís con qué trabajar?

A veces el mismo material te llama. Pasás al lado de una piedra y decís “qué tal si la ataco”. O ves un fierro oxidado y pensás que puede salir algo de ahí. Otras veces primero aparece el tema y después el material.

Yo trato de manejarme con libertad. Me aburriría hacer siempre lo mismo. En dibujo y pintura también mezclo de todo: tintas, letras, lápices, imágenes. No sé qué pasa exactamente. Me levanto y empiezo a atacar el papel o el material.

Leyendo sobre tu obra aparece mucho la idea de tensión: tensión estructural, tensión de los materiales. ¿Es algo consciente?

A veces yo solamente quiero torcer un material. Que algo rígido se ablande. Lo logro y ahí quedó. Después alguien viene y me dice: “Esto representa el alma humana que se retrae”. Y bueno, gracias. Porque es otra interpretación que me sirve.

Yo sigo pensando que solamente quise doblar algo rígido.

¿Disfrutás esas interpretaciones ajenas?

Sí. Porque a veces pienso: “¿Y si fuera eso?”. Pasa que yo soy muy racional. Cuando voy a ver obra ajena me cuesta emocionarme. Voy a ver cómo está hecha, cómo resolvió las cosas.

Pero hay artistas que me desarman. Me pasó con Constantin Brâncuși. Cuando vi obra de él personalmente me deprimí. Pensé: “¿Cómo un tipo en 1920 podía hacer algo tan moderno?”. Sentía que él ya estaba en el siglo XXI y nosotros seguíamos haciendo obras del siglo XVI.

Se suele decir que el arte es una mezcla de cálculo, intuición y error. ¿Cómo funciona eso en vos?

Yo soy muy lúdico. Me divierto trabajando. Es muy raro que sufra haciendo una obra. Me siento como un niño jugando, pero con más fuerza y herramientas más peligrosas.

A veces sí me pasa algo extraño: estoy trabajando y pienso “esto no parece mío”. Ahí me asusto un poco. Me voy del taller y vuelvo al otro día.

¿Y cuándo sabés que una obra está terminada?

Picasso decía que una obra termina cuando se va del taller. Mientras la tenga acá, siempre le puedo meter mano. Me pasó de romper obras expuestas y sacar otras nuevas de ahí.

Todo lo que está acá puede sufrir cirugía mayor.

Trabajás desde La Rioja, lejos de los grandes centros artísticos. ¿Sentís que eso te deja fuera de ciertas conversaciones?

Sí, totalmente. Afuera te relacionás distinto. Vas a muestras seguido, conocés gente, sponsors, colegas. Acá era otra cosa. Durante mucho tiempo éramos muy pocos escultores trabajando en serio.

Pero también eso te obliga a construirte de otra manera.

La Bienal Internacional de Escultura del Chaco, realizada en la ciudad de Resistencia, comenzó en 1988 como un encuentro nacional impulsado por la Fundación Urunday y con el tiempo se transformó en uno de los eventos escultóricos más prestigiosos del mundo. Su particularidad es única: los escultores trabajan al aire libre, frente al público y bajo condiciones reales de producción, convirtiendo el proceso creativo en espectáculo y experiencia colectiva.

La edición 2026 reunirá artistas seleccionados entre decenas de países y volverá a convertir a Resistencia —conocida como la “ciudad de las esculturas”— en un punto central de la conversación artística internacional. Vildoza, que participa desde los primeros años del encuentro y posee varias obras emplazadas en calles y plazas chaqueñas, volverá este año como representante argentino con un proyecto en acero inoxidable elegido por un jurado internacional.

Vos participaste muchas veces de la Bienal del Chaco. ¿Qué tiene de particular trabajar ahí?

Es una experiencia muy fuerte. Son casi ocho horas diarias al aire libre, con frío, calor, lluvia, lo que toque. Y la obra hay que terminarla sí o sí.

Ahora voy a hacer una pieza grande en acero inoxidable. Son chapas enormes. Hay que cortar, doblar, soldar, pulir. Es un trabajo pesado pero hermoso.

¿Cómo fue tu relación con la Bienal a lo largo de los años?

Muy intensa. Estoy desde los primeros encuentros nacionales. Después fui seleccionado varias veces y terminé dejando varias obras en calles y plazas del Chaco.

Y ahora volver a representar a la Argentina me dio mucha alegría. Presentás un proyecto, fotos, vistas aéreas, planos. Eso va a un jurado internacional. Se presentan escultores de muchísimos países y eligen solamente diez.

Vos viste crecer la Bienal desde el comienzo. ¿Qué sentís cuando ves lo que se convirtió hoy?

Me sorprende cada vez más. Yo viajé mucho afuera y siempre me preguntaban por Chaco. “¿Cómo hacemos para llegar?”. Porque lo que generó la Bienal es muy difícil de explicar.

No hay nada parecido. Ni en Argentina ni afuera.

Hablábamos antes de la periferia y de quedar fuera de ciertas conversaciones. Pero en algún punto Chaco generó una conversación propia.

Claro. Ahí la conversación pasa por otro lado. Y para mí fue muy importante porque acá en La Rioja éramos pocos escultores. De golpe llegar allá y encontrarte con 50 o 100 artistas hablando de lo mismo era impresionante.

La primera vez que volví me sentí triste. Pensé: “Ahora vuelvo a quedarme solo”. Pero después seguí yendo, empecé a sacar premios, eso me abrió puertas y terminé viajando por muchos lugares gracias a esos encuentros.

Para cerrar: ¿qué balance hacés hoy de tu carrera?

Me divertí mucho. Muchísimo. Me tomo algunas cosas en serio, pero si te dijera que vivo todo con solemnidad sería mentira. Yo me divierto trabajando.

¿Y creés que hay que tomarse así también la vida?

Claro. Incluso cuando vienen malas. Yo soy creyente y estoy muy convencido de que hay algo más grande. Y eso hace todo mucho más fácil.